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CINE: Green Book, de Peter Farrelly

blog_ Athnecdotario incoherente - 3 March 2019 - 9:53am

Por Fernando Codina.

Los americanos, que son tan listos para las cosas del cine, definirían esta fantástica película con poco más de dos palabras: “Road movie” (película de carretera)o o “Buddy movie” (película de amigos). Porque en el fono, es precisamente lo que es, una mezcla magistral de ambos géneros, con el añadido de ser una historia real.

Es el producto de mezclar a un matón italiano, que actúa de encargado de seguridad y camarero en un prestigioso club nocturno (ni más ni menos que el Copacabana), con un famoso pianista clásico (que vive encima de la sala de conciertos del Carnegie Hall. Por culpa de unas necesarias obras de reforma y saneamiento del club, Tony Lip, interpretado por un tremendo Viggo Mortensen (en uno de su papeles más personales hasta la fecha), se queda temporalmente sin trabajo, y con una familia que mantener, se pone en busca de un empleo para unas cuantas semanas. Y a través de su red de contactos, se entera de que cierto pianista (a cargo del actor Mahershal Ali, conocido por sus interpretaciones en El curioso caso de Benjamin Button y Los juegos del Hambre: Sinsajo, entre otras) necesita un factótum (sobre todo un chófer) para una gira de conciertos por el Sur más profundo de Estados Unidos.

A pesar del desencuentro inicial (Tony es un poco racista, como fiel reflejo de su época; y el Dr. Don Shirley es una persona de color), consiguen alcanzar un acuerdo, embarcándose en un viaje de ocho semanas, durante las cuales el pianista dará una serie de recitales, tanto en prestigiosas salas de conciertos, como en las plantaciones de ricos propietarios. Es un viaje que, a pesar de estar planeado casi hasta el mínimo aspecto, no estará exento de problemas, por el intenso ambiente racista que se respira en la década de los años sesenta; lo cual dará lugar a numerosos problemas, que intensifican la relación entre ambos personajes. Son dos personas muy diferentes entre sí que tendrán que hacer frente al racismo y a los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida. Cabe señalar que el famoso “Green Book”, o libro verde que da nombre a la película, es una guía de hoteles, alojamientos, bares y restaurantes que en el Sur dan acogida a viajeros negros.

Es una película que tiene grandes momentos cómicos, como por ejemplo la primera vez que Don Shirley prueba el pollo frito estilo Kentucky dentro del coche, a pesar de todas sus reticencias a comer con las manos (cómo no, es en un pequeño local de la cadena Kentucky Fried Chicken); o la llamada que hace madrugada al fiscal general de Estados Unidos para que les saque de una comisaría de mala muerte en la que han sido detenidos. También destaca, por su frescura, el improvisado concierto de jazz que da en un local solo para negros, al que se une toda la pequeña orquesta. Pero también otras que reflejan la dura realidad, como cuando le indican, en mitad de un concierto en una plantación de algodón, que puede usar las letrinas de los negros, al pie de un árbol, pero no los aseos de invitados; o cuando decide suspender un concierto en un hotel de lujo porque no le dejan acceder al mismo restaurante donde se tiene que celebrar la actuación.

Nick Vallelonga, el hijo mayor de Tony Lip, se crio oyendo hablar del mítico viaje de su padre con Don Shirley; y cincuenta años más tarde la ha podido plasmar en una gran película, en la que trabaja como actor, guionista, productor y director. “Desde joven, quería ser cineasta y contar historias, y esta era una gran historia que me contó mi padre. Formaba parte del acervo familiar, pero también sabía que era una historia importante sobre dos personas muy distintas que se juntan y se cambian mutuamente la vida.” Para su padre, Tony Lip (se ganó ese apodo por su gran labia y capacidad de convencer a la gente para que hagan cualquier cosa; aquí le llamaríamos “piquito de oro”), ese viaje le abrió los ojos sobre la dura situación de los afroamericanos y el aluvión de humillaciones y de peligros muy reales por culpa de las leyes raciales (entre otras las leyes segregacionistas de Jim Crow, mencionadas en la película), donde existía incluso el toque de queda. Fue algo que le abrió los ojos, al mismo tiempo que le hizo reflexionar sobre un problema mucho más evidente en el profundo Sur.

Green Book” es una de esas películas necesarias, incluso en nuestros días, porque reflejan una realidad que en ciertos aspectos no ha cambiado demasiado en el último medio siglo, tanto en Estados Unidos como en otros muchos países. Porque habla de los prejuicios, de la discriminación, de la lucha por la igualdad, y de la esperanza. Temas todos ellos de la máxima actualidad. Si eres negro y pobre, tus posibilidades de tener una vida digna serán muy complicadas. Si eres negro y rico, o si tienes un don especial, como es el caso del doctor Shirley, puedes convertirte en un juguete de los blancos, pero con el riesgo de ser rechazado por los de tu raza. Es por lo tanto también la historia de un viaje que cambiará las vidas de ambos protagonistas, convirtiéndose al mismo tiempo en el origen de una amistad que durará décadas.

En resumidas cuentas, “Green Book” es una película sumamente recomendable, hermosa y pausada, en una época en la que cada día resulta más difícil encontrar muestras del CINE con mayúsculas.


Reseña de Himeko y otros cuentos lúgubres, de Miguel Aguerralde.

blog_ Athnecdotario incoherente - 2 March 2019 - 9:01am

Por Jorge Herrero.

En esta pequeña antología, Miguel Aguerralde brinda al lector cinco relatos bien distintos entre ellos, pero con un nexo en común: todos pertenecen al género del terror. Cinco historias a cada cual más variada. El autor se mueve como pez en el agua en un género donde ya ha mostrado de sobra su calidad, con relatos y novelas. Todos los relatos son de un nivel bastante alto, son amenos y rápidos de leer, gracias a un estilo y ritmo muy visuales y cinematográficos, dando la sensación en todos ellos de estar viendo una película o un capitulo de una buena serie de terror. Se nota, y mucho, la amplia trayectoria del escritor, que cuenta ya en su haber con un buen puñado de novelas, y donde no le ha temblado el pulso a la hora de atreverse con varias temáticas, desde el terror, pasando por la novela negra, el thriller y los zombis, hasta atreverse con la novela infantil y también la romántica, saliendo muy bien parado de todas ellas.

A continuación, el lector se encontrará con un pequeño resumen de cada uno de los cinco relatos que forman parte de esta antología.

-Himeko:

Muy buen relato para abrir la antología, directo, ameno y rápido de leer. Una ambientación muy bien conseguida, con momentos muy bien logrados, y una historia clásica de fantasmas japonesa, que una vez leído deja buen sabor de boca. Con un estilo muy visual, marca de la casa, es un ejemplo de lo que comentaba más arriba, la sensación de estar disfrutando de una buena película de terror o del capítulo de una serie.

-Nuestra señora de París:

Historia que se lee en un suspiro, muy lograda y donde el lector se meterá en la piel de la protagonista, gracias a la forma en la que está contado el relato. Versión del autor del clásico El jorobado de Notre Dame.

-Matadme:

Trepidante y muy entretenido relato donde el autor vuelve al tema de la licantropía que tan buenos resultados le dio en Laberinto. Historia que te mantiene en tensión y que podría convertirse perfectamente en una novela. Con un ritmo muy cinematográfico.

-Mutación:

Inquietante relato, donde se cuenta como un escritor intenta superar un bloqueo que le impide volver a crear historias. Una trama que va a más y que conforme avanza, se va convirtiendo en algo muy distinto a lo que parecía en un principio. Tiene varios momentos de esos que te va dejando mal cuerpo, hasta un final no apto para estómagos delicados. Un gran relato, de los mejores que he leído del autor.

-El callejón de la sangre:

Relato ambientado en la isla de Lanzarote, donde se cuenta el viaje de dos hermanos a esta isla, en unas vacaciones que serán de todo menos tranquilas y donde nada será ya lo mismo para ellos. Relato entretenido, ameno y con un ritmo que no da tregua. El más corto de todos, pero no por ello menos intenso. Y con un final a la altura del resto en la historia. Un buen final de antología, que deja muy buen sabor de boca.

Estamos ante una antología corta pero muy intensa, que al contar tan solo con cinco relatos, se lee de una tacada, y que gracias a su formato (es un bolsilibro), es ideal para llevarlo a cualquier parte, ya que apenas ocupa sitio y se puede leer en cualquier lugar. Si le tuviera que poner algún “pero”, no sería a su calidad ni nada por el estilo, solo que se me hizo algo corta. En definitiva, Himeko y otros cuentos lúgubres es un muy buen libro, ideal para todos los amantes del terror, en su vertiente de relatos. Fácil de leer y que una vez terminada su lectura, dejará al lector con un muy buen sabor de boca. Otra muestra del buen hacer de un autor que es garantía de calidad y que nunca defrauda. Totalmente recomendable.

Sinopsis:

El viento mece las copas de los cerezos en un paraje remoto sumido en la niebla del tiempo y el misterio, allí donde se esconden puertas que jamás deben abrirse.

Y es que algunos terrores se niegan a dormir cuando apagamos la luz.

Entre las páginas de Himeko y otros cuentos lúgubres se esconden fantasmas de antaño, licántropos modernos, insectos repugnantes y los ecos de uno de los personajes literarios más desconocidos del imaginario fantástico. Una colección de historias lúgubres que recorren el Japón feudal, la Ciudad de la Luz o la hermosa Villa de Teguise, antigua capital de la isla de Lanzarote.

Cinco cuentos para leer a media luz, que dan una muestra del trabajo de Miguel Aguerralde en lo referente al terror en dosis pequeñas, que nos muestran mucho más del autor de lo que parece.

https://tienda.cyberdark.net/himeko-y-otros-cuentos-lugubres-n251801.html

El baile del reloj

blog_Mar de tinta - 28 February 2019 - 12:37pm
Willa Drake es una mujer estadounidense de mediana edad que ha estado prácticamente sometida a los designios de los demás. La intensa relación con su madre, un matrimonio antes de lo convenido y el tener que lidiar con la viudez a una edad temprana son los tres momentos más llamativos en su existencia. La vida, […]

El Círculo. El paso 8: Repaso a la saga JU-ON, previo al crossover SADAKO vs. KAYAKO y el film RINGS

blog_ Athnecdotario incoherente - 24 February 2019 - 10:57am

Por José Luis Carbón.

En este nuevo capítulo, se analizarán:

-1998-2016 –Ju-On -Repaso a la saga

-2016 –Sadako vs. Kayako -Director: Kôji Shiraishi

-2017 –Rings -Director: F. Javier Gutiérrez

Tras el intento japonés de hacer resurgir a Sadako con las 3D y la globalización mundial del mito, parecía que la gallina de los huevos de oro, que era la novela de Koji Suzuki, no iba a dar más de sí, pero sólo faltaba una nueva variante que sumar al extenso universo de The Ring: el cruce o, tal y como la mayoría de hablantes usa, el crossover (1), es decir, la interrelación de historias diferentes en un nuevo, digamos, contexto. Por supuesto, en el caso cinematográfico obedece más a cuestiones puramente mercantiles, en el que se aseguran los públicos de ambas historias. En el aspecto narrativo, siempre hay un aspecto a priori interesante: saber qué pasará si unos personajes de un universo interactúan con otros de otro universo. No deja de ser un juego, como todas las ficciones, en el que a veces las posibilidades de éxito suelen estar centradas, como no podía ser de otra manera, en un buen argumento. La mayoría de los casos, por lo que se refiere al cine fantástico, no han sido precisamente memorables (recordar los casos de Aliens vs. Predator o Freddy vs, Jason).

En el caso que nos ocupa, nos encontramos en el 2016 con el psicotrónico (2)film Sadako vs. Kayako, dirigido por Kôji Shiraishi. ¿Y quién es Kayako? Pues el personaje, ya icono del terror también, el fantasma japonés llamado onryo (3) que protagoniza desde el año 1998 (justo el año que despuntó el primer film de la saga de Sadako The Ring, dirigido por Hideo Nakata, aunque la saga se iniciara antes, en 1995 con el telefilm Ringu, dirigido por Chisui Takigawa) otra extensa saga de j-horror: la de Ju-On. Ante de comentar el crossover, bueno sería repasar brevemente (4) las entregas que ha dado justo hasta el film que nos interesa para poder situarla en su contexto (o universo). Unas breves pinceladas:

-1998 Katasumi,dirigido por Takashi Shimizu

Corto que se rodó independiente pero que fue incluido en el film de episodios Gakkou no kaidan G, estrenado en televisón, con cortos de Kiyoshi Kurosawa, que nos muestra la aparición del fantasma maldito que sería la Kayako de los films (y protagonizada por la actriz Takako Fuji, que protagonizaría ese papel en todas las entregas de la saga desde el inicio hasta El Grito) y un uso interesante del montaje y del sonido. En los USA se estrenó como In a Corner.

-1998 “4444444444´´, dirigido por Takashi Shimizu

Segundo corto que también fui incluido en el film de episodios Gakkou no kaidan G y que nos muestra al hijo de Kayako, es decir, a Toshio Saeki, en la personificación del fantasma que deambula por el mundo de los vivos. Forma un díptico con Katasumi y el propio Shimizu los considera como precuelas de la saga. A destacar, como en el anterior, el uso del montaje y el sonido. Aquí el fantasma de Toshio es blanco, a diferencia del azulado en los films. Señalar que el número 4 es considerado de mala suerte en la cultura japonesa. (5)

-2000 Ju-On,dirigido por Takashi Shimizu

Primer film distribuido directamente para video (al igual que su segunda parte), con un interesante uso de historias cruzadas, todas en torno al asesinato de Toshio (hijo) y Kayako (madre) por parte de Takeo. La narración seriada en el que cada capítulo corresponde a un personaje, por lo tanto con diferentes puntos de vista, cronologías paralelas o flashback o forward que puede al principio parecer confuso, incluyendo el ritmo pausado que Shimizu le imprime a la acción, pero a poco que se entre en la historia la hace muy original y aterradora en las secuencias clave. La aparición de los fantasmas de Toshio, con sus apariciones fuera de cuadro y maullando (Takeo también mató al gato de la familia), y Kayako, con ese sonido tan terrorífico parecido al croar de la rama, marcó toda la saga posterior.

-2000 Ju-On 2, dirigido por Takashi Shimizu

Más que una segunda parte, un complemento con nuevos puntos de vista de personajes (de hecho uno de los segmentos que aparecía en la primera parte se vuelve a mostrar íntegramente en ésta, con algunas tomas nuevas) y unas escenas de terror más explícitas. El hecho de que casi 30 minutos del primer Ju-On fueran incorporados aquí y hubiera menos suspense en general hizo que tuviera críticas negativas. Suerte que decidió rehacer la historia para la pantalla grande.

-2002 Ju-On: The Grudge,dirigido por Takashi Shimizu

La puesta de largo cinematográfica y más que un autoremake del homónimo film del 2000, una ampliación a éste, en el que el tempo pausado y fragmentado (la misma historia, los mismos momentos) crean un terror muy físico. El cine de fantasmas, como hemos visto hasta ahora, en 1998 vivió una nueva edad de oro, con The Ring a la cabeza, llegados desde Japón, y Shimuzu aprendió bien la lección. Una maravilla.

-2003 Ju-On: The Grudge 2,dirigido por Takashi Shimizu

Los fantasmas de Toshio y Kayako atormentan a un equipo de rodaje que trabaja en su casa, donde se cometieron todos los crímenes. Historia brutal con escenas de impacto (final con reminiscencias de The Ring) y con la estructura narrativa de las predecesoras en las que se añade un montaje paralelo temporal muy interesante, dentro todo del minimalismo propio del director y ya de todo el universo de Ju-On.

-2004 El grito (The Grudge), dirigido por Takashi Shimizu

Autoremake para audiencias occidentales (aunque ambientado en Japón, de hecho por momento parece una continuación de las anteriores) de Shimizu obre sus obras anteriores, calcando imágenes de sus cuatro incursiones en el universo de Ju-On, pero sin perder el estilo que lo caracterizó (6). Nuestra añorada Buffy, Sarah Michelle Gellar, hace su papel de forma correcta pero es Bill Pullman, en sus breves apariciones, quien actúa en estado de gracia. Entretenida y con un especial cuidado en los efectos especiales. Por lo demás, todo estaba contado ya, o no…

-2006 El Grito 2 (The Grudge 2), dirigido por Takashi Shimizu

Secuela directa de la anterior, con Aubrey, la hermana del personaje de Karen (Sarah Michelle Gellar) tratando de detener la maldición. Se ahonda en el pasado de Kayako, con su madre haciendo exorcismos para liberar el mal de la gente pero dárselos de comer a su hija (de hecho, de lo mejor del film), más narrativa, recuerda la trama The Ring en la búsqueda de Sadako. Todo el suspense que se respiraba en las primeras entregas se pierde por momentos, la historia ya no puede dar más giros (excepto el flashback citado) y no llega a los momentos de El Grito.

-2009 El grito 3 (The Grudge 3), dirigida por Toby Wilkins

Una desaprovechada secuela ya no dirigida por Shimuzu (y se nota!!) con dos o tres momentos a recordar pero el resto predecible. La presencia de la actriz japonesa Emi Ikehata es lo mejor del film, y desaprovechada completamente en el papel de hermana de Kayako y que quiere acabar con la maldición con un exorcismo. Los que hayan visto el film coincidirán conmigo (espero) que toda la secuencia es de un ridículo predecible y espantoso cuando podría haber sido algo maravilloso. La trama sigue, como hacía El Grito 2, la historia de los inquilinos del edificio en Chicago donde se trasladó la maldición.

-2009 Ju-On: White Ghost,dirigido por Ryuta Miyake

Excelente cinta de Ryuta Miyake donde la segmentación de las historias, tal cual creara Shimizu, unida a una puesta en escena sencilla pero efectiva hacen de u visionado un complemento excelente a la saga. No tenemos a Kayako ni a Toshio pero el respeto al concepto del Ju-On (que no tuvo El grito 3) es de agradecer. El segmento del pizzero una joya.

-2009 Ju-On: Black Ghost, dirigido por Mari Asato

Al igual que su predeceora, esta Ju-On: Black Ghost, dirigida por Mari Asato, reelabora con respeto la maldición creada por Shimizu con buenas dosis de suspense y terror. Ha de ser vista junto con Ju-On: White Ghost ya que tienen la misma estructura temporal. Es de agradecer el suspense creado y la vuelta a ese terror presentido de las primeras j-terror que a finales de los 90 crearon escuela.

-2014 Ju-on: Beginning of the End, dirigido por Masayuki Ochiai

El reboot de la primera película, dirigido por Masayuki Ochiai, respetando la trama original y con buenas dosis de terror, aunque con unos planteamientos muy occidentales. Interesante, eso sí, el nuevo trazo dado a la maternidad (distanciándose así de la premisa original: Takeo enloquecido por los celos mata a esposa Kayako e hijo Toshio –ah, se me olvidaba el gato!-) ya que en esta ocasión Toshio no quiere a Takeo como padre y Kayako desvela a Takeo que no es hijo suyo tras lo cual deviene la tragedia. La parte negativa es el calco de muchas de las escenas más significativas de toda la saga y las muy predecibles apariciones de Kayako. Buen uso del sonido, respetando los films originales.

-2015 Ju-On: The Final Curse, dirigido por Masayuki Ochiai

La secuela del reboot que muestra a dos Toshios, el que murió hace años en la casa y el adoptado por parte de una familia japonesa, aspecto éste original, en un distanciamiento temático de la saga y la Kayako de siempre, en un film irregular, con sus momentos de terror más sugerido y cierta confusión narrativa al tratar de unir la continuación de la historia del film anterior con nuevas tramas.

Y hasta aquí el repaso a la saga de Ju-On, antes de pasar a comentar el crossover con The Ring. Anotar que el año que viene se estrenará la nueva entrega, producción norteamericana, de este universo con el lacónico título de Grudge y que según IMDb no se sabe si será un reboot (¿otro más?) o secuela (¿otra más?). Estaremos pendientes.

Y volvemos de nuevo al inicio del artículo donde presentábamos el crossover entre las dos sagas de terror más famosas de todo el cine japonés o lo que es lo mismo: Sadako vs Kayako, cruzando los universos de Sadako y su maldición en la cinta de video, y la de Kayako, y también Toshio, aunque se le relegue a segundo plano en el título. Decir, en primer lugar, que el film, dirigido por Kôji Shiraishi, en cuya filmografía destacan Ojos Blancos (Shirome) y Grotesque (Gurotesuku), juega con la baza que ya conocemos todos los detalles de ambas sagas, con toda la mitología que llevan encima y por lo tanto la trama argumental, por lo demás, tampoco tan descabellada (dos jóvenes sufren ambas una maldición distinta… ¿adivináis? Las dos deciden que las dos maldiciones se enfrenten entre sí) no va pareja a un film irregular, lleno de lugares comunes, en cada una de las franquicias, vistas ya en las secuelas, remakes o reboots, y con un aspecto visual al que le falta fuelle. Aspecto interesante el que se incorpore a la trama un personaje como el profesor Morishige , interpretado por un divertido Masahiro Komoto, investigador de las leyendas urbanas y deseoso de encontrarse con Sadako. Y digo interesante porque ya hemos visto en entregas anteriores como en los primeros films los que recibían la maldición de Sadako al ver su cinta de video tenían que luchar contra el reloj por encontrar una solución. Pero ya Sadako es un mito, una leyenda urbana que es conocida por todos. El profesor Morishige trata con una exorcista para que salve a una chica con la maldición pero la ceremonia se convierte en un ritual de sangre.

Aparece también un personaje con poderes psíquicos, Keizo Tokiwa, acompañado de una niña ciega que es psíquica (para lo que no hayan visto la cinta, tranquilidad, Godzilla no sale!!!), que explica que la única manera de acabar con la maldición de Sadako y con la de Kayako es enfrentarlas a ambas. Así tenemos este argumento tan psicotrónico como surrealista, con esta excusa argumental (tan válida como cualquier otra) que no lleva a la casa de Kayako y Toshio, al pozo y a donde haga falta!!! Una cinta que, por lo menos, no engaña a nadie y que sólo por el hecho de ver ese soñado enfrentamiento ya nos hace ganar algunos puntos para su disfrute. He dicho algunos. Por desgracia, en este tipo de crossover poco puedes aportar a unas sagas que ya están agotadas. No se profundiza en los temas, has de ir a la acción, en este caso a una doble acción que se ha de unir al enfrentamiento, por lo que a pesar de que los fans de ambas sagas puedan seguir queriendo más-de-lo-mismo temática y estilísticamente, las escenas buscan ese terror que ambas sagas dieron al inicio, cuando era novedoso, pero al final nos encontramos con un divertimento, una broma, un juego, un volver a lo primario del cine-barraca con un pasen y vean el enfrentamiento que más desean… Y he escrito broma porque el 1 de abril, fecha que en muchos países es el día que se celebra los santos inocentes, de 2015 se decidió hacer un cartel cinematográfico con el enfrentamiento de Sadako y Kayako. La respuesta de los fans fue unánime y de seguida los productores vieron el negocio.

Cartel falso vs verdadero

Que tras este film se anunciara la tercera parte de la parte norteamericana de la saga, Rings, parecía que la broma no podía ir más en serio: una conclusión a la saga protagonizada por Sadako y en la que se prometía un nuevo giro argumental que iba a trastocar los cimientos de la trama original.

Al hablar de Rings, dirigida en 2017 por F. Javier Gutiérrez, nos encontramos con un retorno al objeto que inició toda la maldición de Sadako: la cinta de VHS. Que aparezca este objeto dentro de un reproductor de video, en una subasta callejera, y que el personaje del profesor Gabriel (las concomitancias con el profesor Morishige, del film crossover comentado más arriba no son gratuitas) diga que es retro es toda una declaración de intenciones: nueva (¿y van?) puesta al día de la historia de Sadako, vale, aquí Samara, para la generación milénial con el uso de los elementos digitales como son los videos compartidos: el contenido del video de Samara se copia a archivos digitales.

La crítica fue unánime en calificar el film como fallido. A pesar de las buenas intenciones del director F. Javier Gutiérrez, cuyo film 3 días es más que interesante, el argumento tiene muchas lagunas para una secuela de una saga que ya estaba finiquitada. El propio director hacía estos sugestivos comentarios en la promoción del film, recogidos en la maravillosa revista Scifiworld a propósito del estreno de la cinta (7): “Culturalmente, estamos obsesionados con los vídeos, y la forma de ver esos vídeos ha cambiado radicalmente desde las dos primeras películas de The Ring. Antiguamente había todo un ritual para ver una cinta VHS. Elegías una cinta de la estantería, a veces tenías que rebobinarla, o ajustar el tracking… hacía falta tiempo, pero hoy en día, se pulsa un botón en alguno de los diferentes dispositivos que permiten ver vídeos, y el vídeo se reproduce instantáneamente. (…) Quería investigar de qué manera la tecnología modificaba radicalmente la mecánica de la maldición, y su forma de difundirse. No sólo es mucho más fácil ver los vídeos, sino que también es mucho más sencillo hacer copias y difundir la maldición.” Como podemos apreciar, todo ese ritual para poder ver un video en esos años del que habla el director, curiosamente pone de manifiesto hasta qué punto el que nos hayamos acomodado a leer mensajes o veamos vídeos sin ninguna necesidad de tocar un icono en una pantalla, nos ha hecho más vulnerable a todo lo que nos puede bombardear a cualquier hora desde nuestros móviles. Compartimos miles de gilipolleces por el simple hecho que es fácil hacerlo. No valoramos la gravedad de lo que enviamos o recibimos. El bombardeo es continuo y es en esa tesitura en la que nos movemos en lo que ya se podría considerar, después de la edad contemporánea, como la era digital. La película Rings trata el tema de pasada, lo insinúa en una de las escenas, para mí, más interesantes de la película: aquella en la que la protagonista va a buscar a su novio a la facultad y encuentra allí todo un grupo de universitarios que, al mando del profesor Gabriel, forman una especie de grupo que trabajan en el proyecto de su gurú para demostrar la existencia del alma humana en la existencia de Samara; para tal experimento van viendo los vídeos y el profesor va buscando los voluntarios que verán de nuevo del vídeo una vez copiado por los primeros. Lástima que esa trama no se haya desarrollado en profundidad con aspectos tan interesantes como el hecho de que si en nuestros días lo vídeos, los textos y las imágenes (o lo que comúnmente también se llaman memes) pueden difundirse fácilmente a cualquier lugar, todo lo que sea negativo, perjudicial, ilegal… también se difundirá, y por lo tanto, el mal (en sentido genérico) se viralizará mucho más rápido. Como vimos en la entrega anterior, con Rings (2005, Jonathan Liebesman), en la que se mostraba justamente ese tema tratado con mucha más profundidad que el largometraje de F. Javier Gutiérrez, al hacer que un grupo de jóvenes que grababan las experiencias paranormales tras ver el vídeo maldito, y van buscando voluntarios para luego ver video, salvar al anterior y seguir grabando experiencias y lo mejor de todo: COMPARTIRLAS!!! No deja de ser paradójico que Rings, el corto, desarrolle mejor ese tema que Rings, el largo!!!!

El tema de la digitalización de la imagen y su propagación ya aparecía también en la serie de televisión Rasen (1999, Jun’ichi Tsuzuki, Takao Kinoshita y Hiroshi Nishitani), comentada en entregas anteriores, y en la que la irrupción del universo digital era recibido por Sadako con los brazos abiertos, y nunca mejor dicho, en su movimiento típico movimiento cruje-huesos!!!

El mal, que representa Samara, vuelve a nacer, aunque en este caso se quiera insistir en el origen de ese mal. Como ya apuntó Roberto Morato en su crítica para la película en la decana revista de cine Dirigido Por (8): “La necesidad de dar un contexto y humanizar el mal es algo que lo desposee de todo aquello que lo hace interesante”. Efectivamente, no deja de ser curioso que todo lo misterioso a la vez que maligno de esa maldición perpetrada por Samara se pierda en una trama que busca lo racional. Se nos explica cómo Evelyn Osorio fue encerrada y violada por un sacerdote, Galen Burke (protagonizado por ese gran actor llamado Vincent D’Onofrio), se quedó embarazada, tuvo a Samara, ésta mostró poderes inexplicables, quiso ahogarla en pozo pero monjas la salvaron, se dio en adopción a los Morgan… como vemos, racionalizarlo todo.

Sadako, mito del terror, es ya presencia indiscutible en los sueños, corrijo, en las pesadillas que todo amante del terror o fantástico pueda tener. Una larga, variada y extensa saga de films, telefilms o series que dan fe de su éxito y, en algunos casos, de su fracaso. Por cuestión de espacio hemos creado un anexo en el Sadako volverá a aparecer en dos sagas no oficiales: la china de Bunshinsaba y la japonesa con Hikiko san. En el próximo número.

NOTAS

  1. Aunque en la página web https://www.fundeu.es/recomendacion/en-cine-cruce-mejor-que-crossover/ se afirma que “Aunque en español hay varios términos que se acercan a ese significado —como encuentro, fusión, híbrido o mezcla— y que serían válidos en algunos contextos, conviene tener en cuenta que, en otros y en función de las oraciones, pueden generar confusión y llevar a pensar, por ejemplo, en un tercer personaje («El esperado híbrido entre Batman y Superman»). Esta confusión parece menos probable si se opta por la alternativa cruce.” ahora mismo el uso de la palabra ya es generalizado entre la comunidad audiovisual y aficionados al cine en general.
  2. Una película psicotrónica es un término acuñado por el crítico cinematográfico Michael J. Weldon para referirse a esas películas de muy bajo presupuesto generalmente denostadas por la crítica.
  3. Ya vimos que los yurei se manifiestan de diferente forma, según la fuerza que los mantenga en nuestro mundo. Y se llamarán onryo cuando esos espíritus permanecen entre nosotros en busca de venganza, tanto en las personas que causaron su muerte como en las que aparezcan en su vivienda. Para más información os recomiendo la lectura de la web http://lasombradelkitsune.com/yurei/ .
  4. No es espacio éste para un comentario detallado de cada una de estas obras. Podéis encontrar más comentario en la interesante web http://revistacultural.ecosdeasia.com/un-repaso-a-la-saga-ju-on-ii/ .
  5. Como en chino la palabra para referirse al número 4 es 四 y se pronuncia “si”, casi igual que la palabra muerte 死 se evita por superstición. Esto sucede también en Japón ya que la lectura de las dos palabras sería “shi”. Por eso actualmente en muchos edificios públicos no existe una cuarta planta o habitación número 4.
  6. De hecho, tanto en el film como en las secuelas, nunca se pierde la ambientación japonesa porque la trama tiene lugar en Japón, se alude al fantasma de Kayako y Toshio y hasta el inglés se mezcla con el japonés, algo que no sucede en el caso de Sadako cuando se hicieron los remakes americanos, cambiando ambientación, estilo y hasta el nombre del espíritu japonés en Samara.
  7. Revista Scifiworld nº 95, Febrero-Marzo 2017, Artículo Rings, pág. 53.
  8. Revista Dirigido Por nº 475, Marzo 2017, Crítica Rings, pág. 14.


La dama que amaba los insectos y otros relatos breves del antiguo Japón.

blog_ Athnecdotario incoherente - 23 February 2019 - 9:39am

Por Soraya Murillo.

El fundamento de este libro se basa en las mujeres que por entonces eran propiedad de sus esposos. Estas mujeres, una vez casadas, pasaban a ser meros adornos. Llevaban una vida restringida, ni siquiera se les permitía salir de casa sin permiso. Tampoco podían visitar a su propia familia sin el consentimiento del marido. Vivían en una jaula de oro, prisioneras mimadas que podían hacer poco más que pensar y participar en actividades refinadas, como la escritura y el arte. Al ser sus palabras su única libertad, lo convirtieron en un arte maravilloso. A ellas, las mujeres de la aristocracia de la época Heian, se les atribuye la invención del silabario hiragana para el propósito de la grabación de su poesía.


Esta recopilación de un fragmento y diez relatos cortos japoneses del periodo Heian, es posiblemente de los más antiguos de la historia del mundo. Se cree pudo ser escrito por estas esposas y concubinas oprimidas. Ellas son anónimas a excepción de una: Koshikibu, que escribió la historia “Ōsaka Koenu Gonchūnagon” en 1055. Con poco más que hacer que observar y crear, estas mujeres capturaron el espíritu y el sabor de la aristocracia. Ellas dan vida a los detalles que mejor conocen, los gestos, sus costumbres, la conducta exquisita o el encuentro con sus amantes.


Relatos muy breves, algunos de no más de cuatro páginas, escritos de forma muy sencilla. Las palabras están estrechamente ligadas al ritmo de cada historia, para que ambas se desenrollen perfectamente dentro de ese mundo tan delicado. Destacará el humor y la ironía, pero con el refinamiento japonés de esa época. Aparte de cuentos podremos encontrar alguna fábula con su respectiva moraleja, siempre acompañados por cortos poemas escritos. Pero en sí nos hablarán de sus costumbres o cómo se comportaban en esa sociedad tan exclusiva.


El teniente que arrancó la flor del cerezo”, es para mí el cuento más humorístico de todos, con cuyo final me he reído mucho. “La dama que amaba los insectos”, que da título a este volumen, trata de lo que sufre una persona que es distinta a los demás, un bicho raro. En este caso la protagonista colecciona insectos contra los gustos estéticos de la época. En cierta forma, es una declaración de rebeldía. A pesar de que lo narra con palabras suaves, elegantes, sentiréis la protesta y el anhelo de libertad. En «Negro de humo» regresaremos al tema de la falta de derechos de la mujer durante el período Heian, de tal manera que por mucho que sus maridos o padres o familiares las quisieran, se veían sometidas a sus caprichos, dependían de la buena voluntad de los hombres que las dominaban socialmente.


Estos son solo tres de los diez relatos, pero todos ellos son auténticas joyas, tanto por su belleza como por su antigüedad. Al igual que el jade tallado y los paneles pintados que nos dejaron los antiguos japoneses, estas historias llenas de elegancia sofisticada os van a maravillar.

https://www.amazon.es/gp/product/8494286153/ref=

Gigamesh publica en formato Ómnium la saga Fafhrd y el Ratonero Gris, de Fritz Leiber

blog_ Athnecdotario incoherente - 21 February 2019 - 8:11pm

El próximo 21 de febrero volvemos a Lankhmar con “Espadas y nigromantes” y “Espadas contra la muerte”, en edición de bolsillo.

El ciclo de aventuras de Fafhrd y el Ratonero Gris es la gran obra de madurez de la fantasía heroica.

Fritz Leiber abandonó el modelo descarnado establecido con el Conan de Howard, condujo el género al terreno de la picaresca y lo elevó a cotas de ironía que no han sido igualadas desde entonces. Adaptado a juegos de rol y tablero por TSR y al cómic por Howard Chaykin y Mike Mignola, es uno de los ciclos más sólidos e influyentes que ha dado la fantasía moderna.
La saga se compone de siete libros en total, publicados anteriormente en dos volúmenes en nuestra colección Gigamesh Ficción como Primero y Segundo Libro de Lankhmar. Los siguientes libros están en preparación y serán publicados escalonadamente a lo largo de este año.

  1. Espadas y nigromantes (a la venta el 21/02/19)
  2. Espadas contra la muerte (a la venta el 21/02/19)
  3. Espadas en la niebla (próximamente)
  4. Espadas contra la magia (próximamente
  5. Las espadas de Lankhmar (próximamente)
  6. Espadas y magia glacial (próximamente)
  7. El caballero y la sota de espadas (próximamente)

Como elemento unificador, Enrique Corominas ha diseñado las portadas y las contraportadas de la colección como parte de una historieta que podrá acompañarse a lo largo de la misma.

Cubiertas

La traducción de las dos primeras novelas corre a cargo de Jesús Gómez.

Quiso la fatalidad que Fafhrd, un corpulento bárbaro norteño, y el habilidoso Ratonero Gris (que aún no era el Ratonero, sino un mero Ratón) coincidieran en las calles de la decadente y seductora Lankhmar. Sellaron su amistad en las tabernas, y la búsqueda de nuevos horizontes los hermanó en peripecias sin cuento. Se toparon con los adversarios más temibles, las muchachas más deliciosas y los hechiceros más diabólicos, así como con bestias sobrenaturales y auténticos demonios. Juntos recorrieron las tierras maravillosas de Nehwon y cometieron mil fechorías a ambos lados de los muros de Lankhmar, pero nunca, nunca, nunca trabajaron como mercenarios.

Fritz Leiber, Jr. (1910–1992), nació en Chicago (Illinois, EE.UU.). Acompañó en diversas ocasiones a la compañía de teatro de sus padres, con los que aprendió dramaturgia. En 1939 se publicó su primer relato, “Two Sought Adventure”, que sería la semilla del ciclo de Fafhrd y el Ratonero Gris. En 1953 se trasladó a California y se pasó a dedicarse por completo a la escritura. Se lo considera maestro en todas las vertientes del fantástico,
en las que destacó con la serie de ciencia ficción de la Guerra del Cambio, y con obras de terror como Esposa hechicera.

Puedes leer la opinión que nos mereció en su momento el Primer Libro de Lankhmar AQUÍ mismo.

Una oportunidad única para conocer a este dúo tan peculiar y adentrarse en el maravilloso mundo de Lankhmar, a un precio super económico.

Bruño para los más pequeños

blog_Mar de tinta - 20 February 2019 - 1:51pm
En El Mar de Tinta no nos cansamos de reiterar la importancia de que los niños crezcan rodeados de libros para fomentar el hábito de la lectura. A medida que el bebé se desarrolla hasta que da sus primeros pasos y pronuncia las primeras palabras, utilizar los libros como juguetes, para estimular la atención y […]

Que grande es el cine (vol.1)

blog_ Athnecdotario incoherente - 19 February 2019 - 8:32pm

Por Fernando López Guisado.

Bueno, amiguetes, pegamos un salto cualitativo y el Tito Athman, majete que es él, me ha propuesto abrirme las puertas de su bitácora. Así que ya tenéis flamante edición crítica y recién estrenadita de «¡Qué grande es el cine y que largo se hace esperar a la novia en doble fila!». 

Os recuerdo que no me preocupo de los spoiler. Avisados quedan los incautos.

 Blair Witch. 

Secuela directa de aquella película que marcó un hito en el cine de terror, inaugurando el género “found footage” que, para entendernos, viene a ser un «Oye, Paco, que me’ncontrao esta cámara en el bosque y vamos a ver si tiene un video guarrete antes de venderla al chatarrero. ¡Ostras, si aquí han grabado cosas muy chungas que dan cangüelo!». Anécdota: fui a ver la original después de una comilona pantagruélica en un restaurante vasco y me mareó tanto que el servicio del cine sí que parecía la casa de una bruja. En verdad respeta mucho del espíritu original conectando directamente con los personajes de aquel clásico pero, como ocurre con este tipo de pelis, resulta confusa. Juega al engaño, al despiste, sí. Pero tiene momentos verdaderamente tan escalofriantes como un silencio de varias horas de tu chica tras dejarte un mensaje en leído. El final te deja con sensación de coitus interruptus pero toda la secuencia en la casa de la famosa “Bruja de Blair”, con sus paradojas temporales, me mantuvo entretenido. Para verla una vez.  

Cargo.

No quería verla. De verdad que me olía a dramón con zombis de fondo. No quería. Pero también algo en mi interior me decía que el premio merecería la pena, que no me defraudaría, así que me lié la manta a la cabeza y es una de las mejores historias que he devorado en los últimos meses. No lo niego, repito: es un dramón con zombis de fondo. En algunas escenas, dado que estoy blandito, me dejé más húmeda la pechera del pijama que cuando doy un baño a mis hijos; porque de la paternidad va todo el asunto. De lo bueno y lo malo que podemos llegar a ser, de regresar a las raíces que nos hacen humanos, de cambiar el mundo transformando nuestro espíritu. Creyendo. En definitiva, un peliculón. No puedo estar más agradecido a la persona que me insistió en que debía verlo. Banda sonora soberbia.   

Ánimas. 

Vamos a ver, voy con prejuicios. De entrada, película española me hace sentirme como un perro con diarrea que necesita salir a la calle cada poco porque no se aguanta. Y no me equivoco. Nueva producción que, a base de alternativa, raruna y equívoca intenta más bien confundir al espectador con trucos mentales, alegorías y homenajes… en vez de dedicarse a resolver. Me parece escuchar la voz del director afirmando: “No vale, tiene que ser más rara, que está todo demasiado claro”. Al ya de por sí conjunto más confuso que una terapia de grupo le añadimos que los actores son pésimos, incluida una Ángela Molina que debía necesitar dinero para cambiar el alternador del coche y aceptó el papel. En definitiva, peli en la que no te enteras de nada y, cuando parece que te lo explica, te deja más confuso que un “mejor no te lo digo”. Para ponerla de fondo mientras haces guarrerías españolas y luego decir que las has visto.  

Sesión 9. 

Esta es una que vuelvo a visitar después de un tiempo.  No me gusta especialmente el tema de los psiquiátricos porque, al trabajar en un hospital y pasar por esas zonas con frecuencia, no me producen demasiado miedo, qué le vamos a hacer. La tenía en una especie de nebulosa de considerarla buena o, al menos, acercarse a ello. De primeras, parece que aprovecharon que gran parte del reparto de “CSI Miami” estaba cerca y les ofrecieron un extra por rodar en los ratos libres de la serie. Actores que se interpretan a sí mismos interpretando a otros personajes, semejante al encasillamiento eterno de Morgan Freeman, que siempre hace de Morgan Freeman. Bueno, al grano, la recordaba buena y lo es. Quizá no un peliculón para verlo todos los días porque resulta bastante duro emocionalmente pero espeluzna (¡Me flipa el término espeluznar!) y creo que no defrauda. Un clásico, algo olvidado, pero un clásico de pleno derecho. 

La Lego Película 2. 

Fui con mis hijos y tengo que admitir entré frustrado porque no quería verla como la vi. Me resultó muy aburrida. Demasiados guiños frikis sólo para frikis y un ambiente, en la mayor parte del metraje, bastante más pesimista que nada tiene que ver con su antecesora. También muy confusa y con unas canciones nada pegadizas. Crítica y ácida, sin duda, pero no de esa con intención sana que te provoca un buen rollo, salvo en los últimos momentos donde mejora con la idea de que somos nosotros quienes construimos lo que deseamos ser, manteniendo la ilusión y los sueños. Ni de lejos tan buena como la primera. Durante un rato me dormí, lo confieso.  

Aniquilación.  

Vamos a ver, es lo que promete. Producto para que no lo entiendas. Si alguien lo ha hecho, por favor, que me escriba y me lo diga. Yo es que soy muy cortito. Tiene momentos bastante intensos y, para que negarlo, totalmente Lovecraftianos, cosa que ya merece que le de un pase y me ponga algo cachondo. Pero ¡es que la película no quiere que la entiendas ni de lejos! Se desmonta por todos los lados con su obsesión por hacerse gafapasta. Aparte, lo siento, sé que muchos la idolatran, pero no aguanto a Natalie Portman. Me produce rechazo de piel su cara de estar siempre como en una especie de ese triste orgasmo frustrado que es la misma sensación que se te queda cuando acaba la película. ¿tantos preliminares para esto?  

Velvet Buzzsaw.

Más lenta que una carrera de caracoles lo que provoca, con su intento de reflejar la frivolidad del ambiente artístico (¡el Arte, ese mundo de sinvergüenzas!), te reta a pelear contra el sueño como una madre pelea contra la fiebre. La trama fuerte y su meollo duro, que cabalga entre la historia de fantasmas y el legado de objetos malditos, llega demasiado tarde para que consigas disfrutarla a pesar de que todos los actores son buenos, muy buenos, entre ellos una René Russo por la que parecen no pasar los años. Hay momentos verdaderamente prometedores, pero se quedan en una subespecie de “gore” descafeinado, quiere ser gracioso y no lo logra. Producto Netflix con música Netflix y rodaje Netflix que no logra cotas de otros antes mencionados. Para echarle un pase y olvidarte de ella como de una discusión en el coche a las tres de la mañana.  

The Black Room. 

Venga, vamos a aprovechar que la actriz de “Species” está aún de buen ver y, cogiendo a la medium de “Insidious” para las primeras escenas y metiendo mucho gore y mucho demonio salido, cuela que es una de miedo y no un producto para que desesperados onanistas hagan su agosto en un festín de tetillas al aire y situaciones demenciales. Os juro que “El liguero mágico”, ese gran clásico de Ozores, tenía mucho más empaque y profundidad que esto. En definitiva, no da ni para pensar en querer tocarte. Le he sacado mocos a mis hijos que no sólo daban más miedo sino que resultaban más interesantes. Hasta la entradilla y su música de peli porno es para cortarla en ese momento. Definitivamente, tengo un punto masoca para haberla continuado.  

Y por el momento, eso es todo amigos…   Sed felices y ved cine, mucho cine.  

Nightflyers

blog_Mar de tinta - 13 February 2019 - 3:46pm
Mientras medio mundo espera ávido la publicación del siguiente título de la saga Canción de Hielo y Fuego, Gigamesh reedita “Nightflyers” en una sugerente  edición a color ilustrada por David Palumbo y cubierta a cargo de Enrique Corominas. “Nightflyers” vio la luz en 1980 en el número de abril de la revista Analog Science Fiction […]

Una estrella fugaz, de Takarai Kikaku

blog_ Athnecdotario incoherente - 10 February 2019 - 7:22pm

Por Soraya Murillo.

Con quince años ya fue discípulo del mejor maestro de poesía japonesa el gran Bashō.

Kikaku era conocido como el “aprendiz reprendido” por las muchas anécdotas que tuvo con su maestro. Mientras que a Bashō preconizaba cantar la realidad de cada día, Kikaku prefería la novedad y lo humorístico. En la introducción del libro podréis leer una hermosa información que os ayudará a entender cómo llegó a formarse Takarai Kikaku.

El Haiku es una forma de poesía japonesa tradicional con diecisiete sílabas dispuestas en un patrón de tres líneas (5-7-5). Los haikus son poemas basados en momentos de la vida, pero su característica es describir esa esencia de la manera más concisa posible, usar las palabras imprescindibles, para ir a lo esencial sin recubrirlo de figuras literarias. Por eso, bajo esa brevedad hay condensado algo que puede resultar muy complejo, un momento de la vida descrito con escasas palabras.

Esta antología que vais a leer bilingüe, consta de 70 haikus inéditos de Takarai Kikaku seleccionados, traducidos y comentados por Fernando Rodríguez. Su traducción ha sido realizada a partir del original japonés respetando al máximo los textos originales.

Cuando leemos un haiku nos miramos en él, es algo más que unas palabras atrapadas en tinta y papel; en verdad nos veremos ahí reflejados. Algunos de los que vais a leer están destinados a rendir homenaje a la sabiduría, otros nos muestran aquello que tal vez no podamos experimentar por nosotros mismos, poniendo lo desconocido en un lenguaje familiar con el que podemos identificarnos. En otros, captura lo familiar y lo gira para que logremos verlo de una manera nueva.

En este haiku, por ejemplo, la lluvia muestra querencia de atemperarse, a una con el curso del sol.

Esta lluvia

se irá haciendo templada

al compás del día.

Aquí, el amo de la casa ajardinada contempla con arrobamiento la caída de las flores, a veces pétalo a pétalo. No menos que cuando hace una semana las vio brotar. Piensa que no vale la pena despertar al jardinero de su siesta para que barra el jardín, ya que él mismo está disfrutando ahora ante ese evento de la vida vegetal.

Hoy caen las flores

dejo que el jardinero

duerma más tiempo.

¿Verdad que son muy hermosos? Os animo a leer esta antología porque un haiku es como capturar una respiración, para devolverla dentro del misterio en los que se envuelven los suspiros.

http://satoriediciones.com/libros/una-estrella-fugaz/

La Triada. Canto primero: Tierra, de So Blonde

blog_ Athnecdotario incoherente - 9 February 2019 - 10:59am

Buenos días, mis queridos Lectores Ausentes.

Hoy os traigo una jodida MARAVILLA, así, en mayúsculas. Una novela que no es que me haya dejado el culo torcido, sino que ha hecho que me explote la puta cabeza, dejándome con cara de lelo al principio y asintiendo como un imbécil al terminar, con una sonrisita cómplice en los labios y aplaudiendo con las orejas ante una lectura tan recomendable como difícil de clasificar.

Y es que una novela que ya de entrada, te pilla la biblia y le pega tal meneo que no deja títere con cabeza, explicándote como una chavalita adolescente fue violada por el sádico mensajero de Dios (y encima la pobre se tuvo que comer el marrón que este le metió en las tripas), que Jesusito era poco más que un puto hippie que se ponía hasta el culo y oía voces, o que el oscuro Señor del Averno ni es oscuro, ni señor y que en realidad vive en Madrid, en compañía de sus dos fieles cofrades, pues eso, que es una novela atrevida e irreverente como poco y tan solo es el principio de lo que está por llegar.

Y si, ELLAS son La Triada, el reverso de la Santísima Trinidad del Padre, Hijo y Espíritu. Ellas. Luz, Bel y Santi, la rubia, la morena y la pelirroja. Cuerpos de escándalo. Inteligencia, instinto y pasión. Tres demonios que nos enamoran, pues conocen mucho mejor la verdadera condición humana que los supuestos Chicos Buenos. Ellas saben que nos mueve, que nos empuja, lo que anida en nuestros corazones. Somos débiles y ni siquiera necesitan tentarnos. Pueden ser crueles y de hecho, lo son, pero no más de lo que podamos serlo nosotros mismos por naturaleza. Nos utilizan, por supuesto, pero ya se sabe… El fin justifica los medios y si nos atenemos a lo que han sido siempre los designios del Señor, pues ni tan mal, oiga. Pa cabrón caprichoso, rencoroso, manipulador y engreído, el barbudo del triángulo, que además, se fue a por tabaco y no volvió.

Lo admito sin tapujos: So Blonde me flipa. Conozco de primera mano lo que es capaz de hacer con las palabras. Sus historias tienen una narrativa tan personal, tan autentica y reconocible, que no debería sorprenderme y aún así, lo hace cada vez que saca algo nuevo de su procesador de textos. Y me rindo a sus pies, arrodillado frente a sus zapatos de tacón de aguja.

Y es aquí donde para mi, reside lo más fascinante de la novela: El estilo So Blonde. Fresco, desenfadado, sin tapujos e incluso sucio si es necesario. So es muy, pero que muy cabrona cuando quiere. Cruda, violenta, trágica y visceral, a veces directamente soez y con un humor negro como el sobaco de un grillo, pero sin dejar nunca de tener justo eso, estilazo. Lo más pijo que uno se pueda imaginar. Encanto y seducción, la elegancia y la exquisitez, pero con el vocabulario de la gitana del mercado, la de `Niña, a tres euros, las bragas a tres eeeuuurooos…´. Un contraste que me ha dejado muy loco. El glamour y lo castizo, la clase y la distinción paseándose por los arrabales como Pedro por su casa. Que una puede ser muy chic , pero la mierda sigue oliendo a mierda y la sangre salpica y deja manchurrones difíciles de lavar. Simplemente maravilloso.

Una lectura inmersiva, en la que te metes hasta las trancas y que no puedes dejar, condicionado por la voz de la narradora, que de un modo hipnótico, te lleva por donde le da la puñetera gana, sin que tengas siquiera opción a cuestionarte lo que te dice. Pocas veces me ha sucedido algo semejante, el dejarme llevar por la voz cantante si ponerle peros, hechizado por los cantos de sirena. Y lo mejor, que aunque sea el primer volumen de una trilogía, la novela cierra de puta madre, cosa que uno agradece cosa mala en estos tiempos que corren.

Nos encontraremos con los figuras de los textos bíblicos, que se han adaptado a los tiempos que corren con mayor o menor fortuna. Por ahí pululan Gabriel, Miguel, Lilith (pedazo personaje), Muerte y el cabronías de Caín, entre muchos otros, amén de toda la panda mafiosa de los Nacidos para Perder, con los que no puedes evitar empatizar. Hasta sale el Papa de Roma, y no es coña…

No quiero contar más. Es una obra a la que hay que llegar virgen y descubrirla por uno mismo, para que la experiencia sea la que debe. Solo apuntar que si os mola el cómic de The Preacher, pues que va a ser que La Triada. Canto primero: Tierra, hará que os meéis en las bragas del gusto, ni más ni menos.

Que si, que esto da para serie. Y no de Netflix. Mínimo, HBO. Palabrita de calvo cabrón.

No voy a decir que lo recomiende. Os diré que es directamente imprescindible. Ya tardáis. Si no lo hacéis, es que sois unos pringaos. Y ya…

Sinópsis

Auxíliame, oh, musa, pues temo que mi voz no alcance y debo hablar sobre las Tres. Tres eran las parcas. Tres fueron las Moiras Siempre fueron tres La Doncella, La Madre y La Vieja. Tres en Cielo, Tierra e Infierno. Tres por la vida, la muerte y la parte confusa y dolorosa que hay en medio. Y si el patriarcado robó el triunvirato y la trinidad… ellas serán una Tríada. Que mi súplica te sea grata.

Desde hace siglos, la Tríada holla la creación con sus tacones de aguja para burlar, tentar y joder… Como Dios manda. Pero ahora Luz, Santi y Bel han visitado al Príncipe en el Vaticano, lo que ha puesto muy nerviosos a los Chicos Buenos del Cielo, quienes harán cualquier cosa para saber qué traman las Nenas Malas, incluso pactar con los Nacidos para Perder. Se aproxima una crisis que puede significar el Fin de los Días, pero ¿qué ocurrirá con la humanidad? ¿Qué pasará con los Agentes Libres? ¿A qué coño vienen tantas mayúsculas en plan bíblico? Arcángeles y súcubos, hechizos y balas, acero y seda, santos y pecadores cohabitan en la Madrid actual.

So Blonde inicia en La Tríada: Tierra su obra más ambiciosa hasta la fecha para presentar una novela tan inclasificable como irresistible. Un mezcla diabólica de acción, terror urbano y comedia en la que el Infierno huele a perfume de lujo, los pentáculos se trazan con pintalabios y los coros loan a ritmo de rock’n’roll.

https://tienda.cyberdark.net/tierra-la-triada-1-n251638.html

Lo dicho: ¡Una puta maravilla! Una jodida delicia, con un humor y una mala hostia que telita marinera. So Blonde en estado puro, libre de ataduras y sin cortarse un pelo. Esa mezcla entre fantasía oscura, humor corrosivo, épica y terror, es de un gusto exquisito. De lo marginal al más absoluto glamour, de lo impío a lo sagrado, derribando mitos a sangre y fuego y reescribiendo la religión.

La Favorita, de Yorgos Lanthimos

blog_ Athnecdotario incoherente - 7 February 2019 - 3:33pm

Un artículo de Cristina Béjar

Muy buenas Incoherentes. Hoy me dejo caer por el blog, para traeros la reseña de la última película, nominada a diez Oscar, dirigida por el griego, Yorgos Lanthimos, conocido por obras como “Canino”, “Alps”, “Langosta” y “The Killing of a Sacred Deer”.

Conocí al susodicho no hace mucho, creo que fue en 2017 en el Festival de Cine Sitges (¿dónde si no?), con el visionado de “The Killing of a Sacred Deer” y me disgustó muchísimo. No comprendía la historia, ni de qué iba la vaina. El ritmo era lento, las actuaciones extrañas… Me pasé flipándolo muy fuerte las dos horas que duró. PERO, y sí, pongo un PERO como la copa de un pino, al salir del cine e ir a hacer la post tertulia y desgranar la historia, comprendí que acababa de ver una puta obra maestra (¿se puede decir puta en un blog?). Una maravilla. Un puzzle que encaja a la perfección como por arte de magia.

También me dí cuenta de lo dormida y relajada que estaba frente a una proyección. Que si no me dan un blockbuster mascadito, la peli no me gusta. Me enfadé mucho conmigo misma. Me estaba volviendo perezosa y rechazaba un cine que me obligara a pensar y a reflexionar.

Lanthimos me abrió los ojos con su brutal contenido social, con su inconformismo, con su protesta, con su violencia y crueldad… Así que cuando supe que podría ver otra película de él, la emoción me embargó, porque volvería a tener un desafío delante de mí, y me preguntaba qué sería esta vez y cómo encajaría su universo en una historia de época.

Dejé el tema, no indagué más y hasta ayer no pude ir al cine a verla. “La Favorita” es diferente a lo que ha hecho antes, es mucho más accesible y esto es porque Yorgos, no es el guionista como suele ser habitual, así que la cinta no cuenta con la sinergia guión-dirección. Pero a pesar de que no es una obra 100% Lanthimos, es una película que nos ofrece muchísimo.

A destacar:

  • El diseño de vestuario es magnífico, el cual corre a cargo de Sandy Powell (“La Reina Victoria”, “Velvet Goldmine”, “Gangs of New York, “Shakespeare in Love“)
  • La fotografía es de Robbie Ryan: “Slow West”, “Cumbres Borrascosas” entre muchas otras, quien también ha participado en videoclips de Massive Attack y How Destroy Angels
  • La banda sonora es exquisita
  • Las actuaciones de Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone, son alucinantes. Consiguen transmitir algo muy fuerte a través de pantalla, una reacción totalmente física, algo palpable… Fantásticas, poderosas, un tridente que se complementa a la pefección (por favor, por favor, vedla en VOSE)
  • La ambientación. Todo está muy recargado y lleno de detalles, es totalmente barroco, asfixiante, abrumador… Muy acorde con lo que nos quiere transmitir la historia
  • La dirección… Es impecable. La utilización de recursos como el gran angular, el ojo de pez, la elipsis, los planos en movimiento, la iluminación tan kubrickiana y que recuerda tanto a “Barry Lindon”… Todo esto te zambulle en ese momento histórico, en la vida de esas tres mujeres, te provoca vértigo, malestar, risa amarga…

Y ¿de qué va “La Favorita”?, pues nos encontramos en el siglo XVIII, Inglaterra está en guerra con Francia y la regente, Anne, tiene un delicado estado de salud. Lady Sarah es quien realmente gobierna el país, y su prima Abigail, aparece demandando un empleo ya que ha perdido su condición de Lady, debido al mal hacer de su padre.

Bajo esta premisa de se desarrolla una lucha de poder, una demostración del patetismo humano, de su crueldad, de su egoísmo, su inocencia, su lujuria, su soberbia. Nos habla del sometimiento, la humillación, el humor ácido y sarcástico, del amor, los celos… Resumiendo, habla de la realidad, de la propia naturaleza de las personas, de nuestra esencia, de quiénes somos y qué estamos dispuestos a sacrificar por nuestros deseos, por nuestras metas.

“La Favorita” no es totalmente Lanthimos, pero no por ello es una película para pasar por alto. Es brillante, elegante y sórdida, delicada y violenta, es un organismo vivo que provoca que no puedas apartar la mirada, es exigente con el espectador, es intensa; Es una tragi-comedia-negra.

Un “must” si amas el cine.

Cuentos populares británicos

blog_Mar de tinta - 5 February 2019 - 2:40pm
Desde tiempo inmemorial se han contado historias al amor de la lumbre en los hogares de todo el mundo. Fruto de la transmisión oral, esos relatos pasaron de padres a hijos hasta conformar muchos cuentos clásicos que siguen vigentes hoy en día. Sin duda alguna, las islas británicas son un atractivo foco de tradiciones y folklore […]

La caja de botones de Gwendy, de Stephen King y Richard Chizmar

blog_ Athnecdotario incoherente - 3 February 2019 - 11:35am

Por Athman M Charles.

Buenos días, mis queridos Lectores Ausentes.

En esta mañana de domingo, dirigimos nuestros pasos hacia Castle Rock, lugar mítico y aterrador, escenario de tantos sucesos inexplicables y terribles. Si, amiguetes: El tito King regresa a su emplazamiento favorito con su nueva obra, La caja de botones de Gwendy. En esta ocasión, no viaja solo. Richard Chizmar (autor al que no he tenido ocasión de leer con anterioridad, pero que cuenta con varios títulos en su haber), le acompaña en el trayecto y como el mismo explica, fue en cierto modo el instigador de este pequeño viaje. Por lo visto, Chizmar escribió la historia hasta que se quedó bloqueado en algún momento, sin saber para donde tirar y fue entonces cuando se la pasó a King para que le diese su opinión y que este hiciese con el material lo que le viniese en gana. El de Maine accedió a poner de su parte, escribiendo el resto y contribuyendo con sus ideas, y el resultado es esta pequeña historia, que siendo honestos, sin estar nada mal, no es tampoco nada del otro jueves. Una novelita corta, apenas poco más que un relato alargado, que si bien no aporta gran cosa al lector, nos permite visitar uno de nuestros parajes favoritos y reencontrarnos con uno de los personajes más emblemáticos en la bibliografía de King, nada más y nada menos que el inefable Randall Flag (AKA Richard Farris), quien como siempre, aparece en escena haciendo cosas raras, para ponernos a prueba y sentarse a ver arder el mundo.

Si bien la historia parte de una premisa interesante, aunque en ningún caso novedosa, su desarrollo no acaba de satisfacernos por completo. Lo que nos cuenta y la forma en que nos lo cuenta no chirrían ni están mal, pero el estilo flojea, no está a la altura de lo que el lector espera. Stephen King nos tiene mal acostumbrados y aquí la escritura parece un tanto simple, algo por debajo del nivel habitual. Capítulos cortos, muy cortos y un avance cronológico en la historia a velocidad de la luz, mostrándonos lo que sucede en un periodo de diez años en apenas doscientas páginas, pasando de escena a escena, de un momento importante a otro, sin permitirnos profundizar en nada. El tratamiento de los personajes sufre del mismo problema. Si bien están caracterizados y cumplen en su rol, notamos falta de profundidad en ellos, nos falta conocerlos más a fondo.

Lo mismo ocurre con varios puntos de la propia historia. Hay tanto material desaprovechado, sin desarrollar y por el que se pasa casi de puntillas, que uno se pregunta si no hubiera sido mejor que King hubiera reescrito todo desde el principio, basándose en el material y las premisas de Chizmar, exprimiéndole toda la chicha que puede salir de ahí. Y es que en algunos momentos, eso es lo que parece la obra: Un borrador de tramas y sub-tramas sin ahondar, que poniéndose serio con ellas, desarrollándolas, dándoles el espacio que requieren, el peso real que tienen en el devenir de la historia, eran la base, ahora si, de una muy buena novela. Tal como está, se queda un poco en tierra de nadie, ni relato (donde realmente funciona si obviamos la extensión) ni novela, por falta de complejidad y donde exige espacio y materia para explayarse a gusto. Se ha escogido una fórmula que no termina de cuadrar.

Otra cosa a la que tampoco se le saca partido es a la propia caja de botones que da pie al título. No sé que les sucedió a los demás, pero cuando me puse con la obra, imaginé una suerte de cosedor o algo similar y para nada. La caja de botones de Gwendy es literalmente eso, una caja con botones, de los de pulsar. Y palancas. Y cada uno de ellos tiene un efecto concreto, que puede darte la felicidad y/o liarla muy parda, siempre y cuando tengas agallas suficientes y ningún tipo de ética, moral, remordimientos ni mala conciencia. De nuevo, reincidimos en el mismo problema: Apenas se le saca rendimiento al propio objeto y a ese problema ético, al uso del maldito cacharro y a sus consecuencias. Se queda ahí. Como causa y efecto de la historia, pero sin protagonismo más allá del mínimo, quedando casi reducida a simple excusa. Había tantas posibilidades en ese aspecto, que me resulta sorprendente que ninguno de los autores haya tirado de ese hilo.

No sé si es que la idea original del proyecto era escribir una novelette si o si, sin la opción de salirse de ese formato y es la propia restricción impuesta en cuanto a extensión obligatoria, o que King quería sacarse esto de encima cuanto antes y se hizo con prisas, yendo al grano para cumplir y punto, pero el caso es que sin ser en ningún caso una mala lectura, resulta a todas luces insuficiente para dejarnos satisfechos. Nos sabe a poco. Es como darle un solo bocado al vuelo al mejor bocadillo del mundo, después de ocho horas sin comer. Estamos hambrientos, el bocata está de vicio, pero apenas hemos podido morder la punta del pan, sin llegar a catar ni la chicha ni la salsa.

Como dato curioso (y que quizá explique el porqué de esta obra irregular y esta peculiar colaboración), resulta que Richard Chizmar es el fundador de Cemetery Dance, un pequeño sello editorial que curiosamente, es quien ha publicado la novela en EEUU. Tinto y en botella, que se suele decir.

Destacable, la cuidada edición del libro por parte de Suma de Letras, impreso en formato cuartilla de 20×16 centímetros, en tapa dura con sobrecubierta y varias ilustraciones en blanco y negro en el interior. Como objeto, mi lado fetichista bibliófilo se sintió feliz y contento.

Y a pesar de todo, con todas su fallas y carencias, la he disfrutado. No puede competir con ninguna otra obra de King que haya leído. No juegan en la misma liga, ni puede siquiera aspirar a ello por su propia condición bastarda, pero José Óscar Hernández Sendín hace un buen trabajo de traducción, como novela corta que es se lee en un rato, resulta entretenida, se le ven las posibilidades (aunque estén desaprovechadas) y siempre es un placer regresar a Castle Rock, ese lugar maldito y fascinante, aunque sea en forma de cuento.

Una rareza dentro de la bibliografía del de Maine, una oportunidad de oro para Chizmar, una lectura ligera para el lector y un trofeo más para la colección de los más completistas.


Cine: The old man and the gun

blog_ Athnecdotario incoherente - 2 February 2019 - 9:44am

Por Fernando Codina.

Atención, amantes del cine… ¿Qué pasa cuando en una película coinciden en enorme Robert Redford en un papel protagonista, Danny Glover y Tom Waits como secundarios de lujo, y la increíble Sissy Spacek como acompañante femenina? ¿Y si además se junta un impecable David Lowery como director y guionista, ayudado en esto último por David Grann? ¿Y si lo unes a que está basada en una historia real, digna del mejor cine negro?

Pues el resultado es una AUTÉNTICA OBRA MAESTRA del cine contemporáneo, una película que en sus noventa y tres gozosos minutos de duración no te deja respirar, y en la que no falta de nada. Desde atracos a bancos impecables, hasta la preparación de los mismos, incluso una incipiente historia de amor. Y, por encima de todo ello, el ENORME Robert Redford, en la que será su despedida del cine, al menos como actor.

Basada en la historia real de Forrest Tucker, un apuesto y talludito ladrón de bancos, con un estilo impecable y siempre sin disparar un solo tiro. A una edad más identificada con las sopitas y el buen vino, Forrest se dedica a atacar bancos, en la película nos hablan de cincuenta y tres, en cinco estados diferentes (aunque en la escena final nos comentan que atracó otros cuatro, ¡el mismo día!). También nos hablan de la implacable persecución de un joven agente del FBI, en una época, los primeros años ochenta, en la que estas operaciones no eran comunes. Y asistimos a una dulce historia de amor, entre dos personajes, Forrest y Jewell, que en cierto modo estaban condenados a encontrarse.

En la película, también hay espacio para grandes momentos cómicos, como la reunión previa al atraco del banco de Forrest, Waller y Teddy; o el intercambio de mensajes garabateados en billetes de Forrest y su némesis, el agente Hunt, interpretado por un sobresaliente Cassey Affleck. Pero también hay persecuciones a toda velocidad (aunque la última de ellas termina a lomos de un caballo), huidas de la cárcel (recordando viejos tiempos y sus dieciocho fugas previas), escenas románticas…

En resumidas cuentas, una historia demasiado buena para ser verdad, que reúne a un plantel de actores en estado de gracia y a un director capaz de sacar lo mejor de todos ellos. Una de esas películas que resulta necesario ver en versión original para disfrutar plenamente de unos actores impecables.

Robert Redford acumula a lo largo de su carrera una inolvidable galería de ladrones y forajidos, y esta es posiblemente la interpretación más tierna y al mismo tiempo un poco gamberra que el veterano actor nos ha regalado en los últimos años. Y si realmente es su despedida del cine como actor, extremo este que ha sido mencionado por el intérprete, se me ocurren pocos broches de oro más concebidos a su medida. La historia de un ser que vive la vida intensamente, y cuya sonrisa parece bendecirnos desde la pantalla. La épica vida de un granuja, a todo gas.

Mi vecino Totoro cumple treinta años

blog_ Athnecdotario incoherente - 26 January 2019 - 9:44am

Por Fernando Codina.

Si con las palabras “¡Tora, Tora, Tora!” dio comienzo el ataque japonés contra la base americana de Pearl Harbor en diciembre de 1941, el nuevo grito de guerra en numerosos cines españoles es “¡Totoro, Totoro!”, con esa musiquita y ese acento tan pegadizos que hacen sonreír por igual a niños y a adultos. Porque la película de animación japonesa, “Mi vecino Totoro”, producida por los Estudios Ghibli, acaba de cumplir treinta años, y lo celebran con un re-estreno en unas cuantas salas de Madrid, y en el resto de España.

Como buen aficionado al cine en versión original, hace un par de días fui a verla a mis cines de cabecera, los Renoir (en parte por su genial opción de la vuelta al cine, con precios inferiores a los de la taquilla). Al entrar en la sala, pensé que iba a haber poca gente, en buena parte por la hora (las seis de la tarde de un jueves), pero sin olvidar el inconveniente de la propia versión original. Porque para mí era bastante distinto el ver una película en francés, italiano o inglés, idiomas que conozco bastante bien, que en japonés, donde solamente soy capaz de dar las gracias (“domo arigato”, y eso gracias a la serie “Shogun”).

Pero sin embargo, la sala estaba casi completamente llena, y no solo de adolescentes, sino también de personas de cierta edad. A mi lado se sentaron una chica de unos treinta años, y su madre, en la sesentena, y ya desde los créditos iniciales empezaron a cantar por lo bajinis la melodía…

Porque hay que reconocer que es pegadiza, y que suena muy bien, y que se mete en la cabeza del espectador. Como todo el resto de la película, por otra parte. El argumento no puede ser más sencillo: dos niñas, una de ellas poco más que un bebé (llamada Mei), y la otra una pre adolescente (Satsuki) se mudan a su nueva casa, en pleno campo, a vivir con su padre, mientras que su madre se recupera de una grave enfermedad en el hospital de la comarca. En el bosque cercano, las niñas descubren la existencia de seres míticos y extraordinarios, como su nuevo vecino, el gigantesco Totoro.

Es un personaje que tal vez debería dar miedo, por su enorme tamaño, sus garras afiladísimas o su tremenda boca llena de dientes amenazadores, pero que es en realidad un espíritu del bosque, que solo puede ser visto por personas de corazón puro. ¡Y no nos olvidemos del impresionante y enorme gato autobús, con sus incontables patas y su curiosísimo cuerpo moldeable! Las niñas vivirán varias aventuras con estos curiosos seres, a los que es imposible no tomarles cariño.

El caso es que durante los noventa minutos que dura la película, y quizás por la complejidad añadida del idioma original, tanto los demás espectadores como quien esto escribe, fuimos completamente abducidos por “Mi vecino Totoro”… y salimos del cine tarareando la dichosa musiquilla. Ha sido toda una experiencia, casi catárquica, y perfecta para olvidarnos del mundo real.

La película, dirigida por Hayao Miyazaki, se convirtió desde su lanzamiento en todo un fenómeno a nivel mundial, casi en el icono de toda una generación de niños que crecieron bajo su sombra. Y la carrera del director ha sido impresionante, siendo el responsable de otras películas míticas como “La princesa Mononoke”, “El castillo ambulante” o “Se levanta el viento”. En resumidas cuentas, toda una experiencia cinematográfica, que estaré encantado de repetir en cuanto cobre y pueda comprarme la película en DVD.

El silencio de la ciudad blanca, de Eva G. Sáenz De Urturi

blog_ Athnecdotario incoherente - 20 January 2019 - 10:13am

Por Soraya Murillo.

Este es el primer tomo de la llamada “Trilogía de la ciudad blanca”. Si he de ser sincera tenía muchas dudas de empezar esta saga. Por ambientación me recordaba a la trilogía del Batzán, de la que no quedé muy contenta. Pero la novela empezaba con buen pulso narrativo y se me hizo amena la lectura. Algo muy importante a su favor es que es autoconclusiva.

Una escritora que da muchos detalles, haciendo con ello que el libro se vuelva muy visual. Escrita de forma sencilla, nos adentra en una novela negra donde no faltan referencias a la mitología, las leyendas o a la arqueología. Algunas leyendas son verdaderamente hermosas, con un punto de magia y terror.

Parte importante de la historia trascurre en la provincia de Álava y la ciudad de Vitoria. Sus calles, monumentos y bares, son lugares que existen, haciendo que todo parezca más real. La autora mueve con astucia al protagonista principal, el inspector Unai López de Ayala, alias Kraken, experto en perfiles criminales. Un hombre cuyos demonios interiores no logra exorcizar.

En Vitoria, hace dos décadas, un brillante arqueólogo fue detenido por unos asesinatos rituales. A punto de salir de su condena los asesinatos se reanudan tal y como fueron cometidos. Si el supuesto asesino sigue en la cárcel, ¿quién los está matando? Ese será el reto de Unai. El escenario lo será todo en esta novela. Es lo que siempre digo: nada supera a un autor describiendo el lugar donde vive. Tendremos unos saltos en el tiempo, con otra historia paralela a la del protagonista y con otros personajes, aunque obviamente tendrá mucho que ver con la actual. Y eso es curioso, pues en sí parece una simple historia de amor.

La forma de matar es muy especial, rozando la mitología. La novela se hizo para entretener al lector, esto lo digo porque algunas puestas en escena de los crímenes resultan bastante inverosímiles, serían prácticamente imposibles de realizar en plena calle sin que nadie viera nada, ya que también el escenario abarcará una ciudad en fiestas, y dudo que algo así pudiera hacerse sin ser visto, sin testigos. No le deis muchas vueltas, la autora es consciente de ello, pasando por encima como no queriendo dar más explicaciones.

Nuestro policía es muy inteligente, sigue buenas pistas. Aun así, el lector llegará a la misma conclusión, incluso en algunos tramos se adelantará al propio policía por las pistas que dejó la autora. Por eso pienso que es una novela en la que la escritora ha querido que los protagonistas y los lectores se unan y vivan por igual la trama, buscando los porqués.

Un thriller de muy buen ritmo para los lectores amantes del misterio y la novela policial, donde el inspector de policía prácticamente arrolla con su personalidad al resto de personajes. Una ciudad llena de rincones misteriosos que un asesino empapará con sangre. El sacamantecas, Ochate, mitos vascos, cultura, todo le vale a Eva G. Sáenz de Urturi para que no perdáis interés, destacando un magnífico trabajo de investigación.

Historia que seguirá con “Los ritos del agua “y “Los señores del tiempo”.

Entretenida sin más. Un final demasiado fantasioso, creo que se le fue un poco la mano huyendo de lo real, queriendo dejar una atmósfera tan misteriosa. En los crímenes en serie hace falta un poco más de seriedad. Mentiras y venganzas se unirán, junto a un pasado que alguien no quiere ni desea olvidar.

 

https://www.casadellibro.com/libro-el-silencio-de-la-ciudad-blanca/9788408154167/2933371

 

 

 

 

 

 

Delicias francesas: Sobre Ruedas y El gran baño

blog_ Athnecdotario incoherente - 19 January 2019 - 10:18am

DELICIAS FRANCESAS, por Fernando Codina.

Tranquilo, pequeño saltamontes, que no se trata de ninguna cochinada. Porque con “Delicias francesas” me refiero en esta ocasión a dos maravillosas películas de aquella nacionalidad, que sobreviven como mejor pueden en las carteleras de Madrid y de otras ciudades españolas, como por ejemplo Málaga y Granada. Son concretamente “Sobre Ruedas” y “El gran baño”, de las que te hablaré un poquito a continuación.

Gracias a las ofertas de los Cines Renoir, últimamente estoy viendo muchas películas extranjeras en versión original (se me ocurren pocas maneras más placenteras y eficaces de mantener un idioma que ir al cine), y sobre todo francesas. Y en las últimas dos semanas, he disfrutado como un enano de estos dos títulos.

En común tienen el pertenecer a un género muy concreto, la comedia y la sátira social, pero ambas con un tono intimista y respetuoso con la diversidad que las hace merecedoras de la más alta consideración.

Sobre ruedas es básicamente una comedia romántica. Cuenta la vida de un exitoso hombre de negocios, Jocelyn, ligón hasta decir basta y mentiroso compulsivo. Durante una visita a la casa de su madre, recientemente fallecida y que necesitaba una silla de ruedas para andar, es sorprendido por su vecina, una mujer joven y tremendamente sexy, quien al verlo sentado en la silla, piensa que es un discapacitado. Y resulta que ella tiene una hermana mayor, que también va en silla de ruedas, y se le ocurre presentarlos en una comida familiar. A partir de ese momento, va surgiendo una historia de amor, basada en la mentira, pero también en la admiración, puesto que ella resulta ser una consumada tenista, y una violinista de excepción. Y surge el problema. ¿Cómo decirle que él es válido, sin que esto afecte a su relación? ¿Hasta qué punto tienen un futuro juntos?

Todas estas cuestiones, y unas cuantas más, te atrapan durante las casi dos horas que dura la película, y te hacen reflexionar. Destaca también la fotografía, muy cuidada, y los escenarios a los que te va llevando, desde las calles de la mágica París, hasta una cena en una terraza piscina; y con un espectacular paseo en silla de ruedas motorizada bajo la lluvia.

Una delicia de película en todos los sentidos, escrita, dirigida e interpretada por Marc Dubosc, que se estrena con esta cinta.

Con El gran baño, damos una vuelta de tuerca, pero siempre dentro del campo de la alta comedia. Dirigida por Gilles Lellouche, es una cinta tremendamente divertida, que cuenta la historia de un peculiar grupo de hombres, todos ellos en plena crisis de los cuarenta, que decide formar un conjunto de natación sincronizada masculina. Toda ella narrada desde el punto de vista del último integrante, un ser gris y depresivo, pero con un tremendo corazón y ganas de superación. Es una película de esas que te dejan buen sabor de boca, de principio a fin, y al mismo tiempo un canto a la amistad.

Particularmente divertidas son las escenas de su primer entrenamiento de grupo, la manera en que conocen al enfermero que será el hombre clave de la formación por su capacidad de mantener la respiración bajo el agua; el intento de robo de material para el equipo en unos grandes almacenes o su espectacular coreografía final. Eso por no hablar de los draconianos entrenamientos campo a través, con una directora de lo más peculiar.

Mientras estaba viéndola, no podía parar de pensar en la genial película Campeones, por lo que ambas su genialidad y su historia de superación de la adversidad. También la han comparado, y no sin razón, con un Full Monty a la española. Pero no por ello deja de ser una película genial, de las más divertidas que he visto en los últimos tiempos.

En definitiva, dos grandes películas, perfectas para los días grises.

Cada corazón, un umbral, de Seanan McGuire

blog_ Athnecdotario incoherente - 13 January 2019 - 10:03am

Por Soraya Murillo.

Deslizándose entre las sombras bajo la cama, o a través de un armario, o por madrigueras de conejos… los niños siempre han sabido acceder a mundos mágicos.

Pero ¿qué ocurre cuando regresan y no consiguen adaptarse y no son aceptados por sus familias? Eleanor West tiene un internado que acoge a estos niños que quieren volver a su mundo de fantasía. Pero con la llegada de Nancy algo cambia en el internado y pronto tendrán que enfrentarse a una tragedia por sí mismos.

Novela ganadora del Hugo, Locus y Nebula en 2017.

En algún momento en el pasado, unos niños, ahora adolescentes, encontraron la puerta adecuada hacia otros mundos donde sus corazones eran libres, su personalidad era aceptada sin más, encajando a la perfección. Los Salones de los Muertos del Inframundo, El País de las Hadas, El Mundo Alto sin sentido de tiempo subjetivo, El Mundo Altamente Lógico… Lugares al otro lado de nuestra realidad.

¿Os habéis preguntado alguna vez qué debió de sentir Alicia en el país de las maravillas cuando volvió a su vida normal? Ellos ahora no encajan y sus padres quieren que los arreglen, como si estuvieran estropeados. Vais a entenderlos, lo sé, porque todos nosotros, al igual que ellos, tenemos en cierta forma cicatrices interiores que nunca se curan. La narrativa de la historia hace honor a ese dolor.

Nos muestra a nosotros mismos. La humillación y el sufrimiento se entregan sin importar la raza o la orientación sexual. Es la carga compartida de la humanidad que nos une. Esto es lo que nos hace especiales. Esto es lo que somos. Y pese al dolor, a esa carga ineludible, un mensaje optimista que nos anima a seguir luchando por nuestra felicidad.

Quieren regresar allí al precio que sea, aunque para eso deban matar. Las muertes comenzaran, pero no vais a leer una trama detectivesca ya que, en sí, no importa tanto quién es el asesino, sino la razón por la que los están matando.

Una narrativa poética y dulce con un toque macabro nos hablará de la soledad, la incomprensión, pero sobre todo de encontrar tu lugar en la vida.

Personajes entrañables, de diálogos simples. No llega a las doscientas páginas. Aunque hay otra parte titulada Ahí abajo, entre raíces y huesos, el libro es autoconclusivo.

No sé si ciertas escenas que parecen repetirse, pueden deberse a la traducción, perdiendo parte de la magia del original. No lo sé, la verdad, pero hay momentos que se me hizo lenta la historia, y eso me pareció extraño con los premios que la avalan. Lo que hace tan especial este libro es la esperanza a la que se agarran los protagonistas, con tanta fuerza que prácticamente, nos la gritan.

Dicen que nadie aprecia tanto la vida como un herido mortal. La historia triste y emotiva quiere haceros entender que en algún lugar, hay alguien dispuesto aceptarte tal y como eres.

No te conformes. Busca la puerta que te lleve hasta allí.

https://www.amazon.es/corazón-umbral-Runas-Seanan-McGuire/dp/8491812008/

Donde el perdón no llega, de Ángel Vela

blog_ Athnecdotario incoherente - 12 January 2019 - 10:59am

Por Jorge Herrero.

Donde el perdón no llega no es una novela más entre tantas, si no un gran libro de principio a fin. El autor ha creado una historia de las que calan hondo en el lector. Intensa, dura, con momentos que se graban a fuego y que no se olvidan, por su contundencia y su crudeza. Tiene altas dosis de violencia, pero no es una violencia gratuita, si no la que pide la historia, y donde el escritor no ha escatimado recursos a la hora de contar con todo lujo de detalles las escenas mas duras. Eso es de agradecer, ya que no suele ser habitual que un autor no se contenga en esas situaciones. Llegan a ser tan realistas que impactarán al lector.

El autor ha hilado una historia cuidada hasta el más mínimo detalle, y eso se nota en todas y cada una de las páginas. Una ambientación que es uno de los puntos fuertes de la novela. En todo momento el lector tendrá la sensación de estar dentro de la historia, ser uno más y sentir en sus carnes como sienten los personajes.

El tratamiento de estos es de los mejores que he visto y leído en bastante tiempo. Todos y cada uno de ellos tienen su motivaciones y una personalidad muy bien definida. Desde los principales hasta los secundarios están tan bien desarrollados que hacen que sean pura maravilla. Se nota el cariño del autor hacia ellos, y que se ha tomado su tiempo a la hora de perfilarlos. No son individuos que desprendan bondad y candidez, ya que la historia no es amable ni bonita. Estamos ante una novela dura e inclemente, donde los personajes tratan de sobrevivir a toda costa, sin que les importe el precio a pagar. Si tuviera que destacar a uno de ellos, sin duda sería el de Doña Capulina, alguien que es mucho más de lo que parece a primera vista y que guarda más de una sorpresa.

Donde el perdón no llega es una historia muy visual y con un estilo muy cinematográfico, dando la sensación de estar viendo una buena película. Tiene momentos a lo Robert Rodríguez de la primera época, entre otras referencias. La trama se toma su tiempo para arrancar, pero eso no quiere decir que sea lenta, si no que el autor va situando a los personajes sobre el escenario. Conforme va avanzando, va subiendo de intensidad hasta llegar a un final que dejará al lector con la boca abierta. A destacar los giros argumentales que hay a lo largo de la novela, siendo todos ellos sorprendentes, ya que en ningún momento te los esperas. Es una historia plagada de muchos detalles que pueden que se pasen si no se está atento, requiriendo una segunda lectura.

Otra cosa a destacar son los diálogos y el vocabulario de la novela, aspectos donde Ángel Vela ha puesto mucho cuidado a la hora de que todo esté en su sitio, que nada chirríe y que no desentone. Aquí se nota el gran trabajo de documentación a la hora de dotar a la historia de trasfondo y empaque, para que todo sea de un realismo tal que resulta creíble en todo momento.

Donde el perdón no llega es una historia que gira en torno a la venganza, una deuda pendiente que viene arrastrándose desde el pasado, y que va cociéndose a fuego lento. Saldarla no dejará títere con cabeza y dejará un reguero de sangre, destrucción y víctimas, pagando todos un alto coste.

En definitiva, Donde el perdón no llega es una gran novela, impactante, dura y que no dejará indiferente a nadie. Su lectura es toda una experiencia, dejando al lector sin aliento en muchos momentos. Sin duda alguna, es uno de los mejores libros del 2018 y que sitúa al autor en primera fila con esta su primer novela, de una calidad muy alta y que no tiene nada que envidiar a las de autores más consagrado. Un título muy recomendable.

Sinopsis:

¿Qué tienen en común un violento exconvicto que sobrevive en Jalisco, haciendo lo único que se le da bien y una viuda que vio asesinar a sus hermanas y que lucha a diario por alimentar y proteger a sus hijas, en un entorno tan hostil y cargado de peligros que llegar vivo al final del día se podría considerar un triunfo?

¿Y estos con un joven neuropsiquiatra que abandona una carrera meteórica en los Estados Unidos para regentar el ala de psiquiatría de un modesto hospital de Morelos?

¿Qué historia se esconde detrás del alebrije que el joven lleva a todas partes?

¿Hasta dónde estaría dispuesta a llegar una madre por proteger a sus hijas o vengarlas?

Una novela oscura y malsana en la que no todo es lo que parece. Una espiral de sufrimiento que consumirá hasta destruir a cuantos caigan en ella. Personajes esclavos de sus instintos, de sus pasiones y miedos, o incluso de su pasado o su futuro.

Drogas, mucho alcohol, machetes y pistolas, venenos, brutales asesinatos, vejaciones y suicidios. Tortura física y psicológica, sangre y vómitos. Trastornos mentales y horribles pesadillas, lágrimas y la más terrible de las herencias. Traumas imposibles de encajar, locura y fuego.