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La guerra de las salamandras

blog_Mar de tinta - 18 June 2018 - 9:30am
En el mundo literario han existido escritores para todos los gustos. Pero sin duda el checo Karel Capek (1890-1938) fue uno de los más lúcidos. Entre su extensa obra destaca la sátira de ciencia ficción “La guerra de las salamandras”, crítica feroz al capitalismo y la explotación laboral. Una novela diferente que abrió el camino […]

En las calles de Madrid

blog_Mar de tinta - 15 June 2018 - 9:30am
Pocos solistas españoles gozan de un estilo tan inmediatamente reconocible como José María Sanz, conocido por todos los amantes del buen rock patrio como Loquillo. Su considerable estatura, coronada por un tupé que con los años ha ido perdiendo color pero no firmeza, llevan formando parte del panorama musical nacional desde 1980 y, a día […]

Los Goonies

blog_Mar de tinta - 12 June 2018 - 2:19pm
Los años 80 del siglo pasado son, a día de hoy, una de las mayores fuentes de nostalgia (convenientemente aprovechada por quienes tienen buen ojo comercial) para quienes fueron (fuimos) niños o adolescentes durante aquella maravillosa década. Entre los diversos aspectos de la cultura ochentera que nos marcaron, hay dos que destacan por encima del resto: […]

Hereditary, de Ari Aster

blog_ Athnecdotario incoherente - 12 June 2018 - 12:15pm

Un artículo de Cristina Béjar.

 

Muy buenas Incoherentes. El domingo por la noche tuve el privilegio de ver “Hereditary” (bautizada como “El Exorcista” de la nueva generación), en premiere, en la sala Phenomena de Barcelona. Pero no estará en cartelera hasta el 22 de Junio.

Antes de nada os dejo por aquí la ficha técnica:

 

Año: 2018

Duración: 126 minutos

País: EEUU

Dirección y guión: Ari Aster

Música: Colin Stetson

Fotografía: Pawel Pogorzelski

Reparto: Toni Collette, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd

Productora: PalmStar Entertainment / Windy Hill Pictures, distribuida por A24

Web oficial: https://a24films.com/films/hereditary

 

Bien, os confieso que tenía muchas, pero que muchas ganas de verla. El tráiler pintaba increíble y además la promesa de ser la nueva Exorcista (una de mis pelis favoritas de terror), era total.

La ví en VOSE, cosa que os quiero dejar clara y recomendar que hagáis, porque si hay algo que destaca en “Hereditary” es la interpretación de Toni Collette. ¡Madre mía! M A R A V I L L O S A, Collette se sale, realmente consigue que empatices con ella, que sientas su dolor, su miedo, su ira, su frustración… Esto unido a la banda sonora y sonidos ambientales, crean una atmósfera asfixiante y de muy mal rollo. Aunque, Milly Shapiro tampoco se queda atrás, la actriz que encarna a la extraña hija de la familia, me parece estupenda.

 

Toni Collette nos muestra una interpretación extraordinaria en “Hereditary”

 

Otra cosa que me gustó mucho es que no hay sustos fáciles, de esos que se sube la música de golpe, que la verdad, ya cansan bastante. No sé a vosotros, pero con ese recurso no consiguen asustarme. En cambio “Hereditary” te va atrapando poco a poco: la cinta te presenta una familia ordinaria; padre, madre, hijos adolescentes y perro. Esto  te permite conectar bastante rápido con las situaciones que viven los personajes.

 

Milly Shapiro en su papel como Charlie

 

El ritmo es bueno, tiene detalles que me gustaron mucho como el proceso que utiliza el director para que sea de día o de noche, ese sonido ambiental que parece un zumbido y que suena de vez en cuando… Detallitos que para mí, es lo que diferencia una buena película de una del montón. Aunque, hay un contra, al menos en mi opinión: la resolución. No me gustó, sentí que no seguía la línea inicial de la película y que te saca de la historia, no me pareció que ese desenlace le haga justicia. Pero como os digo, es una opinión personal.

No os voy a contar de qué va, nada de sinopsis. NO. En cambio os conmino a que vayáis a verla en el cine, porque merece mucho la pena. Nos vemos pronto

Entrevista a Ruber Eaglenest, uno de los creadores de Rayuela de Arena Game Jam

blog_ Athnecdotario incoherente - 9 June 2018 - 12:22pm

Ruber Eaglenest, ex-editor en Indieorama y creador dedicado a la ficción interactiva, videojuegos indies, aventuras gráficas y conversacionales. Entre sus trabajos están Astral, Por la necedad humana, El extraño caso de Randolph Dwight, El rascacielos y la cicatriz. Junto a la escritora Daurmith han creado Tuuli, estando nominados a  Los Xyzzy Awards en la categoría Best setting. Especializado en “pasar a interactivo” relatos convencionales, acaba de embarcarse junto a su socio Edu Sánchez (Gamedev) en un ambicioso e interesante proyecto colaborativo, el Rayuela de Arena GameJam.

Para hablarnos de todo esto y de mucho más, nadie mejor que el propio Ruber para ello. Vamos con la entrevista:

 

-¿Quién es en realidad Ruber Eaglenest?

-Pues en la vida real me llamo Rubén Aguilera Nieto, soy de Úbeda, Jaén, y soy diseñador de videojuegos especializado en narrativa interactiva; pero actualmente trabajo como asistente a la dependencia cuidando un par de ancianos que da la casualidad que son mis padres; y además soy amo de casa… Así que llevo varios años intentando montar mi propia productora de Ficción Interactiva comercial sin éxito; en un eterno proceso de arrastrarme hacia adelante persiguiendo el objetivo sin alcanzarlo (¡y aún está muy lejos!). Pero recientemente he tomado consciencia del poco tiempo que tengo, y la poca estabilidad emocional que me queda para dedicar a crear una empresa de la nada, así que me he reconciliado con mi labor de cuidado de ancianos, me he relajado respecto a todo lo demás y he añadido a mi currículo esta gran experiencia laboral en un sector tan en auge como el cuidado de personas dependientes. Mientras no estoy haciendo esas nobles tareas, también me dedico a crear comunidad para la Ficción Interactiva, ya sabes, llevar las redes de Textualiza y mover un poco a la gente, que somos poquitos.

 

-¿De dónde viene tu afición a la literatura y la ficción interactiva?

-Pues a mi lo que me enganchó fue un libro. Un libro de divulgación tecnológica de Ediciones Rede, se llamaba Técnica y Práctica de los Juegos de Aventuras (1985) de Tony Bridge y Roy Carnell. Me lo regaló mi hermana por mi cumpleaños, quizás con nueve o diez años, y quedé fascinado por los mundos que se describían. En el libro se relataban de forma ingeniosa las aventuras que algunos juegos de la época, las peripecias de un aventurero para pasar de forma segura por un camino de piedras sobre un río donde había una traicionera sirena, el encuentro con unos dioses hindúes llamados Rashkashas que te retaban a un juego de dados, que por supuesto era imposible de ganar sino llevabas unos dados cargados, o las peripecias para librarse de una serpiente usando un pájaro enjaulado. Este tipo de mierdas capturan la imaginación de un niño de nueve años, y ya no te sueltan. Un niño que ya de por sí estaba enganchado a la literatura. La primera vez que leí Las aventuras de Tom Sawyer, tuve que releerlo cuatro veces más. 

Entonces, quedé enganchado al género de las Aventuras de Texto incluso antes de poder jugar a ninguna aventura, porque aunque ya tenía un Spectrum de 48 Kb, pasó un tiempo hasta que llegasen a mi entorno aquellas “Aventuras Conversacionales” (por aquello de que tenías una conversación con el programa). Muchos recordarán The Hobbit (1982) de Philip Mitchell y Veronika Megler, o el Don Quijote (1986) de Dinamic. Así que tras una larga espera por fin pude jugar a a esa pequeña fascinación que el libro me había provocado. Fue un sueño cumplido.

Al tiempo, las “aventuras de texto” pasaron a ser “ficción interactiva” (abreviado IF, del inglés Interactive Fiction), la afición de algunos niños y adolescentes pasó a convertirse en un medio de expresión artística por sus propios méritos. Juegos como Fotopía (1998) de Adam Cadre, e incluso mucho antes, como Trinity (1986) de Brian Moriarty, transformaron juegos dedicados al entretenimiento sin pretensiones, en obras maestras que perfectamente pueden blandirse como los “Ciudadano Kane” de los videojuegos. Fotopía fue uno de los primeros “juegos que pueden hacerte llorar”, y Trinity era una disección histórico geopolítica de los elementos que llevaron a la detonación de las primeras bombas atómicas, todo ello disimulado como una fábula ecologista de fantasía. Así que todos esas personas jóvenes que usaban las aventuras como un método de escapismo, crecieron y usaron su afición favorita para expresarse de forma artística.

Con el tiempo el medio ha ido evolucionando, ampliándose y aceptando nuevos modelos de expresión dentro del paraguas de la Ficción Interactiva. Por ejemplo, al inicio de esta década en la que vivimos, vio crecer la popularidad de Twine, un sistema de hipertexto aupado gracias al trabajo de minorías marginales que han usado esta herramienta como medio de expresión de sus experiencias vitales, sus terrores y sus anhelos; tal y como está relatado en el libro The Rise Of The Videogame Zinesters: How Freaks, Normals, Amateurs, Artists, Dreamers, Drop-outs, Queers, Housewives Are Taking Back an Art Form (2012) de Anna Anthropy.

En definitiva, llegué a la Ficción Interactiva como un hobby infantil, y me quedé por el potencial de esta como medio artístico.

 

-¿Puedes explicarnos en que consiste exactamente esta fórmula narrativa inmersiva?

-Me parece muy interesante que uses ese término, ¿qué género literario no es inmersivo? ¿No quedé yo atrapado en el mundo de Tom Sawyer y no pude salir de él durante cuatro relecturas? Nosotros no usamos “narrativa inmersiva” como tal, pero entiendo que lo saques a colación. Hay muchos que afirman que el hecho de que otorgar al lector interactividad (usamos el término “Agencia”, la capacidad del jugador para orientar el relato por donde desea y llevarlo a su destino final) se produce un incremento en la inmersión porque “Tu eres el héroe”, “Tú eres el protagonista”.

Sin entrar en discusiones bizantinas sobre términos: a la ficción interactiva se le han puesto una gran cantidad de sobrenombres: Compunovelas, Novelas participatorias o Participanovelas, Interlecturas. Pero los términos que permanecen son Aventuras de texto, Aventuras conversacionales (este se usa sólo en español), Ficción Interactiva, Librojuegos e Hipertexto.

Como la Ficción Interactiva engloba bajo su paraguas a muchos paradigmas o modelos de literatura interactiva, la fórmula puede variar de término a término. Tradicionalmente las aventuras de texto o aventuras conversacionales suelen tener un “modelo de mundo” centrado en localidades y objetos (Una cueva, un túnel, una sala con un altar, sobre la que hay una daga ceremonial). Y se usa una interfaz de parser: el jugador introduce los comandos que desea realizar en el mundo ficticio introduciéndolos con el teclado en una suerte de subconjunto del lenguaje natural. Por ejemplo: entra en la cueva, ve hacia el norte, examina el altar, coge la daga. El programa intentará con más o menos suerte reproducir los deseos del jugador transformándolos en acciones admitidas dentro del mundo del juego.

Los librojuegos, ya sean electrónicos o de papel, presentan en cada nodo o página una situación descrita y al final aparece una lista de opciones para que el jugador decir qué hacer a continuación. Ya sabes, si quieres entrar en la cueva, pasa a la página 45, en caso contrario sigue tu camino en la página 130. O en sus versiones digitales, ¿qué hará Passepartout cuando el tren anfibio empieza a sumergirse en el canal de la mancha en su primera etapa de la vuelta al mundo desde Londres a París? ¿No podrá contener un escalofrío? ¿Apretará su cara contra la ventana? O ¿Disimulará su miedo prestando todas las atenciones al Sr. Fog?

El hipertexto usa las particularidades de la web para variar el texto o avanzarlo usando los hiperenlaces. Esto es lo que hace principalmente el sistema Twine. Los enlaces te pueden llevar a otro nodo de la historia, o incluso modificar o variar el texto existente. Pero esto es mejor verlo en directo que contarlo, os recomiendo echar un ojo a la siguiente obra, “Vale, voy” de Juan Antonio Paz Salgado.  https://johan-paz.itch.io/vale-voy

No obstante, a día de hoy, hay numerosos híbridos que mezclan paradigmas e interfaces. Por ejemplo, recomiendo The space under the window (1997) de Andrew Plotkin, una de las primeras instancias de lo que se conoce como “Poesía Interactiva”. Este mezcla el parser con una suerte de hipertexto. Una vez más es mejor jugarlo que contarlo. Así que la fórmula se puede golpear y malear y deformar lo suficiente para hacer de esta una tarea fascinante.

 

-¿Qué fue lo que te empujó a involucrarte en un proyecto como Rayuela de Arena? ¿De dónde surgió la idea?

-La comunidad de Ficción Interactiva, como toda comunidad de entusiastas que nace, crece y se desarrolla en un foro, suele tender a la soledad en estos días de la web 5.0. Yo como parte de esa comunidad he intentado siempre esforzarme en abrir la comunidad y la ficción interactiva al exterior. Esto también incluye organizar eventos que llamamos “jams” para crear obras en un corto espacio de tiempo, y fomentar la participación interna y externa.

Además, llevo las redes sociales de “Textualiza”, tanto en facebook https://www.facebook.com/textualizame/ como en twitter https://twitter.com/textualizame donde cuelgo contenidos sobre la escena IF y temas afines: literatura, rol, cómics (aunque en menor medida). También hemos organizado un par de jams previas. Una, Canciones de la tormenta, el desierto y el mar (hace dos años), donde el objetivo era escribir obras inspiradas por canciones sobre aventuras de todo tipo, ya sabes, Sirena varada, o Tormenta de Arena de Radio Futura, los Cuentos del mar de Jack London o Stevenson. Y el año pasado para Halloween organizamos una edición internacional de la Ectocomp, para juegos tenebrosos y fantasmales.

Este año no me decidía a organizar una jam primavera, demasiado ocupado y sin muchas ganas al respecto, pero en esas estaba yo cuando llegó un tipo llamado Eduardo Sánchez (@creativwhisper en twitter) con una idea de competición de Ficción Interactiva bajo el brazo. Una competición temática sobre mitología, inspirada por los grandes de las letras hispanas Borges y Cortázar. En palabras de Edu el objetivo del evento es:

“Dar a los creadores actuales en IF más visibilidad, dar a la IF más prestigio, conseguir que gente que no ha trabajado la IF se interese por ella y vea que hay recursos y gente a la que seguir, mostrar que hay calidad en los contenidos en español, generar (o ampliar) comunidad entre los escritores de IF y narrativa en general, colaborar a que haya más contenido futuro, consagrar la narrativa interactiva como un arte importante a desarrollar en el mundo del videojuego en general.”

Así que no pude sino subirme al carro.

La Rayuela de Arena, abreviado #RayuelaJam en redes sociales, es una competición de obras de ficción interactiva con el objetivo de crear un juego sobre mitología o religión durante estos meses y hasta el final de Agosto. Y a la vez es un evento online, que reúne a creadores de varios ámbitos y procedencias dispares. Provee de recursos, herramientas, artículos, tutoriales y charlas, que ayuden y motiven a estos creadores. En ese aspecto buscamos motivar no sólo al creador habitual de ficción interactiva o de videojuegos independientes, sino que nos interesa sobremanera atraer a escritores que les pique la curiosidad por todo esto de lo interactivo. Existen herramientas muy orientadas a ayudar al “flow” del escritor habitual, que son sencillas e inmediatas de abordar. Como Twine, o Squiffy o Ink. También contamos con tutores y expertos en todas esas herramientas, además de que un escritor puede emparejarse con un programador para ir en tandem (como hemos hecho Daurmith y yo con cierto éxito).

Podéis echar un ojo en la página oficial de la jam aquí:

https://itch.io/jam/rayuela-de-arena-gamejam-narrativa

 

-¿Tienes algún creador favorito? ¿Alguien a quien tengas como referente?

-Me gusta mucho la obra de Brian Moriarty. Este auténtico profesor Moriarty creó Trinity, de la que he hablado más arriba. Y además creó Loom, aquella maravillosa aventura gráfica de Lucas Arts donde la interfaz era una vara mágica musical, inspirada en el lago de los cisnes.

Otra aventura que me ha marcado profundamente es Slouching Towards Bedlam (2003) por Daniel Ravipinto and Star Foster; que me parece un pináculo de la Ficción Interactiva. Es una obra corta pero profunda, en la cual un doctor en el manicomio de Bedlam ha descubierto algo terrorífico a la par que fascinante. Deberá decidir entre ayudar a difundir la voz de los ángeles, que de paso, enloquece a la humanidad; o intentar detener su propagación, pues actúa cómo una infección que se extiende por la voz. Si alguien te escucha hablar el Logos, queda infectado. Todo eso en un entorno opresivo de estética steampunk. Uno de los aspectos más notables del juego es que está escrito por completo de forma indirecta. Me explico. La Ficción interactiva habitualmente se escribe en segunda persona (tú eres el protagonista), otras veces en primera persona, o en tercera. Pero Slouching no está escrito en ninguna de ellas. Está escrito por completo con una voz impersonal en estilo indirecto. He aquí una muestra de cuando matas al conserje para evitar que contagie a más gente una vez él ha sido infectado (por ti):

James collapses to the floor, staring with shock and surprise. But it is when he sees the ivory paper knife lifted from under a stack of papers on his desk that true panic sets in.

He scrambles backwards, desperate to get to his feet. Unable to find purchase on the tile floor, he only manages to flounder about like a drunken crab. He tries to scream for help but his voice fails him, squeaking out in only a whisper.

Assistance does not come.

He has scrambled himself into a corner. The look of resigned fear in his eyes in terrible. ‘May God forgive you,’ he whispers as he closes them.

Blood, deep and red, bubbles from him and spoils the hygienic floor.

Otra mujer que es una inspiración para casi todo el mundo es Emily Short, básicamente la persona más importante en el mundo de la Ficción Interactiva, ya que su blog es una fuente inagotable de sabiduría en cuanto a construcción de mundo y literatura interactiva. Imprescindible.

Jon Ingold, el co-fundador de Inkle Studios, uno de los partícipes en la nueva edad dorada de la Ficción Interactiva comercial. Inkle tiene en su haber dos de obras muy notables: Steve Jackson’s Sorcery!, el librojuego tradicional elevado a la enésima potencia, y 80 Days, una versión steampunk de la vuelta al mundo de Phileas Fog, que supone una revisión a la literatura aventurera y colonial. Muy recomendables.

Y por último debo mencionar a Porpentine. Esta autora transexual es imprescindible para entender la ficción interactiva del siglo XXI. Ella, entre otras autoras, son las que han logrado ese cambio de paradigma y aceptación de nuevas fórmulas dentro de una comunidad que por tradición era endogámica. Como hemos visto antes, ayudaron a popularizar el sistema Twine.

De toda su prolífica obra no puedo dejar de recomendar su obra seminal howling dogs (2012). Es tan jodidamente importante que se estudia en universidades y masters, no sólo de diseño de juegos narrativos, sino incluso de literatura. howling dogs es el grito de la mujer trans esquizoide del siglo XXI, una obra que habla de la alienación que sufren los habitantes de las grandes metrópolis, conectados permanentemente a ventanas virtuales disfuncionales, mientras permanecemos aislados de las personas cercanas y el entorno que nos rodea. Añade a todo eso altas dosis de fluidos, transexualidad y vidas alienígenas. Porpentine es esencial para entender la oleada de viento fresco que recorre la literatura de terror y ciencia ficción en esta maldita y fascinante era que nos ha tocado vivir. Corre, deja de leer, y ve a jugar ya.

-¿Qué hace Ruber Eaglenest cuando no anda organizando eventos tan ambiciosos ni adaptando relatos a otros formatos?

-La verdad es que aparte de las obligaciones de la vida real, todo mi tiempo libre lo dedico a la Ficción Interactiva. Así que…

 

-¿Cómo fueron tus inicios en este mundillo? Cuéntanos tus primeros pasos y cómo fue la experiencia.

-Bueno, ya he relatado como descubrí las aventuras. Los primeros pasos como autor llegan cuando España se conecta de forma masiva a internet. Esto me permite encontrar la comunidad de aventuras CAAD e integrarme en ella. Mi primer juego de ficción interactiva fue publicado en el año 2000, bajo el pseudónimo de El Clérigo Urbatain y con el cual publiqué diversos juegos, adaptaciones y traducciones. Durante ese tiempo me impliqué de forma activa en la comunidad, siendo editor del fanzine SPAC y artículista y entrevistador hasta el 2008, que decidí dedicarme a los videojuegos independientes participando en la revista digital Indie-o-rama, hasta el 2014 donde retomé el diseño de juegos de Ficción Interactiva, y hasta el día de hoy que sigo en ello.

En aquella época me gustaría destacar algunas obras mías, Por la necedad humana (2000) un alegato contra la guerra típico de un hombre joven que apenas acaba de salir de la adolescencia, y El extraño caso de Randolph Dwight (2003) un ejercicio en relato corto gótico derivado de Lovecraft y Poe, en cuanto a una noche de pesadilla de un viejo rico y huraño y un misterioso espejo que acaba de comprar. Ambos fueron adaptaciones de unos relatos de terror de un amigo de la época de universidad. Más tarde realìcé un remake y traducción de Bram Stoker’s Dracula, una aventura de Spectrum de 1986. Eso fue de 2004 a 2006; y en 2007 participé en El museo de las conciencias, un proyecto colectivo englobado en el Lovecraft’s Commonplace Book Project, muy interesante. Consiste en un museo con un misterio mayor, pero en el que cada sala contiene un objeto inspirado por alguna de las múltiples entradas del Commonplace Book, y esos objetos transportan al jugador a otro mundo o experiencia (probablemente luctuosa) relacionada con el objeto. Pues bien para esta obra participé programando la historia de un compañero, y era… ¡una porno! Así que el resultado de las historias era variado y no tienen nada que ver unas con otras, pero aún así es una experiencia muy interesante.

Si avanzamos rápido al futuro, en mi actividad reciente intento colaborar con escritores para realizar este tipo de obras. De hecho mi más reciente creación está hecha a cuatro manos con Daurmith, escritora de pro, amante de Tolkien y Sherlock Holmes. Tiene una aventura de Holmes publicada: El misterio del abrigo amarillo. Y se ha tirado más de un año haciendo una lectura de El señor de los anillos en Twitter.

El caso es que juntos hicimos una pequeña pieza sin muchas pretensiones para aquella Jam del mar que te comenté. Se llama Tuuli, y es un ritual interactivo y a la vez una historia de fantasía sobre mujeres, brujería y madurar en mitad de la tormenta; ambientado por mitología nórdica y la cultura Suomi (Lapones de Finlandia) El caso es que nos quedó tan bien que luego lo pulimos durante tres meses más para ir a la competición anual de Ficción Interactiva en inglés. Y nos fue tan bien que quedamos en el puesto número 16 de 79 obras presentadas. Y como nos fue tan bien pues seguimos trabajando en ella durante seis meses más hasta esta primavera donde publicamos la versión definitiva, tanto en español como en inglés y que podéis disfrutar aquí:

https://rubereaglenest.itch.io/tuuli

¡Y nos quedó tan bien que fuimos nominados a los “Oscars” de la aventura internacional al mejor escenario! Los Xyzzy Awards, aunque no hemos ganado… No importa, hemos quedado muy satisfechos con esta pequeña historia, y ha tenido un recorrido inesperado.

 

-¿En qué andas metido  ahora? ¿Nos puedes decir cuáles son tus proyectos en este momento?

-Como dije, quiero montar mi propia empresa de Ficción Interactiva comercial. Se llamará Lavyr Interactive, y la línea editorial será de obras de subgénero de autor con la pretensión de volarte la puta cabeza. Pero es un camino largo y lento. Estoy lejos de alcanzar el objetivo. De momento ya tengo unos cuantos proyectos cerrados y colaboración con autores, e incluso tengo algunos juegos terminados, pero ahora queda lo más duro, la producción. Por ejemplo, pretendo empezar vendiendo una versión comercial de Tuuli, ilustrada.

Para la Jam Rayuela de Arena estoy trabajando en un mito de Prometeo algo especial, en un universo onírico y quimérico. Un proto juego de rol donde en vez de ir matando vas “dando el germen de la vida”. Literalmente, ¡estoy barajando hacerlo una porno!

 

-Varias adaptaciones, horas de creación de juegos a tus espaldas, incluso un fanzine de la vieja escuela… Da la impresión de que  el contar historias en este formato, es algo de vital necesidad para ti y resulta evidente tu fascinación por esta forma de entretenimiento. ¿A qué se debe esa pasión?

-Sencillamente no lo puedo evitar. Soy el típico tipo excitable que se emociona con todo lo que sea creación de arte y la comunidad alrededor. Puedo llegar a ser muy coñazo con amigos, conocidos, e incluso con desconocidos.

Del acto de creación de Ficción Interactiva en si, lo que más me gusta es el worldbuilding. La construcción del mundo paso a paso. Ir forjando las localidades de estos pequeños mundos virtuales, los objetos, personajes y las respuestas a las acciones que intentará el jugador. Luego pasar el resultado a los jugadores e ir afinando esas acciones. Por ejemplo, en Tuuli metí mensajes especiales para los jugadores que les da por chuparlo todo, o tocarlo todo o besarlo todo.

 

-¿Cuál es tu opinión referente al panorama actual de la ficción interactiva en nuestro país? ¿Hay movimiento y una base sólida?¿Tiene salida o hay que tener alma de suicida para intentar ganarse la vida con ello?

-Durante unos años parecía que estaba agonizando, hacia 2012 la producción de aventuras en español se vio seriamente mermada, y no hablamos sólo en España, en la comunidad también hay algunos autores latinoamericanos. Quizás en 2016 volvió a renacer un poquito, debido a eso… la organización de concursos. Y ya puestos en 2017 y 2018, la Ficción Interactiva es tan amplia en cuanto a gente interesada, fórmulas o paradigmas, etc, que es imparable. Lo que pasa que ya no hay una comunidad activa centrada en un único foro. Digamos que hay mucho interés pero gracias en gran parte a la popularidad creciente de este género entre los videojuegos independientes. Por tanto se podría decir que está todo descentralizado y distribuido. Lo cual me parece genial.

Este creciente interés se debe a que hay juegos híbridos que mezclan ficción interactiva con juegos gráficos, como Sunless Sea, los propios de Inkle Studios, Sorcery! Y 80 Days, las Visual Novels de inspiración ánime, o los juegos de Telltale Games. Por ejemplo, la serie de videojuegos de Walking Dead tiene la misma estructura que un librojuego convencional.

La Ficción Interactiva en inglés o a nivel internacional, ocurre exactamente lo mismo pero multiplicado por diez. Goza de una tremenda salud, y eso se nota, por ejemplo, en la cantidad de participantes en el concurso anual más importante de la escena, la IF Comp, en un par de años casi duplica el número de juegos presentados, con esa cantidad mareante de 79 este año.

Ahora bien… que esta popularidad permita ganarse la vida con ello ya es relativo. Bueno, hay diversas compañías que viven de ello. Pero a nivel de autor como mucho te puede ofrecer un sobresueldo para pagar algunos lujos. Y de esto me refiero en inglés. El resto debemos dedicarnos a ello por amor al arte. Yo intento profesionalizarme, pero mi objetivo es ir al mercado internacional.

 

-Si Ruber Eaglenest no se dedicase a estas historias, ¿en que se mantendría ocupado?

-Pues buscaría otro hobby con el que obsesionarme. No sé que habría sido de mi si mi hermana no me hubiese regalado ese libro hace más de treinta años. Pero, probablemente estaría enganchado a los videojuegos y dirigiría en ellos toda mi atención (como ya sucedió por breve lapso de tiempo).

 

-A Ruber Eaglenest le asusta…

-La sangre y las jeringas, sobre todo si están clavadas en mi brazo y están sacando mi sangre. Es una fobia patológica que me viene desde niño. De hecho prefiero morirme a que me saquen sangre.

 

-A Ruber Eaglenest le gusta…

-La ficción Int… ejem. Aparte de lo que ya hemos visto. Me gusta especialmente la cultura pulp. La tengo en muy alta estima, y me gusta como la cultura popular se reinventa a si misma para crear grandes clásicos del arte. Por ejemplo… me gusta mucho Conan, pero los relatos de Robert E. Howard me parecen algo patéticos, con todo ese racismo y machismo que el autor impregnaba en sus historias. Pero luego llegaron los cómics, y elevaron a Conan a icono popular de masas y a obras maestras del arte gráfico. Luego llegó John Milius y elevó aún más al cimmero con esa obra maestra que es la película Conan el Bárbaro. Y el resto, es historia.

Creo que la cultura popular tiene un impacto mucho mayor en la sociedad que una presunta cultura exclusiva pueda tener. Juego de tronos, Harry Potter, los X Men, Los vengadores, ¡incluso Mi pequeño Pony! Tienen un alcance mayor, y definen y modelan nuestra sociedad de forma más profunda. Son los responsables de que los niños se enganchen a la ficción, de que se forjen los grandes lectores del mañana. De hecho, todas estas obras serán los clásicos del mañana.

Podemos decir que la cultura clásica de hoy era la cultura popular de ayer. Piensa, Conan Doyle, H.G.Wells, Julio Verne, todos absolutos precursores de lo pulp.

 

-Cuéntanos cuál es el último libro que has leído, la última peli que has visto, el último videojuego al que has jugado y el último tema musical que has escuchado.

-Sobre libros está complicado, porque tengo tan poco tiempo que suelo leer a ratos robados. Paradójicamente los libros nuevos que leo son de amigos cercanos. Estoy leyendo la revista Tantrum por mi colega Santi Eximeno, y estoy leyendo Mundo de Cenizas de Juan Antonio Paz Salgado, una novela corta de fantasía en un mundo postguerra donde los protagonistas son ancianos que antes fueron héroes, y un golem de metal con personalidad propia. Muy recomendable. También suelo revisitar mucho los clásicos, como Poe, Lovecraft, debido a los proyectos que tengo entre manos.

La última peli ha sido Solomon Kane. Me gustó. Muy excesiva y actores declamando, pero es lo que le pega. Acabamos de empezar a ver El cuento de la criada. Y he revisitado los tres capítulos finales de Perdidos con motivo del mito de Prometeo.

En cuanto a videojuegos, estoy revisitando Dark Souls, de nuevo, por la temática de la mitología de la #RayuelaJam. Y en cuanto a música… adivinadlo… ¡estoy escuchando música sobre el mito de Prometeo! La llama de la felicidad, de Lemuripop (un proyecto de Germán Coppini) y Los inmortales de Enrique Bunbury. La sirena varada. Héroes. No paro de escuchar el último directo de Bunbury, El libro de las mutaciones. Tampoco paro de escuchar Blackstar desde que murió David Bowie. Llevo estos años poniéndolo casi a diario. Ya puedo escucharlo sin llorar.

 

-Ya para finalizar. ¿Qué esperas de este evento, la jam Rayuela de Arena?

-Las jams y competiciones siempre son un buen acicate para promover un género o medio artístico en concreto. Así que espero otra nueva oleada de buena Ficción Interactiva. Conocer a nuevos autores, jugar a sus juegos, comentar las obras mutuamente… todo lo bueno que mantiene viva una comunidad.

Particularmente, me hace mucha ilusión que estos eventos sirvan para atraer a escritores que estén interesados en la Ficción Interactiva o en escribir para videojuegos, pero que nunca se han decidido a dar el salto. Ya sea en solitario o buscando un compañero programador. Es que verás, tradicionalmente la comunidad de las aventuras suelen estar compuestas por programadores, y por tanto el resultado en cuanto a calidad literaria no deja de ser de gente muy entusiasta haciendo lo que puede con las letras. Un escritor hábil o profesional puede marcar la diferencia en un juego de este tipo, o aportar ideas muy interesantes al medio.

Y a nivel personal, aunque a veces organizo algo, inicialmente no espero participar, pero al final no puedo evitarlo y siempre acabo con una idea genial que necesito implementar sí o sí. Este tipo de eventos hace maravillas con la creatividad. Y esta idea del Prometeo porno ha sido como una epifanía brutal que me ha volado la cabeza. No sé que saldrá de esta, pero ¡buf! Como lo estoy disfrutando.

 

–Pues eso es todo. Muchas gracias por tu tiempo.

– Gracias a ti. Os espero en el Rayuela…

 

 

El guardés del tabaco, de Jairo Junciel (Almuzara)

blog_ Athnecdotario incoherente - 8 June 2018 - 3:34pm

Por Soraya Murillo.

Figura la siguiente anécdota en un libro de la época de los tercios, cuyo título traducido al español es “Bravuconadas de los españoles”: Hablan dos militares (un francés y un español) y el francés le dice al otro que los franceses luchan por el honor y los españoles por el oro. El español contesta que cada uno lucha por lo que no tiene.

El guardés del tabaco, de Jairo Junciel. El autor ganó con este libro el prestigioso premio de novela Albert Jovell.

Resulta evidente que el autor es un amante de la literatura del Siglo de oro español y eso se deja entrever por como va dejando guiños a gente como Quevedo, Hernán Cortés o Calderón de la Barca, por toda la novela. Aunque también se inspira en otros escritores que se hicieron célebres con sus novelas de espadas, como son Alejandro Dumas, Rafael Sabatini o nuestro contemporáneo Arturo Pérez Reverte.

Nuestro protagonista, Aníbal Rosanegra, nace en el último año del siglo XVII, 1700, y nos va relatando su vida desde su nacimiento. Cuando las ejecuciones eran públicas, el pueblo vitoreaba la muerte tanto de asesinos como de inocentes y las cabezas de las víctimas del verdugo eran expuestas en la picota para seguir con el escarnio y la vergüenza.

Su madre lo traía a este mundo en un barrizal de una calle de Salamanca. Demasiado pronto quedó huérfano de padre, quedando a merced de su madre toda la crianza. La hambruna y la miseria invadió sus vidas, aunque gracias a la generosidad del dueño de una de las casonas donde limpiaba su madre, pudo aprender a leer, calcular y rezar.

Un extraño hombre, conocido como Guzmán, llega a la casa de Aníbal para entregarle la espada que fue de su padre. Por un desgraciado contratiempo, nuestro protagonista deberá abandonar su ciudad acabando camino de Sevilla, donde se rencontrará de nuevo con Guzmán (un hombre ya casi ciego), que lo adoctrinará sobre la espada, la pistola y la mala vida, entre otras cosas. 

Una vez en Sevilla (escenario de tantas páginas de la novela picaresca y de alguno de sus mejores autores, aunque fuera de manera temporal, como Cervantes) deberá despedirse de su entrañable amigo para empezar una nueva vida junto a Aritza Cucha Perro, un antiguo soldado de los tercios, que lo colocará como guardés del tabaco. En los caminos tomados por ladrones, bandoleros y desarrapados, cientos de aventuras les esperarán y en más de una ocasión se jugarán el pellejo. La inesperada muerte de la madre de Aníbal hará que deba regresar a su Salamanca natal, donde…

 Hasta aquí mi resumen del libro.

 Lo que vais a leer es una espléndida novela histórica de capa y espada. Al autor no le tiembla el pulso reconociendo que se inspiró en cierta forma en clásicos de dicho género. Aunque sea una novela de aventuras, sigue el modelo de la novela picaresca salpicada por situaciones horrendas y embarazosas. Incluso en el nombre del mentor (Guzmán), es como si el autor pretendiese que nuestro protagonista se encontrase con el propio Guzmán de Alfarache.

Junciel usa un vocabulario y unos giros ya olvidados para dar realismo a la historia, simulando que es el protagonista quien escribe, usando la lengua de ese siglo y logrando una veracidad que roza la perfección.

Narrando en esa primera persona mientras espera una muerte que no le termina de llegar, entenderemos del poder de ese oro que todo lo puede y de las cicatrices del alma de aquellos que lucharon. Plantando cara a sus enemigos, iremos conociendo algún personaje de los importantes que por entonces vivían: Felipe V, Francisco Álvarez de Toledo y Silva (décimo Duque de Alba), Conde De Las Torres…

Entre putas, asuntos de la corte española, política y la ocupación de Gibraltar por los ingleses en la Guerra de Sucesión, sabremos de traiciones, codicia y lealtades. Un personaje al que le pillas cariño muy pronto por sus ganas de vivir y hacer justicia.

Una novela que se lee de una sentada (todo ocurre para mi entender con demasiada rapidez), pero destacando lo más relevante de entonces. Bien documentada, para amantes de la historia de España. Con un final, que no es un final, sólo un descanso de las vivencias de nuestro protagonista. Que vivió las mejores aventuras con esa clase de amigos que te llevan a la tumba, con esa vizcaína siempre a mano para salvarte la vida. Escrita por capítulos en la que los personajes se van desenmascarando como héroes o villanos, tal vez para posibles entregas de más aventuras tener ya claro quién es quién. Lectura entretenida y amena donde te vienen a la mente personajes épicos de otras novelas que vivieron situaciones similares, pero nuestro autor le dio tanta vida al suyo, que no desmerece a otros ya conocidos por los lectores.

Aventuras y desventuras, de esos españoles no tan cobardes derramando su sangre, hombres que buscaban en la vida luchar sin morir.

http://www.grupoalmuzara.com/a/fichalibro.php?libro=3580&edi=1

 

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La hermosa burócrata

blog_Mar de tinta - 8 June 2018 - 9:30am
Helen Phillips es una de las voces de la vanguardia dentro del panorama literario estadounidense actual, y lo demuestra con creces en esta obra. La hermosa burócrata es una novela apasionante, misteriosa y que, en ocasiones, puede constituir un thriller de lo más atemorizador. La obra, editada por Siruela, consigue crear todos esos sentimientos en […]

Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror: Presentación

blog_ Athnecdotario incoherente - 6 June 2018 - 6:06pm

Un artículo de Cristina Béjar

 

Muy buenas Incoherentes, esta mañana me he dejado caer por la fábrica de cerveza Moritz, ubicada en la Ronda Sant Antoni 41 de Barcelona, ya que la organización del Festival de Sitges, nos había convocado allí para presentar la imagen oficial de su cartel de este año y darnos un muy breve, pero también suculento, avance de nombres de invitad@s y programación.

Este año el cartel rinde homenaje a “2001: Una Odisea en el Espacio“, el clásico de ciencia ficción dirigida por el desaparecido y siempre perfecto, Stanley Kubrick, que cumple la friolera de 50 añitos. También tendremos sendos homenajes para el género fantástico que nació en 1968, tomando como referencia “La Noche de los Muertos Vivientes” de George A. Romero, el 40 aniversario de “La Noche de Halloween” de George Carpenter y el bicentenario de la novela “Frankenstein“, haciendo hincapié en la figura de la mujer como creadora y no como ente pasivo.

Cartel Sitges 51ª edición ¿No os sentís la hostia de viej@s con todas las fechas que he puesto antes? Pues yo sí y mucho.

 

Àngel Sala nos ha contado muchas cosas, como por ejemplo el cambio de fechas para el “festi”: Del 4 al 14 de Octubre. El pistoletazo de salida será un jueves, de momento no sabemos nada sobre la obra que abrirá esta edición, pero por lo que nos han contado, en este momento hay cinco candidatas muy potentes. Lo que sí sabemos, es esto:

  • Under Silver Lake de David Robert Mitchell (“It Follows“) – Thriller con tintes paranoides ambientado en LA.
  • Lazzaro Felice de Alice Rohrwacher – Mejor guión en Cannes.
  • Burning de Lee Chang-Dong – Adaptación de una historia de Haruki Murakami.
  • The House that Jack Built de Lars Von Trier – Narración muy cruda de las peripecias de una asesino en serie. En un principio, este film no participará a concurso porque, hij@s mí@s, Trier es raro pa’ tó. Tengo muchas ganas de verla por dos motivos, uno: el revuelo que se ha organizado en Cannes y dos: este señor me tiene enamorada desde que vi “Melancolía” y “Nymphomaniac“, así que de cabeza que iré.
  • Climax de Gaspar Noé – Un musical un tanto especial, que contará con una proyección poco habitual. Puede ser divertido, ¿no?.
  • Mandy de Panos Cosmatos – Cinta de acción que cuenta en el reparto con Nicolas Cage. La verdad, es que tiene muy buena pinta.
  • Piercing de Nicolas Pesce – Thiller con toques de comedia negra.
  • Ghostland de Pascal Laugier – ¿Hace falta decir algo más?
  • Summer of ’84 de los creadores de “Turbo Kid” – Película juvenil sobre la persecución de un asesino en serie.
  • La Niut a Dévoré le Monde de Dominique Rocher – Zombis parisinos. Con esta premisa, compro.
  • Sad Hill Unearthed de Guillermo Oliveira – Documental donde veremos el cementerio de la escena final de “El Bueno, el Freo y el Malo” ¿Es espagueti western eso que huelo?
  • Aterrados de Demián Rugna – Que ha sido bautizada como el “Rec” argentino.

 

 

 

 

 

 

 

 

Por otro lado el Gran Premio Honorífico irá para el director Peter Weir, autor de títulos tan conocidos como “El año que vivimos peligrosamente”, “El Club de los Poetas Muertos” o “El Show de Truman”, ésta última, cinta que podremos ver en programación.

Para mi alegría, Sala ha anunciado que el festival dedicará una atención especial a las mujeres del género y encontramos como avance lo siguiente: Pam Grier, conocida mundialmente por su papel en “Jackie Brown” recibirá el premio Máquina del Tiempo, pero también podremos disfrutar de un homenaje a la mítica Helga Liné (“Pánico en el Transiberiano“) y de la presencia de Traci Lords, actriz que me encanta, todo sea dicho.

Otros puntos de interés a destacar es que Sitges 2018, será el primer festival de cine en aceptar criptomoneda para la compra de entradas, yo como soy pobre y de eso no entiendo, seguiré pagando con las monedillas que voy guardando a lo largo del año.

El director del festival, también ha hecho mención a la labor que hacemos los frikis que vamos a cubrir el evento durante esos agotadores once días. Ha sido un detalle bonito que piense en nuestro sufrimiento y en nuestras carreras y yo desde aquí, humildemente ruego a la organización, que por favor, pongan las cosas más fáciles y busquen otro método que no sea levantarnos a las 6  de la mañana para sacar las entradas que salen a las 7, para que a las 7 y un minuto no quede nada y te hayas dislocado la muñeca en refrescar la página. Eso sería un puntazo

El hombre de tiza

blog_Mar de tinta - 6 June 2018 - 5:29pm
La ópera prima de C. J. Tudor llegaba a las librerías de nuestro país el pasado mes de mayo con una gran promoción por parte de su sello Plaza & Janés. La escritora inglesa nos presenta en su primera novela un thriller cuya trama se construye con numerosos flashbacks, desgranando la historia poco a poco para […]

El Caballero de las Letras

blog_Mar de tinta - 5 June 2018 - 4:03pm
Un escudero que aspira a ser caballero, una princesa aventurera, un dragón lector. ¿Lector? Pues sí. En este maravilloso libro de Joaquín Londaíz Montiel, verdadero Caballero de las Letras Infantiles, podemos encontrar esto y más. Porque en el mundo de la literatura, donde todo es magia y fascinación, hasta el paje más invisible puede alcanzar […]

La opinión de Soraya: El amante de las cicatrices, de Harry Crews

blog_ Athnecdotario incoherente - 27 May 2018 - 11:54am

Por Soraya Murillo.

Nuestro protagonista , Peter Butcher, en el instante de empezar la novela vive en una casa de huéspedes de un pueblo llamado Jacksonville, en el Estado de Florida. Allí, en un momento de bajón personal, le relata su vida al chismoso de Winekoff. Peter es natural de Georgia y dejó todo atrás para huir de su pasado familiar. Pero por mucho que corras no se puede escarpar del pasado, porque va en tu memoria; son cicatrices que nunca desaparecen.

El autor no dice el año donde sucedió lo que relata, pero en un capitulo deja caer que al protagonista le pilló la Guerra de Corea en el campo de entrenamiento y hacía poco que había abandonado el ejército por una beca en la universidad. Por lo tanto, yo entiendo que la acción se sitúa entre los años 1950 – 1953, aproximadamente. Interrumpió los estudios para colocarse en una fábrica ,trabajo muy duro, con un capataz más bestia que humano. Allí será el compañero de George (un negro peculiar lleno de cicatrices, conocido por el mote del Negrata Quemado), casado con Linga Obeah, jamaicana que ejerce la hechicería. Peter es antisocial, no le gusta hablar, no le gusta que le hablen, sólo quiere quemarse trabajando y que la vida siga mientras la suya se consume. En cierto modo eligió ese trabajo para eso, para que terminara lo que sus cicatrices interiores no habían logrado.

Una mañana conoce a su vecina Sarah y a su familia. La vida de Peter dará un cambio cuando acabe viviendo en casa de Sarah, un lugar también lleno de más cicatrices cosidas y de amputaciones. Eso en cierta forma excita a nuestro protagonista. Tiene una obsesión por esas marcas en el cuerpo, llegando a imaginarse situaciones absurdas y surrealistas, con sus manos acariciando, excitándose… Hay un pasaje verdaderamente brutal, que personalmente me hundió; una escena donde parecía que todo iba acabar en sexo y el giro que dio el autor fue tan fuerte, tan cruel, que ahí entendí la maravilla de libro que tenía en mis manos.

Harry Crews usa en todo momento una escritura honrada con la crudeza de la realidad y de la vida. No cuenta nada que no sepamos, pero sí se atreve con esos instantes en que una persona hace lo que sabe que debe hacer, sin importarle las consecuencias.

Y llegaremos a la segunda parte del libro con una muerte como protagonista. Los personajes de nuestra historia, mediante hilarantes diálogos, emprenderán las situaciones más ridículas e increíbles que podamos leer. Todo en sí absurdo y cómico. Nos reiremos si es que se puede uno reír de la muerte. Algo evidente, pues es lo que vamos hacer. Porque nuestro autor juega con nosotros, entendiendo que la vida es sufrimiento y desesperanza, pero también alegría y risas. Y todo ello nos lo escribe en una parodia de diálogos maravillosos. Ese fondo sureño de los USA y el rastafarismo jamaicano se unirán para darle todavía más surrealismo a toda la historia.

Un maravilloso libro, donde con solo unas pocas páginas leídas, intuí la gran novela que escondía y ya no pude dejar de leerlo. Porque al final, poco a poco, vas entendiendo que todos los personajes están ahí por un motivo, y que las cicatrices tal vez no sean hermosas, pero ya están cerradas y no duelen.

Harry Crews escribió veinte novelas, entre delirios de alcohol y drogas después de ver como uno de sus hijos moría ahogado. Fue capaz de continuar escribiendo, entendió que le quedaba otro hijo pequeño por el que seguir luchando. Y lo hizo a su manera, intentando cerrar sus propias cicatrices. Nos dejó esta novela, para mí una maravilla. Lástima de esa floja labor de traducción, que lastra el texto con varias repeticiones de palabras.

En la vida suceden cosas que nos atraviesan el alma. El paso de los años y el apoyo de la gente que te rodea, incluso de desconocidos, hace que las heridas cicatricen y que puedas seguir adelante con una vida plena.

Peter, nuestro protagonista, un día se compró una armónica (la portada del libro es eso, una armónica) Una Homer de blues, dicen que es la mejor para los que no saben tocar. No sé por qué termino así mi opinión del libro, pero ese detalle me gustó y lo dejo escrito.

https://www.amazon.es/amante-las-cicatrices-Harry-Crews/dp/8494414127/ref=sr_1_

 

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El Terror, de Dan Simmons (Roca, 2018)

blog_ Athnecdotario incoherente - 26 May 2018 - 11:50am

Una reseña de FJ Arcos Serrano

 

En 1847, dos barcos de la Armada británica, el HMS Erebus y el HMS Terror, que navegaban bajo el mando de sir John Franklin, están atrapados en el hielo del Ártico. En su anhelada busca del paso del Noroeste, parecen haber fracasado. Sin poder hacer nada por continuar su marcha y completar su expedición, rodeados del frío polar y de inminentes peligros, sólo pueden esperar a que llegue el deshielo que les permita escapar.

Poco a poco, los días van pasando y las condiciones de supervivencia se vuelven más extremas; temperaturas que superan los cincuenta grados bajo cero, provisiones de comida escasas, el deterioro de los barcos o la llegada de enfermedades van mellando la esperanza de la tripulación Por si fuera poco, la extraña presencia de una criatura bestial y misteriosa hace que los hombres crean que se enfrentan no sólo a las condiciones naturales más adversas, sino también a fuerzas sobrenaturales que superan, por momentos, sus creencias y su razón. Con el tiempo y la llegada de las primeras muertes, fantasmas como el de la rebelión, el motín o el canibalismo hacen su entrada en escena, en un panorama desolador.

Dan Simmons es un reputado escritor que ha centrado prácticamente toda su trayectoria en la Ciencia Ficción, y el cual sorprendió con la publicación de El Terror, novela que se aleja diametralmente de su zona de confort, mostrándonos una rigurosa trama histórica (una expedición al ártico acechada por una infernal criatura) que no dejará indiferente a nadie.

Si nos detenemos un poco más en la historia, tenemos que decir que se basa en la desaparición del buque de la Armada británica HMS Terror y HMS Erebus al mando del comandante Sir John Franklin y en lo que realmente pudo haber ocurrido en uno de los episodios más inquietantes de la historia naval de Inglaterra.

El descubrimiento del aterrador escenario de lo que quedó de este buque, dio lugar a una miríada de teorías y conclusiones que ya son parte de la memoria colectiva de la cultura inglesa.

Ahora es cuando entra en escena Roca Editorial poniendo a la venta esta reedición que hoy os traigo por aquí, aprovechando el tirón de la serie que AMC estrenó el pasado 26 de marzo y, ya de paso, situando de nuevo la novela en las estanterías de las librerías, descatalogada en papel desde hace años.

El escritor nos presenta una historia excelentemente bien documentada y en ciertos pasajes realmente espantosa, donde sus seguidores de obras anteriores (Endymion o en Olympos, por citar sólo un par de títulos), comprobarán de nuevo el buen manejo que tiene de las claves del fantástico, primando por encima de todo las apariciones totalmente aterradoras del monstruo de las nieves que persigue a nuestros protagonistas.

Otro de los grandes aciertos de esta novela es la radiografía tan certera de sus personajes, los cuales calan hondo en el lector gracias a una profundidad emocional muy especial.

Simmons se vale de los diferentes puntos de vista del elenco coral para ponernos en situación gracias a un ritmo constante que incita al lector a seguir leyendo, reflejando así y de una forma muy fidedigna cómo eran este tipo de viajes en el siglo XIX.

También es cierto que al principio cuesta entrar en el libro. Es largo y denso. Casi 800 páginas donde se incluyen ingentes cantidades de detalles referidos a la jerarquía naval y que quizás pueda aburrir durante un buen montón de páginas, pero todo ello es necesario para recrear de la mejor manera posible este hecho histórico que aquí se nos narra.

En definitiva: El Terror es una novela muy entretenida donde prima por encima de todo una excelente y espeluznante ambientación en la que se mezcla realidad con terror fantástico y que desde aquí os animo a que os acerquéis a ella para así formar parte también del homenaje a la memoria de la fallecida tripulación del navío siniestrado.

Título: El terror

Autor: Dan Simmons

Editorial: Roca

Páginas: 768

ISBN: 9788416867721

Precio: 18.90 euros

Puedes leer otra reseña de esta novela AQUÍ mismo: http://athnecdotario.com/2009/02/01/el-terrorde-dan-simmons/

 

Las estrellas, mi destino

blog_Mar de tinta - 23 May 2018 - 5:26pm
Las reediciones suelen ser un síntoma de buena salud para muchas novelas. En el caso de la editorial Gigamesh, éstas se llevan a cabo de forma selectiva. Y bien seleccionadas están. “Las estrellas, mi destino”, publicada en 1956, es considerada por muchos expertos la primera novela cyberpunk del panorama literario. Su autor, Alfred Bester (1913-1987), […]

El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde

blog_Mar de tinta - 14 May 2018 - 7:01pm
Entre las últimas novedades de Edelvives se encuentra esta reedición de un clásico indispensable. Un álbum de gran formato con impresionantes ilustraciones a cargo de Maurizio Quarello, ideado para disfrutar con cada página. El regalo perfecto para que los jóvenes se inicien en el descubrimiento de las grandes obras de la literatura. Reencontrarnos con la talentosa […]

Al otro lado del miedo, de David Jasso

blog_ Athnecdotario incoherente - 12 May 2018 - 10:35am

Por Soraya Murillo.

Duele. Esta novela duele leerla, como si mientras la lees, alguien te arrebatara todo lo que has sido hasta hoy.

Personalmente me ocurre algo muy curioso con David Jasso.

Pasa el tiempo y si no escribe nada nuevo, lo extraño. Simplemente es eso: cuando no está, acabas echando de menos sus historias realistas.

En esta novela se atreve a llevarnos al otro lado del miedo. ¿Y qué sitio es ese, pensaréis? Cuando te derrotan, te destrozan, te humillan y, tras levantarte, descubres que ya no te encuentras en el mismo lugar, que sin saberlo cruzaste al otro lado. Ese es el lugar del que hablo. Nunca se regresa del infierno igual que entraste.

Empiezo:

España en plena crisis, cuando los despidos y la pérdida de la vivienda estaban al orden del día.

Gustavo y Susana han tocado fondo, y son echados a la calle con dos hijos pequeños, Nuno, de nueve años y Luna, de casi cinco. Las asistentas están desbordadas, demasiados casos como el de esta familia. Les prometen una vivienda que no llega, mientras tanto ocuparán una nave industrial a las afueras en un descampado al sol.

Para una madre eso es insufrible, llevar a sus hijos donde no hay agua directa ni luz eléctrica. Susana, en un último intento a la desesperada, buscará trabajo. Le acabarán de romper el alma.

La crisis afectó también a Ernestina. La academia que abrió junto a su novio (de inglés y clases de repaso), tampoco da mucho de sí, y los padres no pueden en esos momentos gastar un dinero extra.

A Mono, otro de nuestros protagonistas, no le afecta tanto que no haya trabajo, él se dedica a lo que se dedica y para eso no existe tanta crisis, pero la policía anda cerca y debe abandonar su mochila justo en la academia de Ernestina, donde dos de sus alumnos, Berta y Miguel, la encontrarán…

Y ahí, en ese escenario de la calle, viendo cómo Mono corre y los dos chavales pillan la mochila, se encuentra nuestro personaje más peculiar, Florentino. Él no sabe traducir la expresión de una cara cuando la mira. No llega a ser un psicópata, pero no siente las cosas, le dejan indiferente, puede hacerte daño incluso y disfrutar con ello. Probablemente no tuvo una infancia bonita y no se crearon vínculos emocionales hacia su familia y por tanto tampoco hacia los demás. Y desea esa mochila.

Todos ellos, sin saberlo, porque en el fondo es nuestro autor quien lo va moviendo, terminarán encontrándose…

¿Qué vais a leer?

Ya os lo dije al principio, una historia realista, que tal vez nosotros mismos hemos vivido bien en carnes propias o en ajenas. Diálogos brutales y directos, muy bien trabajados en el caso de Florencio. Jasso comprendió que era especial y quiso que eso lo entendiéramos hasta en su forma de hablar y mostrarse a los lectores. Una historia muy dura, de puertas que se cierran, de ayudas que no llegan, de indiferencia, y el terror de saber que te encuentras frente a un hombre al que tu vida no le importa nada, absolutamente nada.

David Jasso nos dejó un mensaje muy claro: las cosas están mal, pero pueden empeorar. Así que poco a poco, según avancéis la historia, lo vais a comprobar.

Es tierno con Susana. Me gusta el valor que le infundió a esa mujer, pero al mismo tiempo me desconcentra con Florencio. Es un hombre terrible, pero da la sensación de que Jasso quiere decirte: “Bah, estaba ahí, es así, ¿que esperabais que hiciera?”. Dicen que cuando un autor escribe, suele hacerlo sobre aquello que más le aterra. Pues bien, a nuestro Jasso le aterra la realidad. Sabe que es más fácil que te acuchillen en la calle a que veas a un muerto, y escribe sobre eso, al menos en esta novela.

No sabría decir si es su mejor obra, pero sí puedo confirmar y lo hago, que es una de las mejores. Jasso toma un suceso que bien podría ser real y lo recrea para nosotros, sin esconder ningún detalle, directo al corazón.

Gran novela, sin ninguna duda, donde sólo te queda una opción cuando te levantas de nuevo y entiendes que todavía te queda un asunto más por cerrar… No hay la excusa de que es ese momento inoportuno y la decisión errónea en el lugar equivocado. Aquello era un descampado, un lugar abandonado ¿Desde cuando ocurren cosas buenas en sitios así?

Pero Jasso siempre te da un respiro, aunque sólo es eso, un poco de aire para que llegues al final de su novela, donde una vez más te destrozará.

Gracias, David Jasso, por este trabajo. No nos dejes nunca.

https://www.cazadorderatas.com/producto/preventa-al-otro-lado-del-miedo/

 

 

 

EL CÍRCULO. PASO 5: EL PRIMER REMAKE Y LA PRECUELA.

blog_ Athnecdotario incoherente - 9 May 2018 - 1:39pm

Por José Luis Carbón.

En este nuevo capítulo, se analizará:

-1999 –The Ring Virus -director: Kim Dong-bin

-2000 –Ring 0 -director: Norio Tsuruta

Carátula edición DVD

En el capítulo anterior veíamos cómo el año 1999 era productivo para la saga The Ring. Y no dejamos el año 1999 porque el primer remake del clásico de Hideo Nakata apareció en Corea del Sur, aunque con una participación japonesa en su producción, con el título de The Ring Virus o Ring 0. La dirigió Dong-bin Kim y también escribió el guión. Un guión en el que no realiza una copia del The Ring, versión Hideo Nakata, sino que más bien realiza una versión coreana sobre la versión anterior y sobre la novela. Como ya comentamos en el primer capítulo de esta serie, la historia original, que nace en una novela, se versiona, se transmuta en otro arte, el cinematográfico, y en diversos tiempos (desde la primera versión -1995- hasta la, de momento, última versión -2017- han pasado 22 años) y, por supuesto, nacionalidades e intereses diferentes.

The Ring Virus se publicitó como una nueva versión de la novela, aunque la producción no escondía que el argumento iba a ser calcado a la versión de Nakata. Para ser precisos, tendríamos que especificar que es casi calcado y, por suerte, en ese margen de libertad creativa nos encontramos con un film a descubrir, un film por momentos poético y con una protagonista (aquí sí se sigue la pauta de que sea una mujer, por eso de reflejar la costumbre oriental de que una madre sea más protectora con su hija) que por momentos conecta más con el sufrimiento mostrado por el masculino protagonista de la novela Kazuyuki Asakawa.

Primer día vs…¿hace falta especificar?

El personaje de Sun-ju, periodista que investiga la cinta de VHS maldita, está interpretada por Eun-Kyung Shin. Varias de las escenas del film, nos la muestran pensativa, expectante, en los primeros días de la maldición, cuando puede tener esperanza de que termine. Pero cuando la tragedia es inminente, sus ojos, so rostro, su cuerpo entero muestra ya el sufrimiento de una madre que teme por su vida y por su hija.

Vouyerismo en directo, “Psicosis” vs Flash-back granulado en “The Ring Virus”

Como señala el ya citado Julio Ángel Olivares en su estudio The Ring: Una mirada al abismo: “A pesar de que ciertos saltos demasiado drásticos en el argumento hacen que la ilación tensional no alcance cotas de transfiguración inquietante, la ambientación y la atmósfera de la cinta están muy conseguidas, rayanas en lo etéreo.”(1). En ese sentido es de anotar aquella secuencia flash-back en la que Eun Suh (antropónimo coreano para el japonés Sadako) se está duchando y un compañero suyo la observa cual Norman Bates hiciera con Marion Crane. La música, casi atonal de Il Won, el montaje fragmentado, la fotografía granulada en blanco y negro con tonos azulados, que acentúa más las miradas entre voyeur y observada, todo, en definitiva, en esa escena, hace ver el poder de Eun Suh. Y este poder lo puede sentir Sun-ju, no en vano el uso del flash-back es original: está observando una vieja fotografía en blanco y negro donde aparecen los actores donde trabajaba Eun-Suh y de ahí a la escena citada.

The Ring Virus ha sido, injustamente creo, considerada como un simple remake del clásico japonés The Ring (1998). Y es cierto que la escena emblemática en la que Sadako sale del televisor es difícilmente superable. Aunque la escena en que Sadako es violada y lanzada al pozo nos rememora la escena en la novela, por lo que se aporta ese nuevo elemento que cinematográficamente había sido obviado. Corea versus Japón. Es cierto que la cultura coreana y la japonesa son tan diferentes que se nota en el tono de ambas producciones (2).

Cartel film Ring 0 y portada inglesa Birthday

Ya acabando ya en el año 2000 nos toca visitar la tercera producción cinematográfica japonesa tras el díptico de Hideo Nakata. Y esta vez Sadako merecía ya la historia del cómo se convirtió en el yūrei que va a atormentar a más de un ser viviente, la precuela oficial: Ringu 0: Bâsudei, dirigida esta vez por Noroi Tsuruta, y con guión de Hiroshi Takahashi, ya responsable de las cintas de Nakata. Este film está basado en la antología de relatos que forman la obra Bāsudei, titulada en inglés Birthday. El relato del cual se ha extraído la trama general del film se titula Lemonheart.

Y tras todas las versiones de las que hemos hablado… ¿qué es lo que el público demanda y el negocio del cine también? Pues naturalmente lo que se conoce como precuela, es decir, el origen de toda una historia, el cómo empezó todo. Si ya en todas las versiones anteriores, sean cinematográficas o televisivas, recordemos, siete aproximaciones al universo de Sadako, el origen de la maldición se centraba en una serie de flash-backs sobre cómo la niña Sadako ya vivió esa opresiva vida, en escenas como aquella en la que su madre, Shizuko, mostraba sus poderes de clarividencia ante un nutrido grupo de periodistas y era puesta en ridículo ante todos cuando la acusan de fraude, por lo que la pequeña provoca la muerte de uno de ellos; o aquella en la que era atacada por el doctor Ikuma y lanzada al pozo. Ahora, en Ring 0 vemos la historia de Sadako en su juventud, tras pasar un tiempo en una compañía teatral. La serie Rasen nos personificaba una Sadako fuera de lo que se habían marcado los films y todas las subtramas habían enredado mucho la historia. Ahora conoceremos la historia de primera mano, en continuación con lo marcado por las dos partes oficiales de la saga. Y, como ocurre con todas las precuelas, la historia original puede cerrar su círculo, nunca mejor dicho para esta saga.

El problema que surge ante el nuevo film es ¿de qué Sadako estamos hablando? Porque el público, que ha visto ya en siete versiones, como hemos dicho, tomará diferentes posturas ante un personaje que en su original literario era más una entidad etérea que una presencia física, y que en los films de Hideo Nakata, recordemos ahora también, The Ring (1998) y The Ring 2 (1999), se muestra como ser fundamentalmente espectral y físico en el momento de cumplir su maldición. Tras estas encarnaciones era necesario humanizar a Sadako. Ring 0 lo hace a través de la actuación de Yukie Nakama, actriz y cantante pop que por momentos consigue no sólo humanizar al personaje, sino impregnarlo de una melancolía que presagia su final.

Sadako 1: la inocencia + Sadako 2: el horror= Sadako 1 + Sadako 2

Quizá el aspecto original en la trama es el hecho de presentar a dos Sadakos, algo que no está presente ni en la novela, ni en las versiones ya comentadas en anteriores entregas. Después de que Sadako matara a uno de los presentes en el escarnio a su madre, otra Sadako hizo presencia. La cara malvada, un Mr. Hyde que va a convertir el último tercio de la película que estamos comentando en todo un festival de horror.

En este punto es cuando nos podemos preguntar si, al visionar el origen de Sadako, todo lo que hemos visto antes cobra sentido. Ya desde el primer momento que aparece en pantalla empatía hacia la joven se hace evidente en sus silencios, sus miradas perdidas. Algunos críticos han visto una mala interpretación de la actriz Yukie Nakama. Es cierto que, en algunos momentos, esta contención interpretativa no va acorde con el avance de la historia (algunas escenas que transcurren en el hospital, por ejemplo) pero no es menos cierto que la Sadako que estamos viendo es aquella que ya se está fraguando antes de su muerte y conversión a yūrei, y que por lo tanto tiene todas esas contradicciones en su interior que la llevan a ser esa joven extraña, reservada y con esos poderes que no controla del todo. Es su pensamiento interno el que Noroi Tsuruta visualiza en imágenes diurnas de gran contención narrativa: en la escena en la que está con sus compañeros de teatro en un ensayo y la cámara nos la visualiza de espaldas, sus compañeros recibiendo la noticia de la muerte de la protagonista, y tras anunciar el director que la sustituirá Sadako, todos se apartan, y el movimiento de nuestra protagonista es lento, pausado, casi como un fantasma, el que como público sabemos que llegará a ser.

Las comparaciones con el mito del patito feo son relevantes en cuanto algunos de los presupuestos son más previsibles: la compañera que tiene celos de ella, los que la ven diferente y, por lo tanto, puede romper lo que está en equilibrio. Es quizá este elemento el que resulta ambiguo en la cinta que comentamos. La división entre una Sadako buena, capaz de curar enfermos, como señala el propio padre de la joven, y una Sadako maligna, que es capaz de destrozar el teatro donde actúa Sadako, en claro homenaje/plagio (escójase el que cada uno prefiera tras ver la cinta) a la Carrie de Brian de Palma, es uno de los recursos que flojean y de los cuales se podría haber sacado más jugo. Por cierto, no deja de ser curioso que tantas veces como se dijo que Koji Suzuki era el Stephen King japonés (y nada que ver un autor con otro a no ser que los dos escriben novela fantástica de terror), sea aquí, en esa escena, una de las pocas relaciones que podemos apuntar.

Sadako en su papel

Ring 0 se nos revela inquietante y con esa atmosfera turbadora de la que forma parte todo ese universo de venganza, muerte y deseo de vivir que es The Ring. La obra que están representando en el film es una adaptación del clásico Los ojos sin rostro (Les yeux sans visage, 1960, Georges Franju), titulado aquí Máscara. Y es en esa obra de teatro, una obra dentro de otra, donde Sadako interpreta a la joven que muere pero vuelve a la vida con una cicatriz. Elementos que prefiguran lo que veremos en The Ring (1998).

Tras conocer la vida de Sadako antes de ser lanzada al pozo, ¿qué faltaba más? Conocerla mejor fuera de las fronteras japonesas o asiáticas, o sea, la internacionalización del mito. Y qué mejor que los norteamericanos para eso. Pero eso, como suele decirse, es otra historia.

En la siguiente entrega: El Círculo 6: el remake americano The Ring (La Señal)(2002) y secuela The Ring 2 (La Señal 2) (2005).

 

NOTAS:
(1) Julio Ángel Olivares Merino: The Ring, una mirada al abismo, Ediciones Jáguar, 2005, página 58.
(2) Sería interesante un estudio comparativo entre el terror chino-coreano-japonés en sus diferentes tramas argumentales y su plasmación cinematográfica

 

La sirena y la señora Hancock

blog_Mar de tinta - 8 May 2018 - 1:37pm
En esta era internauta en la cual todo se hace deprisa y corriendo, es maravilloso encontrar escritores que disfrutan con los detalles más nimios. Imogen Hermes Gowar posee una pluma sutil, bella. “La sirena y la señora Hancock” derrocha sensualidad y poesía. Este debut, al que Siruela ha dotado de una fuerte presencia gracias a […]

Entrevista a Thomas F. Monteleone.

blog_ Athnecdotario incoherente - 2 May 2018 - 8:56pm

Por Soraya Murillo.

Thomas F. Monteleone ha sido un escritor profesional desde 1972. La primera historia del autor apareció en la revista Amazing Stories en ese mismo año. Se convirtió en un escritor popular de thrillers sobrenaturales. Ha publicado más de 100 cuentos en numerosas revistas y antologías. Su novela, Blood of the Lamb fue nombrada mejor libro del año del New York Times.

Monteleone ha ganado cinco veces el Premio Bram Stoker.  

ENTREVISTA:

-Soraya Murillo: Gracias por concederme la entrevista.

-Thomas Monteleone: Por supuesto, considero un honor que estuvieses interesada en mis opiniones y cuestionable sabiduría.

–Usted es un escritor al que le gusta dar su opinión sobre temas políticos, incluso sobre el tema de las drogas. ¿Teme perder lectores por eso?

– No estoy seguro, a menudo doy mi opinión sobre política –Soy muy escéptico de la eficacia y moralidad de todos los políticos- independientemente del partido que sean. Yo tengo una serie de valores y una percepción de las cosas. Creo que la afiliación política debe ir ligada a la lógica , el sentido común y en el pensamiento racional. No tengo miedo de perder lectores por dar mi opinión porque nunca he insultado a nadie por sus ideas políticas. Sólo espero que mis análisis lógicos y mi implacable sentido del humor les llegue.

Con respecto a las drogas, soy en esencia un pensador libertario como tal, no creo que los estados deban decir a la gente las drogas que pueden o no pueden usar en sus propios cuerpos. La ley seca creo un enorme mercado negro de licores, cerveza y vino. La misma sin razón ha pasado con los grandes carteles de la droga. Si la gente quiere matarse con sustancias peligrosas, debería serle permitido. Y no tengo ningún problema con que el estado ponga impuestos sobre drogas como ya hacen con la nicotina y el alcohol.

-Su mujer Elizabeth es la administradora de Borderlands Press. Su hija es escritora y editora, usted publicó con ella una extraña antología de ficción/terror (Borderlands 6) premiada con el premio Bram Stoker a la mejor antología. ¿Están los tres felices de dedicar parte de sus vidas al mundo de la literatura?

-¡Claro que si! Nosotros amamos el mundo de la letra impresa y somos voraces lectores y también críticos duros. Cuando Elizabeth creó el Borderlands Press Writers Boot Camp en 1995, no teníamos ni idea de que llegaría a tener tanto éxito. Hasta ahora más del 70% de los graduados se han convertidos en escritores profesionales. Cuando nuestra hija Olivia quiso aprender como editar una antología de ficción original, estuvimos muy felices de ayudarla en su pequeño paso en el mundo impreso y de ayudarla en su futuro.

-Usted ha ganado el premio Bram Stoker cinco veces. ¿Todavía se emociona cuando es nominado?¿Qué significa para usted el haber ganado esos premios?

-Me siento muy honrado por haber sido nominado, por haber sido nominado por mis iguales. Otros escritores que saben de la dificultad de crear una historia original bien escrita. Y si, cada vez que soy nominado para un premio siento la misma emoción y tengo la esperanza para ser un digno ganador de ese premio. He ganado el premio Stoker en cuatro categorías diferentes –Novela, Colección, antología y no ficción… el ser reconocido por hacer las cosas bien en áreas tan diferentes es ciertamente gratificante ¿no crees? Y cuando fui premiado con el premio de la asociación de escritores de terror, me sentí en una nube. Ser incluido en la misma categoría de gigantes como Ray Bradbury, Richard Matheson, Stephen King, y muchos otros maestros es increíble.

-Su novela, The blood of the lamb fue ganadora del premio Stoker en 1993 y con el Notable Book del año para el New York Times. Para mi, es su mejor novela. ¿Qué recuerdos tiene de ella? ¿Tiene alguna anécdota o historia del tiempo en el que estaba escribiéndola?

-Muchos lectores me han dicho esto, y es a la vez maravilloso y un poco descorazonador el pensar que tu mejor obra es algo que escribiste hace tanto tiempo y que no has escrito nada mejor en más de veinte años. He mitigado esto último pensando que quizás era una idea que se escribe una vez en la vida. Quiero decir, vamos a ver, escribí un thriller religioso muchos años antes de que nadie usase las palabras “código” y “DaVinci” en la misma frase. Y lo hice mucho mejor. Con respecto a las anécdotas sobre este libro, le puedo decir que la compañía cinematográfica Bruckheimer se hizo con los derechos, pero jamás han hecho la película, pero desde hace más de catorce años han seguido renovando los derechos, por lo que cada dieciocho meses me embolso un buen diero. Ha sido traducida a quince lenguas distintas y ha sido impresa casi veinte años. Todavía vende bien como ebook, y yo estoy muy satisfecho de cómo ha funcionado esta novela.

-En su novela The blood of the lamb, el padre Peter Carenza tiene problemas con la organización religiosa. ¿Cuánto refleja el personaje sus ideas sobre el tema?

-Los problemas de la fe y de la organización religiosa siempre me han interesado y fascinado. A muchos niveles. Crecí en una familia de origen italiano, mi padre era una persona muy espiritual y con principios morales muy profundos, una persona muy implicada con la historia católica. El era un Knight of Columbus (Caballero de Colón), miembro de la Holly Name Society (La sociedad del santo nombre), sacristán en nuestra parroquia, incluso contaba el dinero de la colecta en la sacristía. Yo fui a un instituto de jesuitas lo cual me ayudo a retar a una educación clásica. Reforzado por el estudio del latín y la ciencia durante años aprendí el arte del pensamiento crítico. Los jesuitas eran personas con una alta formación académica, y una de las cosas que aprendí de ellos fue siempre a hacerme la siguiente pregunta. Y comencé a llenarme de una insaciable curiosidad acerca del mundo a mi alrededor. Y Cuando uno se da cuenta de la complejidad y de la inmensidad de nuestra galaxia dentro del número ilimitado de galaxias que conforman el universo es difícil de sentirse atado a algo tan pequeño como los conceptos del Creador o Dios. Nuestras explicaciones de por qué estamos aquí y quienes somos y quien (o qué) se preocupa de nosotros no tiene sentido para mi. Y aunque The blood of the lamb esta escrito dentro de lo que sería el sentido tradicional de la fe, creo que una de las razones por las que fui capaz de escribirla fue mi necesidad de examinar la importancia puede tener en muchos de nosotros. Nunca tuve la intención en ningún momento de menospreciar a la iglesia ni a sus seguidores, pero si plantear algunas posibilidades para alentar a mis lectores a reflexionar sobre los misterios que tenemos.

-Sus Nocturnia Chronicles son para un rango de lectores más amplio que cualquiera de sus trabajos. ¿Cuáles fueron los factores que le llevaron a incluir entre sus lectores a los jóvenes?

-Para ser sincero, nunca conscientemente decidí escribir una serie de novelas para los más jóvenes. Las Nocturnia Chronicles llegaron, si no por accidente, al menos de una manera algo oblicua. Deja que me explique: Hará unos doce años F. Paul Wilson y yo fuimos llamados por un grupo de visionarios que crearon un canal de televisión llamado The Horror Channel (Incluso registraron el nombre de manera que nadie pudiera usar su nombre, uso o presencia). Su modelo fue el exitoso canal Sci-Fi (el ahora conocido como SyFy) y estaban interesados en hacer una programación original, y es por eso que nos preguntaron a Paul y a mi si estaríamos interesados en crear una serie de dibujos animados en clave de terror equivalente a la serie de ciencia ficción Futurama.

A Paul y a mi nos gustó la idea y aceptamos el reto; pasamos el siguiente año creando un show llamado Nocturnia que con bromas ingeniosas incluiría a los iconos del género de terror al estilo de Futurama. Nos lo pasamos muy bien haciéndolo. Y finalmente llegamos a crear material suficiente para una temporada completa. Por diversas razones el canal The Horror Channel nunca llegó a hacerse realidad, dejándonos a Paul y a mi con muchísimo material y ningún sitio donde usarlo. Así que durante años tuvimos almacenado en nuestros ordenadores ese proyecto, hasta que una tarde mientras estábamos sentados en el bar de un hotel en una convención de terror, uno de los dos hizo la pregunta de que podíamos hacer con Nocturnia. Fue entonces cuando a uno de los dos (no recuerdo cual) se le ocurrió la idea de hacer una trilogía de novelas para lectores de nueve a doce años. Nos pusimos de acuerdo y durante tres años trabajamos en ello. El último volumen de la trilogía, The silent ones ha sido publicado recientemente en tapa dura y ahora estamos promocionando una versión de los tres en formato de bolsillo.

-The Time Connection ha sido comparado con parte del trabajo de Robert A. Heinlein. ¿Tuvo el alguna influencia en su trabajo?

-En mis “años de formación” fui un gran fan de Heinlein y pienso que Starship Troopers todavía es una gran novela de ciencia ficción. Los relatos cortos de Heinlein es maravilloso con conceptos rompedores. Pero honestamente puedo decir que nunca he sido consciente de tratar de emular su trabajo. (No de la forma en que lo hice con escritores como Bradbury, Zelazny, Ellison and Sturgeon). Mientras maduraba como escritor, pienso que reconocí la claridad y el estilo directo en el lenguage de Heinlein, y probablemente lo incorporé a mi propio estilo narrativo. Me gustaría sentarme en un bar mientras me tomo unos cuantos manhattans con cualquier crítico literario que comparo mi segunda novela (The time connection) con parte del trabajo de Heinlein. Es como decir que Boxcar Willie de alguna manera recuerda a John Lennon.

-Ahora es muy fácil auto publicar un libro, por lo que hay muchos nuevos escritores. Esto me lleva a preguntarle ¿Todo el que publica un libro podría ser considerado como escritor? ¿Qué piensa?

-Es una gran pregunta, pero no se si esta será una buena respuesta… pero vamos a probar. Represento a una generación única de escritores que empezaron en la era analógica y que al final terminamos abrazando la era digital. He sido testigo de una revolución inimaginable no solo en la forma en que las palabras eran escritas sino transformadas y distribuidas a los lectores. La digitalización a quitado muchas barreras o impedimentos que durante años separaron a los aficionados de los profesionales. Durante mucho tiempo los aspirantes a escritores tenían que crear su trabajo escribiendo a mano, después de mucho esfuerzo y terminada su obra tenían que mandar por correo su trabajo al futuro editor, que tras muchos meses lo leería y mandaría una respuesta al escritor o escritora. A principio de los ochenta todo eso empezó a cambiar con los ordenadores y sus procesadores de texto, entonces era más fácil escribir una novela y mucho más rápido el mandarla al posible editor, los archivos de PDF enseguida fueron aceptados. Pero también cambió el mundo de la edición porque cualquiera que tuviese un ordenador, una impresora y unos cuantos dólares en el bolsillo podía convertirse en editor de su propia obra. Después de este preámbulo y volviendo a su pregunta original creo que no, hay muchas capas que separan al aficionado del profesional. Pero mi opinión no creo que importe demasiado. Soy un capitalista, creo que el mercado es el que marca el éxito o el fracaso y si alguien vende muchos libros es un profesional. Al final no importa lo que yo piense, es el mercado el que separa al amateur del profesional.

-En Night of broken souls usted explora la reencarnación y el holocausto, los dos son tópicos delicados de manejar. ¿Vaciló usted a la hora de tocar estos temas y temió la reacción de sus lectores?

-Extrañamente no sentí miedo o falta de confianza en tocar esos temas a la hora de escribir esa novela. Previamente había manejado la idea de la posibilidad de grandes cambios después del milenio desde el punto de vista cristiano, y pensé que sería un reto interesante también el ver el comienzo del milenio desde una perspectiva judía. Mi única preocupación era al usar el holocausto como hilo narrativo de mi novela que era un tema que ya había sido usado muchas veces. Y si esa familiaridad con el tema restaría el drama que el terror merece. Con respecto al tema de la reencarnación, es uno de esos fenómenos que no tiene sentido en absoluto para mi, incluso sabiendo que existen investigadores con experiencias fundamentadas que desafían cualquier explicación. Imaginé que sería un campo fértil para una historia original. La novela tuvo una gran acogida entre la crítica y solo algunas acusaciones de crimen de “apropiación cultural” (que es una gilipollez por otra parte). No hay un mandato global que diga que yo tenga que enfocarme en cada matiz de la experiencia humana.

-¿A quien lee Tom Monteleone? ¿De qué libro no se cansa nunca?

-Al principio, descubrí los trabajos de Ayn Rand e inmediatamente me convertí a su manera de ver el mundo. Encuentro que su novela The fountainhead es una celebración brillante del poder y la grandeza del individuo que cree en su visión única del mundo. Mientras estaba todavía en la universidad descubrí Atlas Shrugged y desde entonces la he releído al menos cinco veces. Es un sermoneante, didáctico tomo, al borde entre la creencia del poder del individuo opuesto al supuestamente superior conocimiento del estado, y la necesidad de una inclinación al “bien mayor” –esa idea mítica de que la igualdad es de alguna manera la última medida para todos nosotros. Esto es algo a lo que yo soy muy propenso a decir que no es más que una gilipollez- simple y llanamente. Yo se que soy mas listo y con más éxito que la mayoría de mis amigos. Para mi imaginar o aceptar de que no soy más que cualquiera es simplemente absurdo. Pero estoy divagando. Otros escritores y sus trabajos de los que nunca me canso incluye a Ray Bradbury, Ambrose Bierce, Hemingway, Theodore Sturgeon, Clifford Simak, Poe, Lovecraft, incluso my mejor amigo, F. Paul Wilson ( He reeleido su Adversary Vycle dos veces un asombroso y brillante trabajo de seis volúmenes).

-En su novela, Night train, la mayor parte del libro esta ambientada en el metro de Nueva York. ¿Cuánta importancia tiene ese metro en su vida?

-Todavía me siento bien con esa temprana novela de terror que escribí en el apogeo de los libros de bolsillo de terror de los ochenta. Mi familia es originaria de Nueva York –después de que mi abuelo viniese a los Estados Unidos con quince años- y el metro ha sido algo muy familiar y confortable para mi desde que era un niño. Pero antes de intentar presentar un retrato preciso y transmitir la pronunciada rareza del metro de Nueva York (Lo que incluye el sistema del metro neoyorquino), sabía que tenía que emplear algo de mi tiempo en investigar y verificar algunos de los aspectos más extraños de los muchos niveles y anomalías que yacen bajo las calles de Nueva York. Acordé entrevistas y visitas con empleados de las alcantarillas, de tráfico y de las compañías de electricidad de la ciudad, y me sorprendió encontrarme con muchos representantes del gobierno local que estaban interesados en hablar conmigo y enseñarme sus mundos bajo Nueva York. Digo esto solo para enfatizar que la información de fondo sobre el mundo del metro de Nueva york que empleé en Night train fue revisada con hechos para mayor exactitud. Era importante para mi escribir una novela que emplease una descripción precisa de lo que yace bajo las calles de la ciudad.

-¿Qué enseñó un gran escritor como usted a sus hijos?

-Creo que la mejor manera de nosotros, como padres, podemos enseñar a nuestros hijos es con el ejemplo y estilo de vida –en lugar de sermonear e intimidar. Elizabeth, mi mujer desde hace casi treinta años, y yo siempre esperamos que nuestra hija eventualmente se daría cuenta y apreciaría la forma en la que conducíamos nuestras vidas. Nunca conservamos trabajos regularmente, eligiendo en su lugar vivir de nuestro ingenio- llevando una imprenta pequeña, vendiendo nuestros escritos o editando, y confiando en nuestra habilidad para producir algo que interese al mercado. Pero creo que la cosa más importante que he sido capaz de inculcar a mi hijo Damon, y a mi hija Olivia, es el que nunca abandonasen sus sueños y los sigan durante toda su vida. Nunca pierdas ese poder de soñar con cosas más grandes que tu mismo. He vivido mi vida bajo la premisa de que todo lo que realmente quiero está al alcance de mi mano. Siempre he creído que nada me podía apartar de mi objetivo. Cuando tenía veintiún años y nadie me conocía, yo sabía que vendería mis relatos cortos y eventualmente mis libros. Sabía que tendría éxito porque me negaba a creer de que iba a fracasar. Suena mal, pues bueno y qué, porque es la verdad. He vivido mi vida con un solo dictado: el fracaso no es una opción.

Y este es el mensaje que espero he metido en la cabeza de mis preciosos hijos.

-Gracias por sus respuestas.

-¿Eh, estas bromeando? Me siento muy honrado de que quisieses entrevistarme. Espero que sus lectores disfruten. Todo lo que pido es que me busques en Amazon y muestres mi trabajo. ¡Adiós!

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Bajo nuestra piel

blog_Mar de tinta - 1 May 2018 - 9:30am
Hoy en día el fenómeno blogero está en boca de todos. Las redes sociales se han convertido en una plataforma más para mostrar y reconocer nuevos talentos. Josu Lorenzo Grilli, conocido en la red como Josu Diamond, cuenta con su propio canal y un gran número de seguidores.  Su primera novela, “Bajo nuestra piel”, es […]

EL CÍRCULO. EL PASO 4: LAS SERIES TELEVISIVAS.

blog_ Athnecdotario incoherente - 29 April 2018 - 3:00pm

Por José Luis Carbón

En este nuevo capítulo, se analizarán las dos series televisivas:

-1999 –The Ring: The Final Chapter (Ringu: Saishûshô)

-directores: Fukumoto Yoshito, Hidetomo Matsuda, Yoshihito Fukumoto

-1999 –Rasen -director: Yoshihiro Kitayama

Volvemos al universo de Sadako, después de revisionar el material fílmico que la obra de Koji Suzuki dio hasta el 2000. En 1999 dos series de televisión y el primer remake, coreano, siguieron insistiendo en que no se deben ver cintas de video malditas y en el 2000 la precuela del boom de The Ring versión Hideo Nakata quiso buscar el origen de todo esa materia fílmica.

El logotipo de la productora.

El 7 de enero de 1999 la productora Fuji Television Network junto a la Kyodo Television emitió el primer capítulo de la serie televisiva basada en la novela de Suzuki titulada Ringu: Saishûshô y conocida internacionalmente como The Ring: The Final Chapter (justo dieciséis días más tarde se estrenaba en todo el país la secuela de Hideo Nakata The Ring 2). La cadena japonesa Fuji Television es importante en la difusión del anime japonés en todo el mundo gracias a Dragon Ball, Ranma ½, Yu Yu Hakusho, Rurouni Kenshin, Digimon, Hellsing, One Piece, Dr. Slump y muchas más series (algunos que tenemos ya una edad siempre recordaremos con melancolía…vale, lo diré: Heidi y Marco). El éxito de ventas de la novela de Suzuki y del film de Hideo Nakata hizo pensar a la cadena que todavía podía estirarse el chicle hasta doce capítulos. El éxito fue inmediato.                                          

El formato televisivo permitió cambiar el tiempo que disponían aquellos que se aventuraban a ver el video maldito: trece días en lugar de una semana. Pero claro está que a pesar de que se sigue la trama fundamental de la historia original de la novela (el periodista Akasawa que investiga la extraña muerte de unos adolescentes, el descubrimiento de la cinta, el descubrimiento de la maldición y cómo salvar tu vida y la de tu hijo) los cambios son necesarios por dos motivos: uno, nombrado más arriba, porque se tiene que explicar la historia en 540 minutos; y dos, el público quería ver otras tramas, una expansión del universo ringniano, que podríamos decir ya a esas alturas

La serie The Ring: The Final Chapter, a mi modo de ver, cumple bien con el objetivo de respetar la idea central de toda la historia y su tema principal, el de la muerte y cómo nos aferramos a la vida y a la vez de incorporar unas tramas argumentales que enriquecen toda la historia.

La serie es, en ese aspecto, una nueva versión de la novela, y a la vez un remake de la primera plasmación visual de la obra de Suzuki, el telefilm Ringu (1995). De hecho el primer capítulo es casi literalmente la primera parte tanto el telefilm como de la novela. Kazuyuki Akasawa (interpretado de forma convincente por Toshiro Yanagiba) decide investigar la muerte de varias personas que tienen en común el haber muerto a la misma hora y de un supuesto ataque al corazón. La investigación le lleva al descubrimiento del video maldito, su visión y, como es de esperar, la lucha contra el tiempo por conseguir la forma de evitar o vencer a la maldición.

Akasawa ante el video maldito.

Y decimos que es casi literalmente porque se añade una trama argumental que será la que dé juego a toda la serie: Ryuji Takayama (recordemos que en la novela es el personaje que acompaña a al periodista Asakawa en su investigación, y en las diferentes versiones cinematográficas y televisivas fue tomando diferentes matices; en nuestra serie está interpretado, muchas veces sobreactuado, por Tomoya Nagase) es un popular vidente que, en pleno programa televisivo sobre los poderes mentales y maldiciones, lanza una apuesta al también famoso profesor Kaneda, contrario a la existencia de tales fenómenos, en la que afirma que en una semana éste estará muerto. Junto a este personaje nos encontramos con Mai Takano (interpretada magistralmente por Akiko Yada), hermana del anterior, perturbada por un trauma infantil y que presenta una de las nuevas tramas en esta serie que se cruza con la historia de Sadako.

Uno de los aspectos que más llama la atención de esta nueva vuelta de tuerca sobre la historia de Sadako es la de que el video maldito a simple vista no lo es tal. Me explico. Antes de que el personaje de Akasawa vaya a investigar al hotel donde su sobrina y unos amigos fueron a pasar un par de días y vieran el video, una compañera de trabajo, Akiko, le comenta que está en boca de todos una leyenda urbana que afirma que un video de la famosa cantante Matsuzaki Nao (nombre real de la actriz y cantante japonesa) hace que quien lo vea se muera. Es curioso que se utilice un fragmento del famoso video-clip de la canción Shiroi Yo en un momento en que los cantantes pop japoneses eran aclamados por los fans como dioses. 

Video-clip “Shiroi Yo”

El hecho de que ese video pudieran verlo miles de jóvenes lo hacía mucho más peligroso ante la supuesta maldición. ¿Y qué papel juega Sadako en este nuevo video? La respuesta la tenemos en lo que la cultura japonesa es algo que de tanto en tanto nos tiene acostumbrados, en series infantiles o canciones pop. ¿Algún lector recuerda hace muchos años, a finales de los 90, la polémica surgida en torno a un capítulo de la serie Pokemon donde las imágenes brillantes provocaron ataques de epilepsia a cientos de niños en Japón? Un elemento que en la serie que estamos analizando es de lo más original de este universo: la imagen subliminal. Un video dentro de otro, la matrioshka que descubre Asakawa en el segundo capítulo gracias a Takayama y en el que podemos ver un bebé, una mujer mirándose al espejo y el aviso de que si ves esto morirás en trece días. El hecho de que The Ring sea la historia de una maldición, llevada a cabo a través de la visión de unas imágenes creadas por la misma Sadako, y de la lucha humana contra la muerte, no puede ser más sintomático que la visión inocente de un video-clip musical se convierta en una sentencia de muerte para quienes no han de morir todavía. Por cierto, una vez vista la serie recomiendo ver en YouTube el video-clip completo de la canción Shiroi Yo, todo un espléndido documento visual, muy metafórico y con unas imágenes muy ringnianas.

Otro aspecto que merece ser remarcado es el hecho de poder ver día a día el sufrimiento del protagonista por evitar la maldición de Sadako. Pasamos de la alegría al dar un paso positivo a la tristeza y melancolía al dar un paso en falso. Para los amantes de las series televisivas de los últimos años puede ser toda una sorpresa el poder verla hoy en día. Tiene un tempo narrativo que le va bien a la trama argumental. Los capítulos se encadenan unos a otros con un ritmo adecuado. Y a pesar de que la trama es por todos conocida, algunos capítulos son excelentes. El capítulo octavo, por ejemplo, es uno de los mejores. Todo el drama de los personajes se muestra aquí, sin estridencias, con una música coherente con los sentimientos de Akasawa, Akiko o Takayama, y con unos diálogos concisos y contundentes: Akiko le pregunta a Akasawa qué puede hacer para ayudar o dar con la solución a la maldición. Puede parecer un diálogo poco original o intrascendente. Pero para nada lo es cuando has estado conviviendo con la lucha personal de ambos protagonistas durante siete capítulos anteriores. Y el capítulo final lleva a las últimas consecuencias lo que ocurre con el hijo de Akasawa y que fue obviado en el film de Nakata.

La serie The Ring: The Final Chapter es como una versión extendida de la trama principal de The Ring. Contra todo pronóstico, y sin ser una obra maestra (ni fue esa su intención), es muy respetuosa con el material que tiene entre manos. Un material fantástico que se convierte en un drama. De hecho, podríamos hablar de un drama con elementos sobrenaturales.

El éxito en Japón de la serie hizo que una segunda parte rápidamente se llevara a cabo. Al igual que The Ring versión Nakata tuviera una secuela no oficial (que adaptaba, recordemos, la segunda novela de Koji Suzuki), The Ring: The Final Chapter tuvo como secuela la serie Rasen, producida de nuevo por Fuji Television Network. Rasen, la nueva propuesta televisiva, se alejó conscientemente de su predecesora al tener presente la vertiente sobrenatural de toda la trama y llevándola al extremo argumental en el que cada episodio iba a ser un no va más de la historia.

Rasen, la serie, orbita sobre el tema de la paternidad, omnipresente en la novela y en cada una de sus adaptaciones, tanto en cine como para televisión. Pero en este caso la paternidad es presentada de una forma especial: Ando Mitsuo (interpretado de forma convincente por Kishitani Goro), profesor en la enseñanza secundaria, perdió a su hijo al no poder salvarlo de ser ahogado en el mar, pero su mujer, ingresada en un centro psiquiátrico, lo cree todavía vivo, por lo que nuestro protagonista la visita ejerciendo todavía de padre.

Este hecho condicionará toda la trama de la serie y conectará con una parte de la novela primigenia de Koji Suzuki y con la totalidad de la segunda novela Spiral. Recordemos que ya la historia fue contada en el film Rasen (1998) ya comentado en la entrega 3.

Portada de la segunda novela de la saga.

Ver cada uno de los capítulos de Rasen, a diferencia de su antecesora, The Ring: The Final Chapter, es asomarse a un montaña rusa de tramas y subtramas argumentales que en algunos momentos pueden perjudicar el relato, pero que en la mayoría se acaban integrando en una historia que va mucho más allá que la adaptaciones anteriores: Sadako quiere vivir en nuestro mundo físico y la frontera entre la vida y la muerte se desvanece cuando la ciencia entra en acción.

Pero ahora ya no tenemos una cinta de video maldita que circula libremente para todo aquel desdichado o desdichada que quiera verla. La maldición circula por Internet. Es la primera vez que vemos que las imágenes están grabadas en un disco compacto. No podemos evitar pensar, al ver el interesante capítulo 5, en el que la maldición de Sadako puede ser enviada al mundo entero a través de la televisión, en el tema de la globalización y el terror.

¿Sadako vía WhatsApp?

Rasen se emitió en 1999. En dos años el mundo conocería un nuevo tipo de horror tras el 11-S. Ya las ficciones cinematográficas desde los años 50, en plena guerra fría, alertaban del horror universal (o lo que como sinónimo podemos decir horror norteamericano; por cierto, ahondaremos más en esta cuestión cuando nos enfrentemos al primer remake americano, en el 2002, The Ring –La Señal) a través de la radio. El medio como elemento clave en todo este entramado sobrenatural, la aldea global, en palabras de McLuhan, que Sadako necesita para expandir su maldición.

A pesar de estar producidas las dos series que estamos comentando, Rasen, frente a The Ring: The Final Chapter, muestra la ciencia-ficción de una forma mucho más patente. Será la ciencia y la tecnología la que devuelva a la vida a Sadako. Ya desde el mismo momento en que el personaje de Aihara Natsumi (interpretada por Yoshimoto Takami), exalumna de Ando e investigadora, ayuda al profesor en su búsqueda de la verdad, nos encontramos con una serie de acción, muy del estilo de las aventuras paranormales de los agentes Mulder y Scully en Expediente X (muchas de las escenas de ambos personajes son un calco de la serie de Chris Carter: búsqueda de pistas en lugares abandonados, con sus linternas en la oscuridad, tonos azulados… y que la serie fuera todo un fenómeno en Japón…¡también ayudó!).

La nueva Sadako serie

La serie contiene más dosis de terror que la precedente y está bien dosificado su uso: atención a un momento sublime del imprescindible capítulo 8, donde Ando ha de tomar una decisión trascendental en su vida privada y para el resto del mundo. Y es que el drama personal que vive el protagonista es parejo al vivido por el padre protagonista en The Ring: The Final Chapter: en ambos casos la lucha entre los deseos como individuo y el bien común con la humanidad (honor, sacrificio, elementos recurrentes en toda la tradición oriental) la sentimos, la vivimos, en una historia que, por muy fantástica que se nos antoje, conecta con todos nuestros miedos más profundos, como ya dijimos en entregas anteriores y no podemos obviar en todas las entregas, como es el de morir i/o perder a un ser querido.

Aihara y Ando.

Para todos aquellos y aquellas que quieran echar un vistazo a las dos series que acabamos de comentar, pueden visionarlas en YouTube, con subtítulos en inglés (1). La calidad no es muy buena, pero vale la pena sumergirse en dos series interesantes, curiosas, que incluso pueden asombrar en más de una ocasión, aunque también podamos ver cierta repetición de ideas tanto visuales como argumentales (algo que podríamos achacar a muchas de las series que se emiten actualmente: a mi mente vienen las dos últimas temporadas de The Walking Dead…y ya que nos animamos, descarto para esta aseveración la sublime, inclasificable y ya obra maestra de nuestro tiempo, la tercera temporada de Twin Peaks).

La que comentaremos en la siguiente entrega: El Círculo 5: el remake coreano de 1999 The Ring Virus (dirigida por Kim Dong-bin) y la precuela oficial Ring 0 del año 2000 (dirigida por Norio Tsuruta)

NOTAS:

  1. En el canal Rare Ringu se pueden ver tanto las dos series que hemos comentado y la primera adaptación de la novela que ya analizamos en la primera parte de esta serie. Ringu (1995).

 

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