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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 10): Melanie, the girl with all the gifts, de Colm McCarthy

blog_ Athnecdotario incoherente - 13 December 2016 - 7:46pm

Por Albert Sanz.

 

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FICHA TÉCNICA
  • Título original: Melanie, the girl with all the gifts
  • Año: 2.016
  • Duración: 111 min.
  • País: Inglaterra
  • Director: Colm McCarthy
  • Guión: Mike Carey
  • Fotografía: Simon Dennis
  • Reparto: Gemma Arterton, Glenn Close, Sennia Nanua, Paddy Considine
  • Productora: Poison Chef, BFI Film Fund y Altitude Film Sales
  • Género: Zombis, infectados, terror, ciencia ficción, drama, mutaciones

 

https://www.youtube.com/watch?v=HjGkB_oWTe0

 

melal4    Mi debut en este Sitges fue con esta película y además iba con una expectativa muy alta. Y es que si tenemos a un director —Colm McCarthy— especializado en televisión de calidad —“Sherlock”, “Los Tudor”, “Doctor Who”, “Murphy’s law”, etc.—, a un guionista — Mike Carey— que es además el escritor de la alabada novela que ésta película adapta, y el co-protagonismo de una siempre extraordinaria Glenn Close, y le sumamos lo huérfanos que estamos de producciones zombis de alto presupuesto para cines, está claro que estamos ante una de las películas de las que más se había hablado con anterioridad y que más ganas tenía de ver el público, que abarrotó todos los pases.

Además, como comenté en mi primer artículo del festival —introducción al mismo más la crítica de “31”—, en esta edición he visto una serie de películas con un marcado carácter femenino siendo “Melanie, the girl with all the gifts” una de ellas, en la que el peso dramático lo llevan las actrices en detrimento de sus compañeros masculinos, ya que ninguno de ellos interpreta a un personaje de peso en la trama.

 melal3   “En un futuro cercano, el Reino Unido ha sucumbido a la pandemia zombi. En Birmingham sobrevive una base militar fuertemente custodiada a cuyo frente está la científica del ejército, Caldwell, quien intenta buscar una cura. En la misma base conviven un grupo de niños que forman parte de una segunda generación de zombis, con el mismo apetito de sangre pero con conciencia, sentimientos y facultades mentales como los humanos. La profesora Justineau cree en su humanidad y se encariña de Melanie, la niña más sensible del grupo, pero la vida de ésta está en peligro ya que la doctora Caldwell ha descubierto que en su sangre reside la cura para el virus Z. 

Cuando la base es atacada, Caldwell, Justineau, Melanie y un grupo de soldados han de huir hacía otra base cercana. Y no tendrán más remedio que confiar en la niña y dejarla libre, ya que es la única que puede ayudarles a atravesar un territorio plagado de zombis, mientras descubren el horror que puede traer la tercera generación de infectados.”    

Lo cierto es que la sinopsis es muy sencilla, pero con todo lo visto, no vamos a pretender ahora buscar la originalidad. Más vale hacer algo de calidad de principio a fin que no hallar un camino original para luego perderse en su desarrollo (sí, hablo de “Swiss army man”, pero eso es otra historia). Y aunque este film peque en algunos momentos de previsible, no desarrolle casi nada a sus personajes y esté coprotagonizado con bastante desgana por Gemma Arterton (que curiosamente, ha trabajado mejor y estuvo más entregada en blockbusters palomiteros como “Hansel y Gretel: cazadores de brujas”, “Prince of Persia: las arenas del tiempo” o “Quantum of solace”), se ve con agrado, te mantiene en tensión, empatizas con los personajes y encima tiene un final tan inesperado como sorprendente.

melal5   Parte de lo bueno de la película radica en dos de las mujeres del trío protagonista. Glenn Close se sale de su zona de confort habitual para mostrarnos a una científica militar muy cabrona. No es un témpano de hielo como sugieren sus primeras escenas, pero está dispuesta a todo con tal de ayudar a la humanidad, aunque sea matando a un grupo de chiquillos. Y la pequeña Sennia Nanua como Melanie también demuestra ser toda una estrella en ciernes y una actriz a la que habrá que seguir atentamente. Sin embargo, creo algo exagerado por parte la organización haberle otorgado el premio de mejor actriz, ya que realiza una grandísima interpretación pero no increíble, y porque una vez vista la película, no queda claro quién es más protagonista en el trío Close-Arterton-Nanua.

También es obligatorio destacar la fotografía, con muchos tonos marrones y anaranjados que le dan una estética especial tanto a los paisajes desolados como a los llenos de zombis, y las referencias directas a “El día de los trífidos” y “El señor de las mocas” e indirectas a “Mad Max: más allá de la cúpula del trueno” (referencias que han sido criticadas por algunos pero que a mí me han parecido un acierto).

En definitiva, “Melanie, the girl with all the gifts” y su más que probable horrible título que le pondrán cuando se estrene en España (voto por “La divertida niña caníbal pasea por el campo”), no innova y peca de un desarrollo algo previsible, pero se ve con agrado, presenta a un joven valor como es Sennia Nanua, demuestra que Glenn Close es capaz de adaptarse a todo, tiene las mencionadas referencias que aportan algo de diferenciación, posee un marcado carácter femenino y su final es de esos que cuesta de olvidar, entre agridulce y sorprendente; por tanto, recomendación absoluta.

 

LO MEJOR

  • Ver a Glenn Close fuera de su zona de confort habitual y comprobar una vez más que es un seguro de vida para cualquier producción.
  • El aire de cine independiente pese a ser un blockbuster.
  • El descubrimiento de Sennia Nanua.
  • Poder ver diferentes tipologías de zombis.
  • El inesperado final.
  • Las referencias directas o indirectas a clásicos del cine y la literatura.
  • Que el trío protagonista esté interpretado por mujeres.
  • Que volvamos a disfrutar en cines de una película Z de alto presupuesto.

LO PEOR

  • Un desarrollo algo previsible.
  • Carencia de algunas escenas más de acción.
  • Que Gemma Arterton no haya aprovechado esta oportunidad y parezca que sobre cuando está junto a Close y Nanua.
  • La planicie de casi todos los personajes.

LA ESCENA

  • La presentación de los niños en la base militar.
  • Los últimos diez minutos.

 

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Gestarescala

blog_Mar de tinta - 13 December 2016 - 1:43pm
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El río sin descanso

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 9): Hardcore Henry, de Ilya Naishuller

blog_ Athnecdotario incoherente - 12 December 2016 - 3:13pm

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Hardcore Henry
  • Año: 2.015
  • Duración: 95 min.
  • País: Rusia
  • Director: Ilya Naishuller
  • Guión: Ilya Naishuller y Will Stewart
  • Fotografía: Pasha Kapinos, Vsevolod Kaptur y Fedor Lyass
  • Reparto: Sharlto Copley, Danila Kozlovsky, Haley Bennett, Tim Roth, etc.
  • Productora: Bazelevs Production y Versus Pictures
  • Género: Acción

 

 

    En 2.013, un desconocido realizador ruso llamado Ilya Naishuller, dirigió el videoclip del tema “Bad motherfuckers” perteneciente a su propio grupo de rock indie, Biting Elbows, —enlace aquí—. El resultado fueron cinco minutos de pura adrenalina en los que veíamos cómo un tipo escapaba de un edificio con un objeto que permite teletransportarse, mientras era perseguido por decenas de sicarios. Disparos, explosiones, acción, artes marciales, carreras y saltos a lo parkour, violencia gratuita y mucho humor negro. Un resultado espectacular pero que no se habría convertido en viral de no ser porque estaba todo rodado en primera persona.

hh3   Tras el éxito del videoclip —casi sesenta millones de reproducciones entre YouTube y Vimeo— vinieron un par más en la misma línea y con ello una idea que le rondaba a Naishuller: el rodar la primera película en primera persona. O como se dice en jerga de videojuegos, un “first-person shooter”. Para plasmar su idea contactó con el director Timur Bekmambetov, defenestrado por la crítica por el nefasto remake de “Ben-Hur”, pero un tipo al que le atraen los retos y con una creatividad para la acción enormes, como demostró en ”Abraham Lincoln: Cazador de vampiros”, “Wanted: Se busca” y la reivindicable saga formada por “Guardianes de la noche” y “Guardianes del día”.

Con la producción de Bekmambetov y la dirección de Naishuller nació “Hardcore Henry”, un delirio de acción frenética que no da descanso. Y si bien la película fue estrenada en 2.015 —aunque nunca llegó a España—, y muchos ya la habían visto, lo cierto es que el pase del Auditori, en jueves y a las 16:45 (la hora “tonta” de después de comer), congregó a más gente de lo que podía imaginar.

No negaré que iba con miedo, puesto que no es lo mismo ver un videoclip de cinco minutos en este formato que una película entera. Si ya en ocasiones cansa el ver una película found footage, imaginad ese concepto llevado al extremo con un protagonista que prácticamente no deja de correr ni saltar durante todo el metraje. Y más en una sala con una pantalla de dimensiones épicas como es la del Auditori del Hotel Melià. Y con otro punto negativo como es el concepto mismo de película-videojuego, ya que no es lo mismo jugar a un videojuego que ver jugar un videojuego.

Sin embargo, reconozco que la experiencia acabó siendo emocionante y divertida; y a ello contribuye su sencilla pero atractiva premisa: “Henry despierta en un laboratorio sin recordar quién es. Tras un accidente, ha sido reconvertido en cyborg con aspecto humano por Stelle —Haley Bennett—, quien se presenta como su esposa. Sin tiempo a reaccionar y sin que se le haya podido instalar el módulo de voz, el laboratorio es atacado por Akan —Danila Kozlovsky—, un enigmático malo con poderes telequinéticos y su ejército de soldados, los cuales secuestran a Stelle. Henry entonces tendrá que huir y luchar por su vida mientras intenta recuperar a su mujer, siendo ayudado por decenas de tipos con la cara de Sharlto Copley”.

hh4    El desarrollo es simple: corre, salta, esquiva, dispara o golpea y mata. Igual que en un videojuego; pero el misterio de desconocer el pasado de Henry, el hecho de que el tal Jimmy —Sharlto Copley— no pare de morir ayudándolo y resucitando con otro aspecto y otra personalidad, el diseño casi de cómic del malo de turno, el humor presente y la aparición milimétricamente estudiada de clásicos del rock, convierten a “Hardcore Henry” en una puta obra maestra del cine de acción. Y ojo, tampoco diré que sea original, ni tan siquiera el videoclip de Biting Elbows lo es, puesto que ahí tenemos la genial escena en primera persona de “Doom” —Andrzej Bartkowiak, 2.005— en la que se homenajeaba al videojuego que presuntamente adaptaba, o el videoclip de The Prodigy, “Smack my bitch up” —1.997—; pero a día de hoy, “Hardcore Henry” lleva este concepto a un nuevo nivel y ya de paso, supera de pleno a las películas de acción que yo creía que eran la cumbre del frenesí y la locura, como son “Crank: Veneno en la sangre” y “Crank: Alto voltaje”.

Incluso aunque a alguien no le haya gustado, es imposible que no caiga rendido ante el virtuosismo técnico de toda la película. Los efectos especiales, carreras, saltos, coreografías, la ingente cantidad de extras que aparecen, la espectacular fotografía y montaje, etc., todo ello remite a una producción de una dificultad enorme y de la que me encantaría ver un making off. Pero no solamente se puede destacar el apartado visual, puesto que Sharlto Copley realiza un despliegue interpretativo que deja al mostrado en “Distrito 9” a la altura del betún, encarnando al menos diez personajes —llegó un momento en que perdí la cuenta—, cada uno de ellos con distintas personalidades, acentos y apariencia.

Hardcore Henry” es toda una experiencia que te deja pegado a la butaca.

 

LO MEJOR

  • Que el formato “first-person shooter” no cansa tanto como podía imaginar.
  • Sharlto Copley.
  • El cameo de Tim Roth.
  • El sentido del humor.
  • El creativo e inhumano despliegue técnico, al nivel o superior al del más caro blockbuster hollywoodiense.
  • La brutal fotografía y montaje.
  • El enfrentamiento final entre Akan y Henry.

 LO PEOR

  • Que el formato “first-person shooter” pueda ponerse de moda como pasó en su día con el “found footage” y empiecen a llegar mediocridad tras mediocridad.
  • No conocer el origen de Henry ni su destino tras el final de la película.
  • Quedarnos con la duda de la valía como director de Ilya Naishuller, en espera de que ruede una película “normal” con más diálogos y personajes.

LA ESCENA

  • La magistral secuencia inicial de créditos, combinando la elegancia de los créditos de las películas de James Bond con una violencia inaudita.
  • El baile entre Henry y los Jimmys (sí, en plural).
  • Toda la épica batalla final.

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 8): Frankestein island, de Jerry Warren

blog_ Athnecdotario incoherente - 12 December 2016 - 11:50am

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA
  • Título original: Frankestein island
  • Año: 1.981
  • Duración: 97 min.
  • País: USA
  • Director: Jerry Warren
  • Guión: Jerry Warren
  • Fotografía: Murray De Ately
  • Reparto: Robert Clarke, Steve Brodie, Cameron Mitchell, Katherine Victor, John Carradine, George Mitchell, etc.
  • Productora: Chriswar Films
  • Género: Terror, ciencia ficción, monstruos mutantes, caspa

 

https://www.youtube.com/watch?v=Vyqx-Nwa4vM

 

Visita a Brigadoon para ver un truñofilm. Lo cierto es que no conseguí acreditación para las películas que quería haber visto esa noche, pero aún así, pese a la caña de días anteriores conservaba energía para una dosis más, y teniendo en cuenta que todo lo proyectado en Brigadoon es gratis, pues para allí que fui. Aunque vamos, no es que me cueste mucho esfuerzo ver cine casposo.

Frankestein island” es una abominación audiovisual, con una premisa fruto de combinar sin pudor varios iconos del terror e ideas, un guión demencial, un desarrollo por momentos incompresible, interpretaciones nulas y un presupuesto casi inexistente. O sea, un maravilloso delirio y toda una joya que sólo podrán disfrutar los amantes de la caspa más avanzados, y que cuenta además con el dudoso honor de tener un 1.9 sobre 10 en la IMDB.

 fias3   “Un grupo de amigos aventureros realizan un viaje en globo cuando un accidente les obliga a aterrizar en una isla desconocida. Allí conocen a una tribu de mujeres amazonas que intentan sobrevivir al acoso y persecución de un par de viejos borrachos y un grupo de soldados de gran fuerza física, pero con las capacidades mentales mermadas para obedecer a sus amos. Los viejos llevarán a los amigos a una vieja mansión en la que vive Sheila Frankenstein, nieta del célebre doctor, que siguiendo la tradición familiar, trabaja en terribles experimentos.

    La doctora Frankestein intentará convencer a uno de los amigos que es médico para que le ayude a salvar a su anciano marido de doscientos años de edad y que se encuentra ya permanentemente postrado en la cama. Su marido, el doctor Van Helsing, cree que la clave para su recuperación está en mezclar la sangre de un humano sano al que tienen encarcelado con la de la tribu de amazonas, ya que éstas son descendientes de extraterrestres altamente avanzados que en tiempos pasados usaron la isla como base secreta en la Tierra.

  fias5  Mientras tanto, Sheila mantiene el cerebro intacto y con vida de su abuelo, el doctor Frankestein, y éste, tras alcanzar un nivel de conciencia elevado, es capaz de canalizar desde el más allá y desde el espacio poderosas energías que le permiten hablar, aparecer como un holograma y controlar todo lo que sucede en la isla y sus alrededores. Además, espera el momento en que su mejor creación, el monstruo de Frankestein original, que se encuentra atrapado bajo el mar cerca de la costa en una cueva subterránea, escape, y con la ayuda de su nieta y de Van Helsing, le sea reimplantado su cerebro en el cuerpo del monstruo y así pueda resucitar transformado en un ser inmortal de fuerza legendaria e inteligencia sin igual.”

WTF???????? ¿Cuántas drogas hay que consumir para idear una premisa de este tipo? ¡Y luego dicen que la saga “Sharknado” es una locura sin sentido! ¿Y esto qué es?

fias4   En fin, la cosa es que pese a la premisa deliciosamente absurda y delirante, la película tiene varios momentos de aburrimiento y largas escenas en las que no pasa nada con diálogos absurdos escritos para confundir al espectador, como la sobreactuada presentación del personaje de Cameron Mitchell, el preso al que usan como cobaya humana en los experimentos. Por fortuna, todo lo que se ven pantalla es de tan ínfima calidad (actuaciones, diseño de personajes, el monstruo de Frankestein, efectos especiales, decorados, la aparición de apenas un minuto del veterano John Carradine a pesar de ser nombrado en la carátula como el actor principal, etc.) que al final es imposible no echarse unas risas.

Concluyendo, sólo recomendable para amantes de la mierda con estética y sabor añejo o valientes que quieran introducirse en el submundo del cine de serie Z.

 

LO MEJOR (¿De verdad tengo que intentar sacar algo bueno de este mojonazo? ¿De verdad?)

  • La delirante y abarrotada de detalles premisa inicial.
  • Que pese a ser una producción de 1.981, tiene una estética y ambientación de los años 70 e incluso 60.
  • Que Katherine Victor como Sheila Frankestein tiene cierta clase y no lo hace del todo mal.

LO PEOR

  • Prácticamente todo.
  • Un desarrollo en algunos momentos aburrido.
  • La abultada trama da lugar a cierta confusión que por supuesto, no es explicada
  • Que para un único actor bueno que hay —John Carradine—, no aparezca más de un minuto y encima con su voz doblada.

LA ESCENA

  • La lamentable pelea entre los soldados y el monstruo de Frankestein contra el grupo de amigos protagonistas y sus aliadas amazonas.
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Akili

blog_Mar de tinta - 12 December 2016 - 11:28am
La evolución humana está a punto de cambiar para siempre. Todo lo que se sabía hasta ahora sobre el homo sapiens será rebatido. No se avanza hacia la prosperidad, sino hacia la destrucción total. Kazuaki Takano (Tokio, 1964) sorprende con esta novela en la que presenta a una humanidad al borde del colapso y el […]

La opinión de Soraya: Babujal, de Darío Vilas

blog_ Athnecdotario incoherente - 11 December 2016 - 3:14pm

Por Soraya Murillo

 

`Las paredes del pasillo parecieron separarse ante la mujer, invitándola a internarse en él hambrientas de su presencia, anhelantes después de tanto tiempo sin deglutirla  entre sus entrañas de piedra y saber…´

babujaldarPárrafos  así hacen a un escritor. Encontrarlos no es algo sencillo,  pero Darío nos dejó  maravillas de esta categoría, haciendo  que su Babujal sea para mí su mejor obra publicada hasta ahora. Siempre que puedo lo repito: la diferencia entre un escritor y quien intenta llegar a serlo, es esto, un par de frases a las  que igual no se dan importancia, pero que  la tienen y mucho. Es el trabajo bien hecho, la molestia que se tomó el autor por dejarlo bien escrito.

La historia de Babujal es una narración  valiente, como lo son  todas las que tocan el tema de la guerra civil española. No es sencillo para un escritor,  sabedor  de que hoy en día siguen habiendo dos bandos y que en ese aspecto,  los años no han pasado. Pero las historias deben de contarse y cada autor  intenta hacerlo según le  dicte la memoria de aquel tiempo y el corazón. Para eso es su novela.

Darío nos adentrara en el drama que vivió una familia de derechas, usando para ello tres partes diferentes. Empezando con una carta desde Cuba, una carta sencilla, pero será la clave de toda la historia.   El tiempo no se detiene y  llegamos a nuestra protagonista, que vive  en los años de la transición española afincada en París.  Recibirá una fatal noticia  que precipitará el regreso  al hogar de su infancia.  Los recuerdos  entre esas paredes nos transportaran a  cómo era la vida  de  aquellos que  mantenían el poder entonces, esa clase social que amparados  por quienes gobernaban,  se permitían  juzgar sin ser juzgados.

Mientras  Ana,  la protagonista,  regresa con su mente a ese lugar del pasado donde quedo marcada por una tragedia. Darío nos empujara hacia un nuevo escenario durante  la guerra civil, a un pueblo de Zaragoza, y allí sabremos que una frase tan simple como  `Del lado de Dios´, era la diferencia entre la vida y la muerte.

Una novela muy bien escrita, con páginas enteras  perfectas.  Leerlas es tal gozada que el libro va solo, no agota, no te distraes, simplemente quieres saber más.  Como ya dije, valiente.  He de ser sincera y reconocer que hay  algunas partes que me molestaron, pero eso no les resta valor ni al escritor ni al libro.  Al revés,  puede que eso lo haga más grande.

Todo comenzó en Cuba y más tarde en el desembarco de cuatro individuos en España,  dos hombres, una mujer. Y el Babujal…  O tal vez no.  Tal vez el Babujal ya vivía entre nosotros y ellos simplemente trajeron la palabra.

Sed valientes,  como lo fue el escritor y leedlo. Estáis ante el mejor libro de Darío Vilas.

 

Babujal

Darío Vilas

Editorial: Stella Maris

ISBN: 9788416541768

Páginas: 280 pág.

PVP: 19€ (también disponible en Amazon)

http://www.editorialstellamaris.com/titulos/babujal/

 

 

Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 7): Fantasticozzi, de Felipe M. Guerra

blog_ Athnecdotario incoherente - 11 December 2016 - 12:34pm

Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA
  • Título original: Fantasticozzi
  • Año: 2.016
  • Duración: 64 min.
  • País: Italia
  • Director: Felipe M. Guerra
  • Guión: Felipe M. Guerra
  • Fotografía: Martina Dreyer y Felipe M. Guerra
  • Reparto: Luigi Cozzi, Dario Argento, Eliseu Demari, Felipe M. Guerra, etc.
  • Productora: Fantaspoa Produções
  • Género: Documental

 

https://www.youtube.com/watch?v=P43dowfdaqU

 

El miércoles 12 hice doble visita a Brigadoon, y las dos fueron para encontrarme con la misma persona, el gran Luigi Cozzi. Tal y como expliqué en la crítica de “Blood on Melies moon”, el realizador italiano ha visitado el festival para presentar su última producción, y a su vez, la organización decidió proyectar en el mismo día este documental.

fatz4  Con dirección y guión del brasileño Felipe M. Guerra, “Fantasticozzi” —rodado en italiano— permite a Cozzi hablar de sí mismo, de su estrecha relación con Dario Argento, del modo de rodar cine de guerrilla y por supuesto, de su obra cumbre, “Starcrash: choque de galaxias“, una descarada explotation de “Star Wars”, icónica entre los amantes de la caspa y que supuso un enorme éxito mundial al contar con estrellas de talla internacional como Christopher Plummer, Caroline Munro y ¡¡David Hasselhoff!!

El documental también permite explicar al director su obsesión por la ciencia ficción y la fantasía. Ya desde la infancia le encantaban estos dos géneros y su sueño era convertirse algún día en director de este tipo de películas. Lo consiguió, pero a lo largo de cuatro décadas se ha enfrentado a presupuestos ajustados, productores mafiosos y mutilaciones de guión en contra de sus deseos. Su historia, contada a través de sus películas, es la historia de una lucha por rodar unos géneros en un país con poca tradición e interés en ellos.

fatz5   “Fantasticozzi” resume una docena de horas de entrevistas a Cozzi y muestra una gran cantidad de material de sus películas, en ocasiones inédito. Así, podemos ver muchos de sus desconocidos cameos como figurante o secundario en películas de Dario Argento o Mario Bava y se nos da a conocer la manera de trabajar en el cine low cost italiano de los 60 y los 70.

El resultado, pese a ser una única persona hablando todo el rato, es muy divertido y entretenido, ya que Cozzi siempre ha tenido un gran sentido del humor, y pese a que algunas de las cosas de las que habla son duras e incluso tristes, lo hace siempre de forma simpática.

Una buena forma de conocer los entresijos del cine italiano fantástico.

 

LO MEJOR

  • Conocer de primera mano de uno de sus referentes, el fantástico italiano del pasado siglo.
  • El humor y optimismo que siempre derrocha Cozzi.
  • Saber detalles hasta ahora desconocidos de Caroline Munro, David Hasselhoff y del rodaje de la mítica “Starcrash: choque de galaxias”.
  • Ver extractos de sus películas, algunas de ellas casi imposible de localizar.

LO PEOR

  • Que el documental esté protagonizado casi en exclusiva por él mismo y apenas salgan otras voces hablando sobre él.

LA ESCENA

  • Cualquier momento en el que Cozzi salga hablando de su obra cumbre, “Starcrash: choque de galaxias”.
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La Eterna Lucha: Una explicación de la existencia, de Carlos Mori

blog_ Athnecdotario incoherente - 9 December 2016 - 12:56pm

Buenos días, mis queridos Lectores Ausentes.

Hoy os traigo La Eterna Lucha: Una explicación a la existencia, de Carlos Mori,  una propuesta cuya premisa me ha parecido muy interesante, ya que de entrada, ofrecía al lector dos sustanciosos argumentos para generar mi interés. Por  un lado es  un ensayo inusual, cuyo leit motiv  manifiesta  unas claras inclinaciones filosóficas, utilizando la ciencia y la razón para intentar dar explicación a los misterios de la vida, siempre según las propias reflexiones de su autor y sus propias teorías, de las que ya hablaremos más adelante. Por otro, el salirse de la formalidad que supone el propio ensayo para intentar, a raíz de esas hipótesis que maneja, ilustrarnos sobre esos temas que siempre nos han fascinado, de forma supuestamente breve y en apariencia sencilla,  mediante varios relatos cortos que sirven como ejemplo práctico para intentar demostrar y hacer patentes esos conceptos y su significado, así como su supuesta correlación con las deducciones a las que ha llegado su autor.

lelm1¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿Hacia dónde vamos? Clásicas preguntas que la humanidad se ha hecho desde que apareció como especie y que los relatos que este libro contiene pretenden responder basándose en la unión de las últimas hipótesis que los científicos más reconocidos del mundo han elaborado en las últimas décadas.

Singularidad tecnológica; civilizaciones hiperavanzadas; realidades alternas; dispositivos futuristas; naturaleza humana; el sentido de la vida; el concepto del bien y del mal; viaje a otras dimensiones… Todos ellos, temas tratados en los relatos de este libro además de otros muchos, que harán que el lector se traslade a historias aparentemente inverosímiles pero a su vez también teóricamente posibles; historias que, conectadas entre sí, explican de una forma breve y concisa toda la existencia.

Las historias, llenas de matices y con un aura de  trascendentalidad que llega a lastrarlas en algún momento, suponen lo mejor de esta obra, ya que su base supone el adentrarse en lo mejor y más granado de las temáticas más peculiares y complejas de la ciencia ficción. Y digo que lo trascendental les pesa, porque si bien a nivel literario los relatos resultan complejos, pero verdaderamente deliciosos y elaborados, alejados de la simplicidad de la que en ocasiones adolece el género, las teorías  que se supone que representan y  que son la razón de su existencia, forman, según mi opinión personal, una amalgama de datos, hipótesis y demás ideario personal, que para los no iniciados en esos temas parecerá un batiburrillo difícil de digerir y que condicionan el propio relato para que el lector encuentre algo forzado y no según sus propias impresiones.

Sin entrar en la objetividad de los razonamientos de Mori, ni lo acertado o no de sus conclusiones, hay un abismo insalvable entre la parte de puro ensayo y los relatos. Tanto  el estilo como la forma de narrar cambian de forma inexplicable, siendo la primera parte de una calidad y nivel muy inferior a las historias.

No se trata de las diferencias inherentes en cada fórmula y formato. Es obvio que el ensayo cuenta con reglas muy distintas  a las que rigen la escritura de relatos. Lo que señalo es  que si bien Mori se descubre como un excelente autor de historias, no puedo decir lo mismo como ensayista. El autor intenta ser claro en sus aportes, explicando con paciencia y varios ejemplos prácticos lo que intenta comunicarnos. Aporta mucha información e incluso diversos enlaces a videos y otros soportes para ayudarnos a seguir el hilo, cosa que se agradece.

lelm2Pero es quizá justamente eso, el exceso de información, la mezcolanza de temas que une según su criterio, lo que llega a saturar al lector. Siendo un poco irónico y en coña (que nadie se ofenda), solo me han faltado los Iluminati, los Reptilianos y los Anukai para meterlos en la coctelera… Ojo, que Mori no es de los que tiran por magufadas y demás tonterías conspiranóicas, no me malinterpretéis. Nada más lejos de la realidad. Todo su trabajo se basa en teorías e hipótesis puramente científicas, descubrimientos y menciones estrictamente sólidas y serias, buscando siempre desde la razón y el conocimiento. El problema es que  incluso siendo fieles a la ciencia pura, las teorías son tantas y tan variadas, la complejidad de lo que emprende es tan enorme, que el pretender hacer uso de ellas, de forma encadenada, buscando nexos, implicaciones, causas y efectos,  mezclándolo para formar un todo que supuestamente de una explicación a esas cuestiones que nos plantea, puede parecer arrogante y desproporcionado. No dudo ni por un momento de sus razonamientos y de la lógica de su planteamiento, pero no deja de sorprenderme la seguridad de sus afirmaciones y de lo aparentemente “sencillo´´ que resulta para él el dar por hecho que todo tiene explicación y ser capaz de responder a esas cuestiones que los propios científicos, los expertos en cada materia, son incapaces todavía de dar por definitivas. Como opinión personal suya, como convencimiento e ideario propio, lo respeto y aplaudo, sin negarle cierto grado de afinidad entre mis propias creencias y algunas de las planteadas por él. Como planteamiento con el que intentar a ilustrar los demás, no. Al menos no de esa forma, haciéndoselo venir  según su criterio, aplicando lo que considera oportuno y descartando u obviando lo que no, ajustando aquí y allá para dar forma a una cosmovisión propia, pero en ningún caso definitiva,  ni de lejos.

En todo caso, a pesar de que la parte de ensayo no me ha convencido en absoluto y que flojea en cuanto a estilo, debo señalar que como digo, los relatos en sí mismos me han parecido magníficos, pura ciencia ficción especulativa de la buena, narrados con talento y que en su caso, si sirven para reflexionar y cuestionarse  cómo funciona el universo. Un nivel altísimo y tan solo por ellos mismos  podría interesaros conseguir el libro, aunque es cierto que el precio del ebook no ayuda y resulta un tanto elevado, siempre según mi opinión, en comparación con su versión en papel.

 

La Eterna Lucha: Una explicación de la existencia

Carlos Mori Costa

ISBN-10: 1530665256

ISBN-13: 978-1530665259

Amazon (Createspace)

Páginas: 192 pág.

https://www.amazon.com/Eterna-Lucha-explicaci%C3%B3n-existencia-Spanish-ebook/dp/B01DFPETKI

 

 

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La opinión de Soraya: Quién tiene miedo a morir, de Pedro Moscatel

blog_ Athnecdotario incoherente - 8 December 2016 - 1:10pm

Buenos días, amiguetes.

Hoy presentamos una nueva sección en el Athnecdotario. Es un placer para mi el inaugurar el rincón de nuestra nueva colaboradora Soraya Murillo, lectora ávida y amiga de esta casa, que a partir de hoy va a traernos sus impresiones sobre las lecturas que va devorando. Soraya no hace críticas, ni siquiera reseñas. Ella nos da su opinión, tal cuál, de las obras que ha leído. Y creo, queridos Lectores Ausentes, que no hay nada más honesto que eso. Sencillez, claridad y sin necesidad de retórica grandilocuente para aconsejarnos , según su criterio, aquellas lecturas que no debemos perdernos.

Quién tiene miedo a morir, de Pedro Moscatel (Por Soraya Murillo)

rs1Un editor de éxito  es secuestrado en su despacho y llevado al sótano de una cabaña. Su raptor  le irá leyendo un  paquete de folios que contiene  trece relatos de miedo, todos ellos relacionados de una forma  u otra con la muerte.

Amordazado y torturado, viviendo en carne propia una escena de lo que podría ser una versión de la famosa novela de Stephen King,  Misery,  el autor se convierte en oyente y su secuestrador le narrará los relatos contenidos en esas páginas. Ambos,  tal vez sin quererlo comparten algo en común, el amor por la lectura. Un vínculo con el que conectarán, aunque sin llegar al síndrome de Estocolmo,  pero sí logrando alcanzar una especie de tregua,  analizando las historias y las conclusiones que sacaron de ellas.  Aunque como ya dije, durará pocos momentos: la angustia, el miedo, el sentirse torturado y amenazado  invadirá cada página de la novela.

Las historias, siempre con la muerte del protagonista como eje central, comenzarán con una niña que ve y habla con los muertos, ya que todos sabemos que una manera de recordarlos  es  no dejar que se pierdan en el olvido.  Seguiremos con el lago Vostok  donde hay una clave para entender  lo que deseamos siga siendo un misterio.

Ignacio, así se llama  el secuestrador, seguirá  con una historia  rindiendo homenaje a la famosa novela  Guerra mundial Z, para pasar a la  siguiente, donde el protagonista será un terrorífico viaje que causó la toma de un ácido.

Continuaremos  leyendo, o más bien escuchando, cómo Ignacio relata con verdadera pasión  esas páginas arrugadas  que desea que el editor publique en su editorial, y para eso conoceremos el resto de relatos: Un personaje  que se rebela ante su creador; el misterioso caso de la viuda negra; un agente secreto que cambió su forma de ver el mundo por la muerte de alguien muy especial; el trauma de un hombre  cuando se encontró con la horrenda muerte de su madre… Incluso leeremos un corto de humor, pues la muerte a veces se esconde de diversas maneras y distintos rostros.

Niños en una tienda de comics que encontrarán  lo que creen que es la réplica de la máquina del tiempo de la gran raza de Yith.  Casi terminando las historias, con nuestro editor al borde de la muerte,  su captor le relatará las tres últimas : El microscopio en el que nadie, nadie, debe mirar lo que espera bajo su lente de aumento,  o  esa vivienda vacía que se abre cuando llamas a la puerta, para recordarte que eso no es posible que ocurra .

Finaliza con  la historia más larga de todas y la que da título al libro, donde el protagonista entiende que cuando la muerte llega se pierde el miedo a morir.

Bueno,  el secuestrador ya terminó de leerle los trece relatos a un editor desangrándose, pero… Pues sí,  siempre hay un pero. Nos queda el final: ¿Quién escribió esos relatos? No, no fue el captor. Yo nunca dije que fuese él. Dije en todo momento que los leía, que es muy diferente.

Os tocará haceros con esta tremenda novela  para saber tres cosas: la primera lo que es leer trece buenísimos relatos. La segunda,  a temer más que nunca a la muerte. Y la  tercera, descubrir qué interés tenía el secuestrador en que se publicaran esos relatos que no le pertenecían.

Leedla y entenderéis.

 

Quién tiene miedo a morir

Pedro Moscatel

Editorial: Saco de huesos

Código identificativo: SAN-023

PVP: 14€

http://sacodehuesos.com/a-sangre/quien-tiene-miedo-a-morir

 

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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 6) Cine Basura: La peli

blog_ Athnecdotario incoherente - 8 December 2016 - 12:17pm
Por Albert Sanz

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FICHA TÉCNICA
  • Título original: Cine Basura: La peli
  • Año: 2.016
  • Duración: 88 min.
  • País: España
  • Director: Paco Fox y Miguel Ángel Viruete
  • Guión: Fernando Hugo y Rodrigo Blanco
  • Fotografía: Christina Moerrath
  • Reparto: Paco Fox, Miguel Ángel Aijón, Natalia Alvarez-Bilbao, Agustín Jiménez, Amarna Miller, etc.
  • Productora: Pecker Audiovisuals
  • Género: Caspa, comedia, ciencia ficción, fantasía, acción, videojuegos

 

https://www.youtube.com/watch?v=jncwDmjPfcA

 

En el anterior artículo os hablé del programa de televisión que se emitía en Canal + Xtra llamado “Cine Basura” y de sus ediciones en directo durante el festival. Os remito a esa entrada para que podáis entender la génesis de este proyecto. Y es que si te pasas muchos años hablando de y analizando aberraciones audiovisuales, al final pueden ocurrir dos cosas: que enloquezcas o que quieras ponerte a dirigir una película mala.

Y esto último es lo que le pasó a Paco FoxMiguel Ángel Viruete —hermano de José Viruete, co-creador de “Cine Basura”—, que al final su nivel de casponita interior creció hasta tal punto que amenazaba con destruir el continuo espacio-tiempo, por lo que se pusieron manos a la obra para traer al mundo “Cine Basura: La peli”, todo lo que los fans de la roña visual anhelábamos que sucediera. ¡Por fin una película casposa española!

Y así fue como nació gracias a una campaña de crowfunding este entrañable ñordo que contiene todo lo negativo que se le puede achacar al cine de serie Z o cine casposo, pero que también ha sido hecho con amor y con mucho más esfuerzo de lo que uno pueda imaginar.

sf4“Dos video bloggers tienen un accidente tecnológico casero, por el cual se abre un portal dimensional que les absorbe y les hace aparecer en medio de la mítica película de serie Z “Manos: The hands of fate”. Tras sobrevivir como pueden, consiguen volver su dimensión. Lejos de estar tranquilos, al regresar comprueban como la cutrez ha invadido el mundo amenazando con destruir el universo. Todo lo que es habitual en el cine casposo se está mostrando en la realidad: zombis, ninjas, dinosaurios, freaks de todo tipo, cromas horribles, F/X de saldo, etc.

Los dos video blogger con la ayuda de una amiga deberán, usando sus vastos conocimientos de cine malo, salvar a la humanidad y al universo de la invasión de la cutrez.”

Sencillamente brillante. Esta genial premisa sirve para hacer un alocado homenaje al cine de serie B y Z; así que la cosa es más profunda y seria que la de “una comedia chunga más”. En verdad, destila amor y pasión por una forma de hacer cine basada en la carencia de talento y presupuesto (no siempre, que también existe la caspa de altos vuelos), pero ojo, que aunque yo esté en contra de la existencia de la caspa intencionada, también admito que hacerlo de este modo, en plan homenaje con referencias continuas, un equipo de gente no profesional y contando con un presupuesto limitado, tampoco puede ser tan fácil.

Y es que el resultado final de los guionistas Fernando Hugo y Rodrigo Blanco y los directores Paco Fox y Miguel Ángel Viruete ha acabado siendo muy divertido y no tan horrendo como podría parecer. Hay mil y unas referencias, tenemos cameos de personalidades del mundo de la caspa española y de la adorable actriz porno Amarna Miller, Natalia Alvarez-Bilbao, que además de pibonazo es una buena actriz, pese a haber rebajado su nivel interpretativo para la ocasión se le sigue notando un enorme carisma escénico (o dicho a modo de “ranciofact”: “enamora a la cámara”) y Paco Fox sorprende, porque aún no actuando y haciendo de Paco Fox, no pierde chispa y se le ve cómodo en la situación. Todo lo contrario a Miguel Ángel Aijón, el otro coprotagonista, que pese a mostrar química con sus compañeros, no destaca mucho por sus habilidades interpretativas (pero que hablando de cine casposo puede decirse que esto es una virtud).

sf3  Sin embargo, la película muestra un problema de fondo, y no tengo muy claro si es la falta de experiencia en un proyecto de esta índole o si ha sido algo buscado, y es que la cantidad de referentes que aparecen forman parte de chistes, gags, secuencias cómicas o como queráis llamarlo, y parece que la risa deba aparecer por acumulación de chorradas y no porque éstas sean graciosas de verdad. O sea, que si al final hiciéramos un listado de todos los momentos cómicos, veríamos que no nos hemos reído con tantos. Pese a esto, es imposible no mencionar la escena en que el trío protagonista se introduce en un videojuego de aventura gráfica noventera tipo “Day of the tentacle”. Una escena de animación con un nivel técnico notable y que hace gala de un humor ingenioso. Lástima que la cinta no haya podido mantener ese nivel de comedia como lo mostrado en la mencionada escena, aunque por otra parte, si lo hubiese conseguido estaríamos hablando de una comedia que pasaría a los anales de la historia por su calidad, y se supone que eso no debe suceder si estamos hablando de cine cutre.

También podría achacar como algo negativo la cantidad de referentes que aparecen y que no siempre son muy evidentes, lo cual obliga a tener que ver la película más de una vez. Pero también es cierto que la persona que se acerque a un producto de este tipo es porque le mola el rollo y tiene la resistencia suficiente como para repetir, por lo que podría considerarse como positivo el hecho de que la película te obligue a repetir su visionado.

En conclusión, sus creadores han conseguido un bonito homenaje al cine cutre y que pese a su alocado desarrollo, el humor por acumulación de gags y querer imitar a lo peor de ese cine, ha terminado siendo un proyecto ni tan cutre ni tan malo, demostrando que hay madera en ese equipo de guionistas y directores para intentar acometer en un futuro un proyecto “más serio”.

Aunque como amante de la caspa, no sé si es lo que querría que sucediera.

 

LO MEJOR (¿De verdad tengo que intentar sacar algo bueno de este mojonazo? ¿De verdad?)

  • La premisa explicada en la sinopsis. Absolutamente brillante.
  • Natalia Alvarez-Bilbao.
  • La siempre adorable presencia de Amarna Miller.
  • La cantidad de referencias y homenajes.
  • Los cameos de personalidades relacionadas con la caspa española.
  • Que Paco Fox haga de Paco Fox en una película con argumento y aún así quede divertido y natural.

LO PEOR

  • Las referencias y homenajes no siempre son tan evidentes, por lo que obliga a verla más de una vez.
  • Diálogos ridículos y efectos especiales lamentables.
  • Que el humor funcione por acumulación de gags en vez de centrarse en unos cuantos menos mejor trabajados.
  • Que como buena película española, no haya la consabida escena sexual.

LA ESCENA

  • Los protagonistas dentro de un videojuego.
  • La ingeniosa aventura en “Manos: The hands of fate”, combinando planos de la misma película con otros que la recrean.
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La barca del tiempo

blog_Mar de tinta - 7 December 2016 - 2:03pm
“La barca del tiempo” es una antología que recorre la prolífica obra de esta gran autora uruguaya, Cristina Peri Rossi. En orden cronológico, tenemos una selección de poemas extraídos de sus libros, los más antiguos publicados en el año 1971 en su famoso “Evohé” hasta los más recientes que datan de 2015. Más o menos […]

Futuros Perdidos, de Lisa Tuttle

blog_ Athnecdotario incoherente - 6 December 2016 - 4:07pm

Buenas tardes, mis queridos Lectores Ausentes.

Acabo de terminar Futuros Perdidos, de Lisa Tuttle y debo decir que a pesar de que a la novela se le ven algunas costuras, que la protagonista hay momentos que te gustaría que la atropellase un camión de la basura o algo (el victimismo y la debilidad de carácter de la protagonista me ponía de los nervios) y que en cierto modo el final me ha resultado un tanto precipitado (buscando la salida fácil), sigue pareciéndome una de las propuestas más curiosas, inquietantes y estimulantes que he leído en referencia a los universos paralelos y realidades múltiples y alternativas.

ltfpgUna exploración metafísica del jardín de los senderos que se bifurcan.

Clare Beckett es una mujer madura acosada por las consecuencias de una negligencia juvenil, y sueña febrilmente con escapar a un mundo en el que las cosas hubieran sido diferentes. Pero sus sueños son tan vívidos que llega a experimentar otras vidas, futuros perdidos que ponen en entredicho su cordura…

Futuros perdidos propone un viaje de exploración al interior de la conciencia en uno de los vehículos narrativos de mayor calado filosófico: la posibilidad de explorar el árbol probabilístico de la teoría de los muchos mundos y acceder a otras líneas argumentales de nuestra propia vida.

El estilo de Tuttle es ágil y fluido, con un ritmo que va a más a medida que avanza la trama, sin buscar realmente alcanzar un clímax cómo tal, sino  prefiriendo que nos sorprendamos por nosotros mismos ante lo que nos propone y dejando que sea la propia historia quién marque las pautas. Todo ello con una prosa que no deja lugar a florituras innecesarias, pero bien elaborada y con un tono premeditado que le sienta de fábula a lo que nos quiere contar. Algunos cambios de escena  un tanto precipitados al principio, en los primeros saltos de conciencia del personaje, pueden resultarnos un tanto  abruptos, sin una transición clara entre una y otra, hasta que entramos en la dinámica y comprendemos lo que pasa: es justo lo que la autora pretendía, contagiarnos la incertidumbre e incomprensión ante lo que ocurre, tal y como le sucede en un principio a la protagonista. Lo que en un primer momento puede parecer un error, se descubre cómo un total acierto cuando la historia avanza, dotándole de una atmósfera onírica y un tanto surrealista, en la que la protagonista (y nosotros mismos) somos incapaces de afirmar con certeza si todo es real o no, si estamos en nuestra vida o en una de las posibles variantes a esta, arrastrándonos poco a poco hasta hacernos dudar de su cordura.

Sin llegar a ser una novela de terror (navega a medio camino de la ciencia ficción y la fantasía), si coquetea con él de forma descarada, sobre todo con esos momentos de angustia extrema que sufre su protagonista al aparecer en una vida que no es la suya, pero que si lo es… El descenso a la locura, la obsesión por encontrar una realidad perfecta, la negación de aceptar quien es ella y cómo ha vivido su vida ni las decisiones que ha tomado, la incapacidad de cambiar lo que no le gusta por sí misma, prefiriendo suplantarse en otras vidas que envidia y que no fue capaz de asumir o provocar en su momento cuando tuvo oportunidad,  buscando una salida y escapar fuera de su propia realidad…

Uno no puede evitar reflexionar ante lo que se nos propone en la obra. La infinidad de puertas que se abren a cada segundo: ¿Y si hubiera salido del trabajo treinta segundos más tarde? ¿Y si se me hubieran caído las llaves antes de entrar en casa? ¿Y si la hubiera besado? ¿Qué habría cambiado en mi vida? ¿Dónde estaría hoy? La propuesta de Tuttle es tan interesante como incognoscibles las cuestiones que entraña y es justo por eso que me resulta tan fascinante.

fplt2El Efecto Mariposa es algo que escapa a esas doscientas seis páginas que tiene la novela y el solo centrarse en decisiones, en teoría vitales, obviando los pequeños detalles que pueden parecer triviales, aquellas elecciones casi inconscientes y que se acumulan a lo largo del día, (pero que en mi opinión tienen la misma repercusión y trascendencia que cualquier otra decisión o elección consciente), es quizá lo único que he echado en falta en esta lectura. Por todo lo demás, una delicia inquietante, una especie de Alicia en el país de las maravillas, llevado a otro nivel, en que uno toma conciencia de algo que ya sabe, aunque no lo tenga presente: tu vida es tan terrible como quieras que sea y donde TÚ, como individuo pensante, creas tu propia realidad IMPROVISANDO segundo a segundo, desde que naces hasta que mueres, sin saber si hiciste la elección correcta o si de algún modo, todas ellas lo son, de una forma u otra. Es el camino el que te hace ser quien eres, y para bien o para mal, tú creas a su vez ese camino.  Cuestiones trascendentales, filosóficas,  que dan para horas de charla rodeados de amigos, entre copas y cigarrillos, para no llegar a ninguna parte ni a ninguna conclusión. Pero creo que es de esas cosas que no solo son recomendables de vez en cuando, sino verdaderamente necesarias.

Si podéis, metedle mano a la novela. Hacedme caso, lo agradeceréis.

 

Futuros Perdidos

Lisa Tuttle

Editorial: Gigamesh

ISBN: 9788416035540

Páginas: 224 pág.

PVP: 18:00€

http://tienda.cyberdark.net/futuros-perdidos-n249566.html

 

 

Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 5): Double Dragon, de James Yukich

blog_ Athnecdotario incoherente - 4 December 2016 - 10:30am

Por Albert Sanz

 

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FICHA TÉCNICA
  • Título original: Double Dragon
  • Año: 1.994
  • Duración: 96 min.
  • País: USA
  • Director: James Yukich
  • Guión: Paul Dini, Neal Shusterman, Michael Davis y Peter Gould
  • Fotografía: Gary Kibbe
  • Reparto: Robert Patrick, Mark Dacascos, Scott Wolf, Julia Nickson, Alyssa Milano, Al Leong, etc.
  • Productora: Greenleaf Productions
  • Género: Acción, artes marciales, mundo post apocalíptico, fantasía, comedia, videojuegos

 

 

Cine Basura fue un programa de televisión que se emitió durante dos temporadas y media en Canal+ Xtra, canal de la famosa plataforma privada con una programación más bien alternativa y que no tenía cabida en otros canales. Cine Basura emitía una película considerada mala y normalmente de bajo presupuesto; vamos, lo que comúnmente se llama cine casposo: ese tipo de cine que pese a que sea tan malo no puedes evitar reírte con él y que parece estar de moda en la actualidad gracias al éxito de la televisiva saga “Sharknado”. El programa estaba presentado por Paco Fox y José Viruete, creadores de los famosos blogs “Vicisitud y Sordidez” y “Viruete”, y que forman parte de un conjunto de webs españolas dedicadas a analizar los peores y más ridículos aspectos de la sociedad, con preferencia por el cine, la música, la cultura y la bollería que no triunfó en los 90. Tenía, además, una particularidad, y era el que durante la emisión y manejando el botón de audio del mando del descodificador, se podía acceder a la versión comentada en directo por Fox y Viruete más un invitado especial. La similitud en planteamiento con el mítico programa americano “Mystery Science Theater 3000” es más que evidente (tres personajes están sentados en un cine viendo una película cutre mientras no dejan de hablar y destriparla, y el espectador ve la película con las siluetas de estos personajes y su fila de butacas), pero la simpatía de la pareja, sus ocurrentes comentarios y el infranivel de las mierdas emitidas hacía de ello una experiencia divertida. Experiencia que también se trasladaba al mundo virtual, puesto que a través de la web de la plataforma era posible ver la retransmisión de forma gratuita y participar simultáneamente en un chat comentando las aberraciones vistas en directo.

Cosas de decisiones empresariales, Cine Basura se fue… a la basura, dejándose de emitir. Sin embargo, impactó tanto entre sus fans que llegó a crearse un blog llamado “CineBasura Fans” en el que publican una película chunga que esté subida a YouTube, convocan en un día y una hora a los seguidores y vía FaceBook se inicia el chat rajando de la misma en directo.

De todas formas, como Leticia Sabater, Aznar, Felipe González o King Africa, el cine mierdoso, como la mierda misma, tiende a flotar y dar un toque de atención de tanto en tanto, así que Fox y Viruete tienen material de sobras para poder realizar su programa por toda la eternidad, y desde hace unos años, el festival de Sitges acoge a “Cine Basura en directo”, la versión con público del programa, con notable éxito y que nos permite apreciar que la capacidad improvisadora y de entretenimiento de Fox y Viruete no merma teniendo a varios cientos de personas delante.

A día de hoy, Canal+ ya no existe al haber sido absorbido/mutado/comprado/transformado o lo que sea en Movistar+, y aunque Cine Basura no haya vuelto a la pequeña pantalla, los nuevos directivos no se han olvidado del éxito y originalidad de su versión en directo, por lo que aprovechando la infraestructura del creado el año pasado Espacio Movistar en el paseo marítimo al lado de la icónica iglesia de Sitges, “Cine Basura en directo” sigue siendo un punto de encuentro anual entre los que amamos las experiencias audiovisuales más costrosas.

La película seleccionada en esta ocasión fue “Double Dragon” que adaptaba el videojuego del mismo nombre. Fue un gran éxito de taquilla en el 94 —en USA, porque aquí no la recuerda nadie— debido a que por aquel entonces, las majors de Hollywood no veían el potencial en los cómics y videjuegos, pese a que todavía no existía un pirateo salvaje y las ventas de ciertos títulos se contaban por millones, y era muy raro ver en cines una película adaptando un videojuego. De hecho, no pondría la mano en el fuego, pero juraría que ésta fue la primera adaptación de un videojuego realizada  en Hollywood. Y para que os hagáis una idea de su “enorme” calidad, no está editada en España en DVD ni BluRay. ¡Es que ni siquiera la ha editado ninguna de las distribuidoras piratas que pululan por nuestro país!

ddd4  El videojuego japonés apareció en 1.987 para máquinas recreativas y rápidamente fue adaptado a las principales plataformas, dando lugar a dos secuelas y un remake en 2.012, y es considerado a día de hoy como uno de los grandes clásicos de los videojuegos de acción. Era del tipo “beat’em up”, o lo que es lo mismo, hay que manejar a un personaje de izquierda a derecha eliminando hordas de enemigos hasta llegar a los jefes de final de fase. Su argumento es el siguiente: “En el año 1.999 el mundo ha sido devastado tras una guerra nuclear y la violencia impera en las calles de USA. Una de las bandas más violentas son los Black Warriors, pero los gemelos Billy y Jimmy, entrenados en el letal arte marcial sousetsuken, están ayudando a los habitantes de su ciudad a defenderse de las bandas, recibiendo así el apodo de Double Dragon. Marian, novia y alumna de Billy, es secuestrada por los Black Warriors, y los gemelos deben ir a salvarla a la base de éstos, teniendo que atravesar antes un territorio infestado de bandas callejeras de todo tipo, hasta enfrentarse al temible Willy, líder de los Black Warriors”.

Pese a que la historia tuvo algunos cambios según el país, a grandes rasgos es esta. La sinopsis de la película, en cambio, dice así: “Hace cientos de años, en China, un mago creó un amuleto que otorgaría poderes increíbles a su portador, pero al darse cuenta del mal uso que podría llegar a tener, decide partirlo en dos y esconder cada una de sus partes. A finales de los 80, los Estados Unidos son destruidos por una serie de catástrofes climáticas. Una década después, los ríos y mares están contaminados, la pobreza y el índice de criminalidad se han disparado y la policía sólo trabaja de día, siendo la noche el momento en que las bandas callejeras toman el control. Los hermanos Jimmy y Billy Lee, expertos en artes marciales, sobreviven en ese infierno bajo la tutela de su mentora Satori, la cual posee una de las mitades del medallón —la que actúa sobre el físico y la fuerza—. Cuando Satori es asesinada por Koga Shuko, un multimillonario que ansía convertirse en el rey de New L.A., que posee la otra mitad —la que actúa sobre la mente y el espíritu— y que ha juntado a casi todas las bandas, los hermanos deberán intentar sobrevivir en una peligrosa ciudad en la que no hay ni un rincón donde esconderse. Pero serán ayudados por Marian, líder de los Power Corps, banda que no se ha unido a Koga Shuko y que intenta devolver la justicia a las calles cuando la policía no puede actuar”.      

Como podéis ver, el parecido entre videojuego y película es mínimo. Además, la productora ya se aseguró que la película no mantuviera el nivel de violencia del juego para poderla orientar a un target adolescente; por lo tanto, nada de prostitutas saltimbanquis que atacan con látigo; en su lugar tenemos a Linda Lash —Kristina Wagner—, mano derecha de Koga Shuko —Robert Patrick— manejando el látigo con un traje de ejecutiva negro y estiloso. Y claro, si hay contentar a la chavalería, pues siempre podemos meter escenas de persecuciones de coches porque como todo el mundo recuerda, en el juego “Double Dragon” “habían” espectaculares fases de conducción.

Las interpretaciones son ridículas y sobreactuadas. Robert Patrick como Koga Shuko es cierto que tiene la pose y elocuencia de los grandes villanos megalomaníacos, pero no puedes tomar en serio ni uno sólo de sus diálogos. Mark Dacascos y Scott Wolf como los hermanos Jimmy Lee y Billy Lee respectivamente, no cuelan de ningún modo como hermanos, ya que el primero, a pesar de ser hawaiano, tiene unos marcados rasgos orientales que contrastan con las pintas de adorable chico blanco americano de Wolf, el cual, por cierto, no demuestra en ningún momento que sepa artes marciales. Y además, son mucho más jóvenes que los protagonistas del juego. Alyssa Milano tampoco es creíble en su papel de Marian, la líder de los Power Corps, más que nada porque cuesta mucho creer que su padre sea el director de la policía de New L.A. y no se haya enterado de que su hija es la jefa de una de las principales bandas de la ciudad. Los efectos especiales tampoco ayudan mucho a la película, habiendo secuencias infográficas que ya en esa época parecían horrendas y otros efectos, como la transformación de Koga Shuko en una sombra letal, que parecen hechos en dibujos animados por un crío de cinco años.

No obstante, no todo es malo, o mejor dicho, no todo es tan terriblemente malo. La estética en plan cómic está muy lograda; el ambiente apocalíptico a lo “Mad Max” queda bien integrado en zonas urbanas; las diferentes bandas tienen cada una un look diferente entre sí similar a lo visto en videojuegos (aunque el aspecto de “grafiteros-hiphoperos super happy” de los Power Corps es bastante lamentable); hay algunas referencias directas al juego en forma de varios personajes; y la idea de un país divido entre el día y la noche, con su respectivo toque de queda, resulta interesante.

Pero si algo consagra a “Double Dragon” como un enorme truño casposo, es la inclusión de un sentido del humor cansino e infantiloide, apto sólo para niños menores de seis años, y que se manifiesta en que cada vez que los protagonistas se topan con un enemigo peligroso, se miran entre sí gritando con la boca abierta, vuelven a mirar al malo gritando con la boca abierta… y se van huyendo gritando con la boca abierta. Tal y como lo explico suena ridículo, pero en verdad, el efecto es aún peor cuando aparece en pantalla.

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El director James Yukich no es que haya triunfado en el cine precisamente, y es que con un currículum como este no es como para recibir muchas oportunidades, pero con el tiempo se acabó introduciendo en la industria musical y trabajando con gente del nivel de Bonnie Raitt, David Bowie, Crosby, Stills & Nash, Michael Jackson o Genesis, y siendo el director del galardonado documental-concierto de Iron Maiden, “Live after death”; así que parece que la cosa no le ha ido nada mal. Robert Patrick no es que tenga un currículum muy notable, pero su papel del peligroso T-1.000 en la mítica “Terminator 2: El juicio final” lo convirtieron en un icono del cine fantástico. Y acabó revalidando su calidad actoral convirtiéndose en uno de los protagonistas de las últimas temporadas de “Expediente X”. Marc Dacascos y Alyssa Milano también poseen unas carreras con altibajos, pero de tanto en tanto llaman la atención por participar en algún proyecto serio, o cuanto menos, importante, como “Agentes de S.H.I.E.L.D.”, “El pacto de los lobos”, “Melrose Place” o “Embrujadas”. Y bueno, Dacascos siempre estará en nuestros corazones por dos motivos: haber sido mencionado en “Torrente 2” y protagonizar “I am Omega”, una de las mayores aberraciones de la historia de la productora The Asylum. Aunque el que peor suerte haya tenido es Scott Wolf. Un vistazo a su ficha en IMDB ya denota que trabajo en televisión no le ha faltado, pero aún siendo uno de los protagonistas de la famosa serie “Cinco en familia”, su carrera ha ido dando tumbos en forma de cameos o apariciones de un solo capítulo; y cuando se incorpora al remake de “V” en calidad de coprotagonista (y haciéndolo muy bien, en verdad), va y cancelan la serie.

El visionado en directo fue de lo más divertido. Paco Fox estuvo en esta ocasión acompañado por Oso, director y redactor de la web Cine Cutre, Toni McGuinty, actor y humorista y Miguel Ángel Aijón, actor, guionista y coprotagonista de “Cine Basura: la peli”, y sus comentarios hicieron reír sin parar a los 125 asistentes que abarrotaron el Espacio Movistar. No sé de dónde sacaron la copia exhibida, porque era curioso que en momentos en que los presentadores se callaban, podía escucharse a la vez la versión original y la doblada. Curioso, porque en YouTube es posible encontrar con una calidad decente la versión doblada al español. Otro detalle que añade caspa al asunto, aunque a mí me puso algo nervioso, es que, si habéis estado en el Espacio Movistar, habréis visto que es una carpa negra en forma de semicírculo hinchable. Pero es que la pantalla también es hinchable, y claro, como la noche fue algo fría y soplaba un poco de aire, la pantalla se movía de adelante a atrás y a veces hacía un efecto ondulante.

En definitiva, si sois amantes de la caspa, “Double Dragon” se disfruta un montón. Si no lo sois, es imposible no reír y pasarlo bien con los chicos de “Cine Basura” comentando en directo ésta o cualquier otra película. Por lo tanto, os recomiendo el visionado de cualquier locura que programen el año que viene. ¡Y por cierto, la asistencia es gratis y regalan palomitas y refresco por la patilla!

 

LO MEJOR (¿De verdad tengo que intentar sacar algo bueno de este mojonazo? ¿De verdad?)

  • La idea de un estado controlado por la policía y las bandas según el horario.
  • Marc Dacascos.
  • La estética comiquera.
  • El apocalipsis de “Mad Max” en un entorno urbano.
  • Es muy dinámica y no le falta acción.
  • La química entre Scott Wolf y Mark Dacascos.
  • Que uno de los secundarios sea Al Leong y no muera.
  • Lo bien que le queda el pelo corto y rubio a Alyssa Milano.

 

LO PEOR

  • Que la trama no se parezca en casi nada a la del videojuego.
  • Las interpretaciones lamentables.
  • Los diálogos ridículos.
  • Los efectos especiales, lamentables y ridículos.
  • Que en ningún momento los hermanos Lee den la sensación de ser superluchadores.
  • Que Scott Wolf en ningún momento dé la sensación de saber algo de kárate.
  • Que se distancie tanto la película del videojuego disminuyendo la violencia original y añadiendo un humor infantiloide.
  • Que la comedia, además de ser muy infantil, tenga que expresarse siempre mediante los protagonistas mirándose y gritando.

LA ESCENA

  • Cuando aparecen los títulos de créditos y sabes que ya se ha terminado el sufrimiento (o diversión, según tu nivel de casponita interior).

 

 

Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 4): Blood on Melies moon, de Luigi Cozzi

blog_ Athnecdotario incoherente - 4 December 2016 - 9:39am

Por Albert Sanz

 

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Blood on Melies moon
  • Año: 2.016
  • Duración: 125 min.
  • País: Italia
  • Director: Luigi Cozzi
  • Guión: Luigi Cozzi y Giulio Leoni
  • Fotografía: Francisca Padilucci
  • Reparto: Luigi Cozzi, Sharon Alessandri, Barbara Magnolfi, Dario Argento, Lamberto Bava, David Traylor, etc.
  • Productora: Profondo Rosso
  • Género: Histórico, suspense, metacine, documental

 

 

Luigi Cozzi, también apodado como Lewis Coates, es un viejo conocido del festival. Es, además, una de las figuras claves del fantástico italiano. Y cómo no, su mítica “Starcrash: choque de galaxias” se considera como una de las cumbres del cine casposo, a la altura de otras inframierdas históricas (tan horrendas que no pueden considerarse ni como mierdas) como “Manos: The hands of fate”, “Troll 2” o “Plan 9 del espacio exterior”.

Cozzi formó parte del gran cuarteto italiano del fantástico europeo de los 70 y 80 junto a Lamberto Bava, Mario Bava y Dario Argento. Además de su citada epopeya sci/fi, también tenemos otras joyas de la caspa como son “Contaminación: Alien invade la Tierra”, “El desafío de Hércules” y “Las aventuras de Hércules”, así como un muy destacable y tenso giallo llamado “L´assassino è costretto ad uccidere ancora”— y conocido en el mercado internacional con el título de “The killer must kill again”—.

Tras veintisiete años sin dirigir nada, ha decidido volver al ruedo. Sin embargo, su nombre no ha dejado de estar en boca de ningún aficionado durante todo este tiempo. Festivales dedicados al fantástico y la serie B y Z acostumbran a pasar sus películas —en especial “Starcrash: choque de galaxias”—, en Sitges es habitual verle por formar parte de documentales sobre el cine de género italiano, e incluso, este mismo año y en el mismo día de la proyección de la película de la que voy a hablaros, se estrenó el documental “Fantasticozzi”, dedicado a analizar su carrera, ambos dos en Brigadoon, por supuesto.

Durante todo este tiempo ha escrito varios libros sobre temática cinematográfica y regenta junto con su amigo y mítico realizador Dario Argento la tienda “Profondo Rosso” en Roma; la Meca para cualquier aficionado a la serie B, al cine fantástico y de terror y a la cultura más underground, y la cual posee un sótano llamado “Museo de los Horrores de Dario Argento”, donde el propio ídem narra con su voz escenas clave de sus películas, y en el cual hay objetos y partes originales de sets de rodaje de las mismas.

Toda esta introducción debería estar incluida en la crítica del mencionado documental “Fantasticozzi” que podréis leer en breve aquí, pero era necesaria para tener en cuenta lo mucho que ama y que conoce Cozzi el cine fantástico europeo y entender los motivos para hacer esta película.

as3   Y ahora vamos a por la sinopsis. Pero antes de ello, avancemos conclusiones: es un truño. Un sincero y hermoso homenaje a los pioneros del cine, sin duda, pero realizado de tal modo que dan ganas de arrancarse los ojos con una cucharilla de café hirviendo o suicidarse escuchando en bucle la discografía de Pitbull —colaboraciones incluidas—. ¡¡Y esto os lo dice alguien que considera a “Sharknado 3” la mejor película de esta década!! Y no me duelen prendas al reconocer que he necesitado echar mano de otras webs y blogs no para intentar entender la película, sino para poder escribir una simple sinopsis. Y es que al bueno de Cozzi no se le puede negar la ambición por crear un producto la mar de complejo ajeno a todo concepto mainstream. Vamos allá: “En 1.890, el inventor francés Louis Le Prince, tras patentar una máquina que permite proyectar imágenes en movimiento, desaparece en extrañas circunstancias sin que nunca se sepa qué paso con él y con su invento. Cinco años después, los hermanos Lumière patentan en Lyon una máquina muy similar a la que llaman “el cinematógrafo”: un punto clave de la historia que es reconocido como el nacimiento del cine. En 2.016, el director italiano Luigi Cozzi descubre en el sótano de la tienda Profondo Rosso, que regenta él mismo junto a Dario Argento en Roma, un misterioso libro titulado “What mad universe”. Dicho libro apareció de la nada en el París de 1.890 durante una sesión de espiritismo, en el mismo momento en que los hermanos Lumière se negaron a vender una de sus cámaras patentadas a George Méliès, director francés que la necesitaba para rodar “Viaje a la Luna”. En el libro parece que también se encuentran las pistas sobre la desaparición de Louis Le Prince. Cozzi, entrevistándose con conocidos suyos relacionados con el fantástico europeo, comienza a descubrir detalles secretos sobre los inicios del cine que han sido deformados y ocultados a lo largo de la historia por intereses desconocidos, pero mientras realiza esta investigación, algunas de las personas que le ayudan comienzan a ser asesinadas. El director se verá obligado entonces a viajar al pasado, a 1.890, para encontrar a los hermanos Lumière, a George Méliès y a Louis Le Prince, desentrañar todo este misterio y poder salvar la vida de sus amigos.     Paralelamente a la investigación de Cozzi, un portal dimensional que flota en el vacío del cosmos lanza cada cierto tiempo un imparable meteorito que viaja hacia la Tierra destruyéndola. Las Tierras de miles de universos han desaparecido ya, la siguiente va a ser la nuestra, y el misterio de Louis Le Prince parece tener algo que ver.”

¡Uff! Soy consciente de que tiendo a irme por las ramas, pero de verdad, no he podido realizar una sinopsis más breve, y como podéis comprobar, casi tiene la misma longitud que una crítica estándar.

Tras una idea tan excéntrica como ambiciosa se halla un homenaje a la época de los pioneros, así como un intento de sacar a la luz la no muy conocida figura de Louis Le Prince, al que algunos expertos denominan como el auténtico inventor de la cámara de cine y por tanto, del séptimo arte. La película juega al metacine, saltando continuamente entre la ficción, la realidad y el documental. Ésta última parte sería la más interesante, ya que para ello, Cozzi cuenta con la colaboración de gente del nivel de Dario Argento, Lamberto Bava, Alain Schlockoff —editor de la revista especializada “L´Ecran Fantastique”— o Antonio Tentori —guionista habitual del realizador Bruno Mattei—, todos ellos interpretándose a sí mismos en escenas que son casi una entrevista. La parte de realidad tiene bastante humor, puesto que Cozzi en ningún momento intenta actuar, lo cual se agradece; se muestra tal como es y tal y como pensábamos sus fans que es: un tipo encantador y divertido y auténtico devoto de su trabajo. Pero la parte de ficción es horrenda, con unos efectos especiales que convierten a los de The Asylum en auténticas superproducciones, unas localizaciones mínimas y unos actores por debajo del nivel del de un actor porno. Si a ello le sumamos un escaso presupuesto —la película fue financiada mediante crowfunding—, un desarrollo confuso que parte ya de una premisa compleja y confusa, ciertos momentos que parecen rodados por un amateur y a que, seamos sinceros, Luigi Cozzi nunca ha sido un Coppola precisamente, consigue que estemos ante un enorme mojón. Una película que no sé si catalogar de casposa, puesto que el cine casposo se define como cine malo que divierte, y aquí hay pocos momentos para la diversión y en cambio sí que provoca ganas de suicidarse viéndola.

as2   Creo que el bueno de Luigi Cozzi ha pecado de ambicioso al querer contar una historia tan compleja sin darse cuenta de que necesitaba de más medios y un buen guión. Si se hubiese limitado a realizar un documental que explicase la historia y relación entre Louis Le Prince y los hermanos Lumière y teorizase sobre el inicio auténtico del cine, el resultado habría sido mucho más interesante y con toda seguridad, una pieza imprescindible para estudiosos del tema. Sin embargo, “Blood on Melies moon” no pasa de ser una curiosidad más bien tirando a aburrida. Aunque pese a todo, se agradeció la presencia del director y cómo, tras finalizar el pase en un Brigadoon lleno al máximo, no tuvo problemas en hacerse fotos, firmar autógrafos y charlar con los asistentes.

 

LO MEJOR

  • El homenaje a los pioneros del cine.
  • La colaboración de grandes del fantástico italiano.
  • El hecho de que Luigi Cozzi vuelta a dirigir casi tres décadas después.
  • El sentido del humor del propio director.
  • El ejercicio de cine dentro del cine.
  • Que intente devolver la figura de Louis Le Prince al lugar que se merece.

 

LO PEOR

  • La falta de presupuesto.
  • La excesivamente recargada trama.
  • La larga duración.
  • La interpretación casi amateur de los actores que interpretan a los personajes de ficción.
  • Los espantosos efectos especiales.
  • El confuso desarrollo.
  • El aire de película casera que tiene en muchos momentos.
  • Que el apellido Méliès esté mal escrito tanto en el poster promocional como en el mismo tráiler (motivo por el cual también lo he escrito mal en el encabezado y a lo largo de este artículo, ya que así es como han querido titular a la película).
  • Que muchos esperábamos una nueva “Starcrash: choque de galaxias” tras veintisiete años de pausa.

LA ESCENA

  • Luigi Cozzi se despierta tras una pesadilla en la que le aclamaban como al nuevo Ed Wood de la serie B, y le comenta a su compañera que si fuera cierto, debería ser millonario y famoso en todo el mundo.
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La chica del tren, de Paula Hawkins (Planeta Internacional, 2016)

blog_ Athnecdotario incoherente - 4 December 2016 - 9:19am

Una reseña de FJ Arcos Serrano

 

lcdtRachel toma siempre el tren de las 8.04 h. Cada mañana lo mismo: el mismo paisaje, las mismas casas… y la misma parada en la señal roja. Son solo unos segundos, pero le permiten observar a una pareja desayunando tranquilamente en su terraza. Siente que los conoce y se inventa unos nombres para ellos: Jess y Jason. Su vida es perfecta, no como la suya. Pero un día ve algo. Sucede muy deprisa, pero es suficiente. ¿Y si Jess y Jason no son tan felices como ella cree? ¿Y si nada es lo que parece?

Paula Hawkins es una periodista especializada en finanzas y autora de novelas románticas de encargo antes de reinventarse como escritora de thriller en este La chica del tren, libro que vendió cinco millones de ejemplares en sus primeros seis meses. Creo que nunca en la historia de la literatura se había vendido tan rápido (y tanto) un libro, así que podemos decir que este título se ha convertido en el fenómeno editorial del siglo.

Para los que conocen mis gustos personales no suelo dedicar mi tiempo a leer bestsellers, pero en este caso particular los caminos inescrutables de la vida han hecho que me apeteciera leer un thriller y el resto es historia, como se suele decir…

Entrando en materia podríamos catalogar a La chica del tren como una mezcla de ‘Perdida’, la novela de Gillian Flynn, ‘La ventana indiscreta‘, film de Hitchcock y ‘Extraños en un tren‘, libro de Patricia Highsmith, con el que guarda no pocas similitudes.

A través de este cóctel vertiginoso la escritora nos muestra un thriller psicológico donde no todo es lo que parece ser a priori, ya que su protagonista no es una narradora demasiado fiel a lo que nos cuenta debido a su problema con el alcohol. Este recurso ha sido fuertemente criticado por algunos lectores que se quejan de que sea una táctica narrativa cogida por los pelos, pero yo no lo veo exclusivamente de esa forma ya que cada escritor elige libremente los engranajes internos de su narrativa para intentar sorprender o no al lector.

Otra cosa diferente es que la novela se haga un poco tediosa en algunas partes, ya que llega un momento de la historia en la que la autora no para de dar vueltas sobre lo mismo, dejando al lector con una sensación de hastío importante hasta su parte final donde parece que los hechos se empiezan a desencadenar con más brío (lo que no quita que sea uno de esos finales peliculeros que seguramente la escritora ya tenía en mente para su adaptación en pantalla grande).

Otro asunto negativo es lo predecible que llega a ser la novela a partir de su segunda mitad. Si eres un poco avispad@ lograrás saber quién es el que anda detrás de todo el embrollo.

lcdt2A pesar de estos inconvenientes (subjetivos, como todo en la vida…), queda patente que la autora maneja a la perfección ciertos detalles narrativos que dan empaque a la conclusión final y sin dejar ninguna laguna o detalle sin explicar, cosa que agradezco como lector.

Para ir finalizando hay un detalle que me ha llamado poderosamente la atención y no es otra cosa que el propio rol de la mujer en la novela, ya que sus principales protagonistas se sienten incompletas si no tienen a un hombre en su vida: curioso tratamiento de la figura femenina, sobre todo porque está narrado por una escritora; dejémoslo ahí…

En definitiva: La chica del tren es una novela que atrapa gracias a sus diferentes voces narrativas y a sus saltos temporales, pero que no termina de convencer debido a su naturaleza de déjà vu que se desprende durante toda su lectura.

 

Ficha técnica

Título: La chica del tren

Autora: Paula Hawkins

Editorial: Planeta Internacional

Páginas: 496

ISBN: 9788408141471

Precio: 19,50 euros

 

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Patricia Brent, solterona

blog_Mar de tinta - 3 December 2016 - 9:37pm
El catálogo de la editorial Dépoca puede ser pequeño, pero cada uno de sus títulos resulta ser una joya literaria digna de atesorar. Lo mismo ocurre con su nuevo título: “Patricia Brent, solterona” es una comedia de enredos deliciosa escrita con la acostumbrada elegancia británica de primeros de siglo XX. No se la pierdan. Herbert […]

Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 3): Beyond the gates, de Jackson Stewart

blog_ Athnecdotario incoherente - 3 December 2016 - 8:11am

Por Albert Sanz.

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FICHA TÉCNICA

  • Título original: Beyond the gates
  • Año: 2.016
  • Duración: 84 min.
  • País: USA
  • Director: Jackson Stewart
  • Guión: Stephen Scarlata y Jackson Stewart
  • Fotografía: Brian Sowell
  • Reparto: Graham Skipper, Justin Welborn, Brea Grant, Barbara Crampton, etc.
  • Productora: Thunder Warrior Productions & Destroy All Entertainment
  • Género: Terror, juegos de mesa, homenaje retro

 

https://www.youtube.com/watch?v=yUaeahD0D5c

 

La expectación excesiva es algo malo —me niego a llamarlo “hype”—, sobre todo cuando te encuentras ante un producto mediocre. Eso pensé al salir de su visionado en un Retiro lleno al máximo de su capacidad y ver cómo las urnas de 1 y 2 puntos —este film era de los que el público votaba— se llenaban mayoritariamente de papeletas, mientras que las de 3, 4, 5 permanecían casi vacías.

Y es que de nada sirve apelar al amor por el sistema VHS, ni contar con la presencia de la veterana especialista en el género Bárbara Crampton —“Space Trukers”, “Trancers II”, “Re-Animator”, etc.— o con la adorable Bea Grant —“Dexter”, “Halloween II” —la de Rob Zombie—, “Heroes”, etc.—, ni acompañarlo de música retro tecno ochentera a cargo de Wojciech Golczewski, ni el gore humorístico, ni querer enmarcarla en la corriente actual de nostalgia ochentera intentando hacer que juegue en la misma liga de “Kung Fury”, “Strangers things” o “Turbo Kid”. No, nada de esto sirve si luego el resultado es una película lenta interpretada por una pareja de actores sin carisma y que por momentos parece una cinta amateur.

Y que conste que no echo la culpa al simple guión o a la planicie de sus personajes; al fin y al cabo muchas de las películas que pretende homenajear también lo eran, pero por norma general entretenían, cosa que no consigue esta.

3ac   ¿Y de qué va “Beyond the gates”? Pues de esto: “Bob, padre de familia y dueño de un videoclub especializado en VHS, desaparece sin ningún motivo. Tras casi un año, sus hijos Gordon y John deciden poner en venta el local, por lo que se reúnen tras mucho tiempo separados y comienzan a embalar todo el material. En el despacho del padre, se dan cuenta de que antes de desaparecer había estado jugando a un juego de mesa de los años 80, que iba acompañado de una cinta de vídeo; en dicha cinta, la enigmática Evelyn guía al jugador por las diferentes fases. Intentando hallar una respuesta a la desaparición de su padre, los dos hermanos junto a Margot, la novia de Gordon, comienzan una nueva partida. Lo que no saben es que… blablablá… horror… blablablá… maldición… blablablá… pesadilla sin salida… blablablá… muerte… blablablá… infierno… blablablá.”

O sea, un argumento auténticamente ochentero. Una idea sencilla y que rodada en la década correcta por un Coscarelli, un Craven o un Carpenter, habría podido ser una joya. Pero a Jackson Stewart se le ha notado que éste es su debut en la dirección, ya que hasta el momento apenas había guionizado algunos cortos y un par de capítulos en series (aunque uno de ellos pertenece a la exitosa “Sobrenatural”).

La ilusión de Stewart por recrear una época y aportar muchos detalles no ha logrado evitar que el producto haya sido mediocre. Aunque si es por ambientación, estamos ante un gran producto, comenzando con ese genial videoclub que tiene todo el aspecto de ser real. (Permitidme un inciso. A modo de complemento, recomiendo el visionado del documental “Rewind This!” —Josh Johnson, 2.013—, en el que se detalla como a día de hoy, en USA todavía existen multitud de macrovideoclubs (estilo cadena BlockBuster) especializados en VHS y que aunque parezca inaudito, sobreviven con muchos beneficios y una legión de clientes.) La banda sonora es excelente. Los toques de gore son contados pero del gore divertido y exagerado a lo “Braindead”. Y el personaje de Bárbara Crampton y su interpretación, aunque puedan parecer ridículos en este momento, viéndolo desde una óptica ochentera, transmiten morbo y tensión a partes iguales.

Por lo tanto, hay cosas buenas aunque no consiguen enderezar el producto. Se juega al terror más inquietante, serio y elaborado, pero también a la vez al frikismo más casposo y a la comedia negra, y falla al no encontrar su tono en momento alguno, además de no saber administrar los tiempos, al contar con una escena movida para pasar a otra larguísima sin que suceda nada. Y podríamos hablar también de Graham Skipper y Justin Welborn, la pareja de hermanos cliché —el serio y responsable con la vida resuelta y el vividor y aventurero que no echa raíces—, interpretados con absoluta desgana y sin química entre ellos.

4ac Una auténtica lástima ya que lo tenía para ser una obra de culto, pero también reconozco que es una película que de aquí a un tiempo me gustaría visionarla de nuevo para ver si sigo opinando lo mismo o le pillo el encanto.

Por cierto, tanto su director Jackson Stewart como Brea Grant y Barbara Crampton presentaron la película. Cabe decir además, que Crampton recibió por parte de la organización el premio “Màquina del Temps” por toda su carrera en el cine de género y que también fue la madrina y dio el pistoletazo de salida a la tradicional “Zombie Walk”.

 

LO MEJOR

  • El homenaje a los 80.
  • La banda sonora retro futurista, ideal para fans de Wendy Carlos, Jan Hammer, Tangerine Dream, Mitch Murder y Betamaxx.
  • La enigmática presencia de Barbara Crampton.
  • La capacidad de Brea Grant de sobresalir en todo momento por encima de sus compañeros de reparto.
  • La sinopsis, digna del cine de terror ochentero más entrañable.
  • Las escenas gore divertidas y exageradas.
  • ¡¡Cintas de VHS!!

LO PEOR

  • La planicie y nulo desarrollo de personajes.
  • La desgana de Graham Skipper y Justin Welborn y la nula química entre ellos.
  • Lo aburrido y carente de tensión de gran parte de su metraje.
  • Que no consigue encontrar su tono: ni es suficientemente terrorífica ni suficientemente freak.

LA ESCENA

  • Cuando los dos hermanos se pasean por el videoclub y los espectadores intentamos leer los lomos de las cintas para comprobar si hemos visto alguna de esas películas.
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Las críticas de #SitgesFest2016 (Episodio 2): Anguish, de Sonny Mallhi

blog_ Athnecdotario incoherente - 3 December 2016 - 7:56am

Por Albert Sanz.

1sa

FICHA TÉCNICA

  • Título original: Anguish
  • Año: 2.015
  • Duración: 91 min.
  • País: Inglaterra
  • Director: Sonny Mallhi
  • Guión: Sonny Mallhi
  • Fotografía: Amanda Treyz
  • Reparto: Ryan Simpkins, Annika Marks, Karina Logue, Ryan O’Nan, etc.
  • Productora: Anguish Film
  • Género: Drama indie, terror, posesión, espíritus

 

https://www.youtube.com/watch?v=eg_NriAfV8E

 

Martes. 7:35 de la mañana. Aún amaneciendo. Servidor caminando por las solitarias calles de la zona residencial de Sitges y decidiendo si ver “The eyes of my mother” en el Prado o “Anguish” en el Retiro, ya que los primeros pases de cada día son abiertos a la prensa sin necesidad de solicitar acreditación. Cruce de whatsapps’s con la amiga Karakia de nuestro blog hermano “Primer Pase” para saber cuál va a ver ella y así optar por su opción, y rezar porque no hubiese decidido ir a ver “The handmaiden” en el Auditori Melià. No. Proyectar películas en el Auditori Melià a las 8:15 debería de estar prohibido. De hecho, debería estar prohibido a cualquier cine del mundo proyectar películas a esa hora. Karakia decide que la almohada será la mejor compañía durante esa mañana. Gran elección, pero yo ya estoy en movimiento así que no voy a volver atrás. Opto por la opción vaga: Retiro me queda a un minuto menos de camino que Prado. Craso error…

Anguish” supone el debut en la dirección de Sonny Mallhi, guionista de “Crush” y “The roommate”, y con una interesante carrera como productor —“Retratos del más allá”, “Los extraños”, “La casa al final de la calle”, etc.— y se adentra en esta primera incursión en el cine de espíritus y posesiones. Sin embargo, lo hace con una producción  indie, con todo lo malo y bueno que ello tiene.

 3sa   “La adolescente Lucy viaja en coche con su Sarah, su madre. Ambas discuten porque ésta no quiere dejarla asistir a una fiesta. Lucy, enfadada, se baja del coche en medio de la carretera y es atropellada muriendo en el acto. En aquel lugar, una cruz y una foto dan testimonio de la tragedia acaecida. Años después, Jessica, una madre divorciada, acepta un trabajo en la fábrica del pueblo donde vivió Lucy y se traslada allí con Tess, su hija también adolescente, la cual lleva desde los cinco años en tratamiento por esquizofrenia y desórdenes de la personalidad. Cuando Tess descubra la zona del accidente, comenzará para ella un descenso al horror y la locura que hasta ahora controlaba con el tratamiento médido. Y es que su enfermedad es en realidad un don, ya que puede comunicarse con los muertos. Y de ese don querrá aprovecharse Lucy, que anhela volver a la vida”.

¿Cómo mola, verdad? ¡Pues no! Y es que de una película de hora y media —contando títulos de crédito— que parte de un material de primera, con buenas interpretaciones, una trama de lo más interesante, una ambientación gris y asfixiante y un marcado carácter femenino, sólo se salven quince minutos, ya indica que algo ha fallado.

No estoy en contra de las películas lentas. Hay planos que cuentan mucho aunque el tempo de la escena sea lento, pero esto no ocurre en “Anguish”. Bueno, sí que pasa. Hay sustos e intentos de susto —de esos de los que crees que va a pasar algo pero luego no sucede nada— hasta el hartazgo, y cuando viene la parte intensa apenas dura un cuarto de hora. Lo gris e impersonal de las localizaciones ayuda a esa sensación de tedio. Aun siendo una película inglesa, ha sido hecha en USA y los lugares de rodaje muy bien elegidos: el clásico pueblo que vive de una fábrica cercana donde parece no haber un futuro fuera de allí. También ayuda, cómo no, la carencia de personajes y situaciones variadas, ya que gran parte del metraje nos muestra a Tess paseando y descubriendo el pueblo.

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Sobre las interpretaciones, no tengo muy claro si a Ryan Simpkin le falta un hervor o hace un papelón porque su personaje es así fruto de la enfermedad, ya que salvo en la parte final en que es poseída por Lucy, no es que actúe mal, es que directamente no actúa. Incluso cuando parece que va a haber una escena de terror, la chica ni se inmuta. Todo lo contrario a Annika Marks —Jessica— y Karina Logue —Sarah—, que pese a interpretar unos papeles secundarios, protagonizan un emotivo duelo interpretativo en la recta final.

Pese a la caña que le estoy dando, merece la pena mencionar la originalidad en el planteamiento del tramo final de la película. ***SPOILER Los poderes como médium de Tess se desarrollan al máximo y gracias ello, Lucy consigue poseer su cuerpo y volver con su madre, pero ésta logra convencerla de que lo devuelva y se vaya al más allá. Cuando lo hace, el siguiente espíritu en “la lista” que rondaba por allí posee el cuerpo, impidiendo el retorno de Tess y obligando a Lucy a expulsarlo e introducirse de nuevo, para evitar que otro espíritu que no sea el de Tess entre. FIN DEL SPOILER*** Dicho planteamiento me parece de una originalidad brutal y que no se ha visto (creo) hasta ahora. Bien desarrollado, dándole la importancia debida en el metraje y confrontando la parte paranormal con la médica —algo que ya sucede pero en poca medida—, nos habría permitido disfrutar de un extraordinario thriller de suspense y terror; pero no, lo que vemos son más de 70 minutos de una adolescente sola, sosa y aburrida, paseando por un pueblo gris y aburrido, con algún ocasional susto, para pasar a un dinámico y tenso cuarto de hora final.

Está bien eso de querer transmitir al espectador lo que siente su personaje principal, pero si la vida de éste es aburrida y carente de emoción (porque incluso las escenas de miedo están tratadas de un modo que no emocionan ni son capaces de alterar ni a Tess ni al espectador), no es muy apetecible tragarnos tres cuartas partes de película aburrida y carente de emoción.

El hecho de que Sonny Mallhi quiera dotar a su film de la naturalidad y sinceridad del cine indie contrasta con el intento de crear una nueva “El sexto sentido”, y aunque nada dice que no pueda existir un drama indie sobrenatural, Mallhi no es Shyamalan y el resultado ha sido bastante coñazo.

LO MEJOR

  • La fotografía y localizaciones, grises y tristes, acentuando la sensación de agobio y monotonía de los que no se atreven a dejar el pueblo.
  • Las emotivas y sinceras interpretaciones de Annika Marks y Karina Logue.
  • El interesante tramo final.
  • El aire indie de la película.

LO PEOR

  • La falta de hervor y sangre en las venas de Ryan Simpkins.
  • El tratamiento de las escenas de sustos y “sustos que al final no lo son”, hecho de un modo que no crean tensión ni inquietud en el espectador.
  • La lentitud exasperante.
  • No dar ningún tipo de explicación a la parte paranormal de la historia.
  • No haber desarrollado o tomar como elemento principal en la historia el tramo final.

LA ESCENA

  • Todo el citado tramo final de la película.

Las críticas Sitges 2016 (Episodio 1): 31, de Rob Zombie

blog_ Athnecdotario incoherente - 1 December 2016 - 8:54pm

Por Albert Sanz

 

INTRO

 

Muy buenas. Mil disculpas por el retraso en publicar las crónicas de esta edición de nuestro festival favorito. Comenzamos en este primer artículo con una introducción a modo de repaso general y la primera de las críticas.

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Como suele pasar en un festival que estrena más de doscientas películas, uno no siempre acierta con lo que va a ver. De hecho, el sistema para elegir lo que uno va a ver es decidirse lo primero por las pocas que tengan un cast y/o un director/guionista famosos y que te gusten, o bien porque hayan tenido una buena promo previa, y el resto… pues leer la sinopsis, pasar de investigar demasiado y lanzarse a la piscina a ver qué es lo que cae. Y lo cierto es que he tenido bastante suerte en esta ocasión. Algún truño me he comido, inconscientemente —“Anguish” o “Beyond the gates”— o peor aún, de forma consciente y con premeditación —“Double Dragon”—, pero en general he salido bastante satisfecho.

También he tenido suerte en esta ocasión ya que ha coincidido en que varias de las películas vistas han sido premiadas. Aunque como siempre, en esto habrán disparidad de opiniones, pues pese a que considero justo el premio a mejor dirección novel otorgado a Julia Ducournau —la cual ya había dirigido con anterioridad un telefilme— por “Raw”, no estoy de acuerdo en que la mejor película del festival haya sido “Swiss army man”, pese a la originalidad de su planteamiento, las toneladas de caspa que rezuma y ver a unos Daniel Radcliffe y Paul Dano a un nivel interpretativo casi sobrenatural. Como también discrepo en el premio otorgado a mejor actriz a la pequeña Sennia Nanua por “Melanie: the girl with all the gifts” tras ver a la aún más joven y adorable Soo-an Kim en “Train to Busan”. Y puestos a ser puñeteros, también discrepo del premio otorgado a mejor fotografía otorgado a “The wailing” después de haber alucinado con la épica “Hardcore Henry”, la cual debería haber ganado además a mejor montaje (aunque parece ser que no merecía ningún premio, puesto que no optaba a concurso). En cualquier caso, discrepar de las películas premiadas no invalida el disfrute de sus respectivos visionados y ayuda a poder realizar unas muy interesantes friki-discusiones con los colegas.

Antes de finalizar esta intro, quisiera destacar un par de puntos sobre todo lo visto. El primero es el gran nivel interpretativo femenino. Es cierto que de más de doscientas películas proyectadas, las veintidós que yo vi tal vez no sean un tanto por ciento significativo, pero la verdad es que me he topado con actrices conocidas fuera de su zona de confort habitual como Meryl Streep, Juanita Ringeling o Noomi Rapace, jóvenes promesas con un gran futuro por delante como Garance Marillier y las mencionadas Sennia Nanua y Soo-an Kim, y secundarias de lujo como Annika Marks y Karina Logue, y todas ellas han rallado la excelencia en sus respectivos papeles.

Y el segundo punto a destacar sería lo que denomino como “efecto Lost” o “me importa una mi…. que no te enteres”. Y es que de un tiempo a esta parte, estoy viendo un fenómeno que me saca de quicio, y que normalmente se da en el género de suspense o terror: el no explicar nada. Estoy de acuerdo en que Hollywood tiene lobotomizado el cerebro a muchas personas con productos clónicos y previsibles, y no está nada mal en enfrentarnos de tanto en tanto con producciones que te hagan pensar, que no te lo den todo hecho. Films como “Memento” o “Mullholland drive” te hacen comerte la cabeza pero puedes establecer algún tipo de teoría sobre lo visto. Sin embargo, el “efecto Lost” visto en, por ejemplo, la multipremiada “It follows”, sería el tipo de historia cuyo guión no explica nada de lo sucedido y lo que es peor, tampoco da pistas o claves para que te montes tu propia película mental. Pero ojo, que la situación es todavía más lamentable, porque encima estamos hablando de películas muy bien hechas a casi todos los niveles y con unos elevados niveles de tensión, suspense y “nopuedoapartarlamiradadelapantallaostiaquebienmeloestoypasando”. O sea, que estamos ante unos guionistas y directores que conocen todos los resortes del entretenimiento, que te ofrecen un producto distinto y bien hecho pero que se centran únicamente en la parte estética olvidando (o queriendo olvidar) que están contando una historia y que ésta ha de ser explicada en algún momento o que pueda intuirse lo sucedido. Y puestos a poner nombres, pues mi mosqueo vino con la tensa road movie “Sam was here” y la ciencia ficción terrorífica de “Shortwaves” (en la que el “efecto Lost” no es tan pronunciado, pero las pocas explicaciones dadas en su argumento generan más dudas que otra cosa).

Y poco más puedo añadir a modo de resumen, así que vamos a  por las críticas que tito Athman irá subiendo a lo largo de los próximos días. Eso sí, los que me conocen, que no piensen que paso por alto todas las actividades relacionadas con “Star Trek”, pues a eso ya llegaré cuando toque hablar del visionado de “Star Trek: La película (Director’s cut)”.

 

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 FICHA TÉCNICA

  • Título original: 31
  • Año: 2.016
  • Duración: 102 min.
  • País: USA
  • Director: Rob Zombie
  • Guión: Rob Zombie
  • Fotografía: David Daniel
  • Reparto: Sheri Moon Zombie, Jeff Daniel Phillips, Meg Foster, Malcolm McDowell, Pancho Moler, Ginger Lynn Allen, etc.
  • Productora: Spookshow International
  • Género: Survival horror, gore, drama

 

 

Vamos directos al grano. “31” es la peor película de Rob Zombie. Y a la vez, una de las películas vistas durante el festival que más me han entretenido.

“Lords of Salem” dividió a la audiencia, ya que Zombie se mostró como un maestro a la hora de crear un ambiente onírico, decadente y de pesadilla, pero se le atragantó el querer dotar a su historia de un contenido profundo y metafísico, casi de arte y ensayo, haciendo que lo que podría haber sido una de las películas de terror más malrolleras de la historia, acabara siendo a ratos incomprensible y aburrida. Pero ahora nos presenta “31” y se deja de tonterías: desarrollo de personajes inexistente, explicación a las motivaciones de los villanos inexistente, giros de guión que puedan sorprender inexistentes y argumento simple hasta decir basta. Todo ello para poder ofrecer muerte, sangre, destrucción, violencia gratuita y rock and roll setentero desde el primer cuarto de hora.

La sinopsis vendría a ser algo así: “un grupo de actores que cruzan el desierto en su furgoneta son secuestrados por unos encapuchados y llevados a una enorme fábrica, donde durante doce horas serán perseguidos por un grupo de asesinos de lo más variopinto, dirigidos por un trío de ricachones que se divierten apostando. Y tendrán doce horas para morir o matar.” Complicado, ¿eh?

sa4   Zombie ha hecho este remake oficioso de la ochentera “Perseguido” de Arnold Schwarzenegger en clave gore, y que la emparenta en su simpleza con sus dos primeros films —“La casa de los 1.000 cadáveres” y su secuela spin-off “Los renegados del diablo”—; y si bien “31” no posee ni la creatividad ni los diálogos ingeniosos de estos dos films mencionados, logra algo muy grande y que demuestra que estamos ante un gran director de actores: que partiendo de un material tan pobre, empaticemos con los personajes protagonistas, suframos con ellos y odiemos a los malos.

Y por supuesto, aunque es algo a lo que ya estamos acostumbrados, hay que destacar la galería de personajes freaks que pueblan la película, encabezados por Sick-HeadPancho Moler—, un delirante Hitler enano mexicano que habla casi todo el rato en español —en la versión original— y Doom-Head, un inmenso Richard Brake al cual habréis visto tal vez sin saberlo como el líder de los caminantes blancos de “Juego de Tronos”, y que interpreta a uno de los asesinos más carismáticos que haya visto jamás.

En conclusión, que nadie intente encontrar algo profundo en “31”, puesto que no es más que un espectáculo superficial, pero eso sí, también es un espectáculo tenso, dinámico, angustioso por momentos y muy entretenido, y todo ello envuelto en la personal estética e iconografía de Rob Zombie.

Y la conclusión de la conclusión, tres palabras que definen a la cinta: Sheri Moon Zombie. ¡UFF!

 

LO MEJOR

  • La galería de villlanos freaks, encabezados por Sick-Head y Doom-Head.
  • Las interpretaciones de Pancho Moler y Richard Brake.
  • Que pese a estar adscrita al género de terror y a todo lo que haga su marido, Sheri Moon Zombie demuestra una vez más su variedad de registros interpretativos.
  • Que Rob Zombie no pierde fuerza con los años y aún sigue impactando.

LO PEOR

  • Una premisa simple con un desarrollo aún más simple.
  • Haber desaprovechado de tal manera la siempre inquietante presencia de Malcolm McDowell.
  • No conocer absolutamente nada de los villanos ni por qué iniciaron este macabro juego.
  • Que Rob Zombie siga potenciando el indudable morbo sexual de su mujer, consiguiendo que en algunos momentos, los más salidos como yo no nos fijemos en su intensa interpretación.

LA ESCENA

  • Cualquier plano en el que aparezca Sick-Head.
  • El monólogo inicial de Doom-Head.

PD: ¿Alguien puede decirme cuando aparece la gran Ginger Lynn Allen? Porque por más que me fijé fui incapaz de ubicarla.